Clausura de Telecápita : Sergio González Rodríguez

"Nuestra narrativa es muy convencional"

Clausura con conferencia el Encuentro Telecápita

"No hemos reflexionado seriamente sobre el tipo de escritura que realizamos"

¿Cuáles son los límites de la escritura? ¿Cómo es posible identificar lo literario dentro del amplio espectro de posibilidades editoriales que se ofrecen en los estantes de novedades? ¿Es acaso necesaria una ética escritural creativa que conteste a los grandes imperativos comerciales que figuran escritores mediáticos pero muy pocos productos literarios verdaderamente vitales? Ante estas y otras preguntas, el escritor y periodista mexicano Sergio González Rodríguez, propuso en la Clausura del Encuentro Telecápita, la teoría del oneirograma, un método de trans-escritura que se coloca fuera de lo convencional.

"Es un modo de romper con los elementos tradicionales de la narrativa que suelen obstruir mucho la creatividad, la causalidad, la explicación, la coherencia del relato convencional, la unidad tiempo y espacio. Creo que las narrativas contemporáneas de muchas partes del mundo, sobre todo por la influencia del cine, están rompiendo todo esto, ya desde hace muchas décadas, pero en la tradición literaria mexicana es algo que aún no se ha hecho: seguimos teniendo una narrativa muy convencional", comenta el escritor.

"Tenemos unas tradiciones muy formadas en la preponderancia de cierto canon que triunfó y esto ha impedido que prosperen otras formas. Somos una sociedad muy sólidamente fundada en cuanto a sus principios culturales. Esto viene del nacionalismo posrevolucionario, y no se ha establecido una crítica a fondo de todas estas influencias que siguen siendo muy importantes", y que, a juicio de Sergio, coartan la libertad y el genio.

González Rodríguez comenta que por tal motivo le parece increíble que un libro como Batallas en el desierto, de José Emilio Pacheco siga siendo un libro de lectura obligada en las escuelas, cuando ya pasaron 25 años de que se escribió, y ha transitado ya una generación que podría estar siendo borrada.

"Es preciso empezar ya a buscar los nuevos productos, la nueva generación literaria tiene que estar siendo leída de otro modo por los pedagogos, por los profesores, por la Academia", añade Sergio.

Trans-escritura: de vuelta a la oralidad

"Tengo la impresión de que no hemos reflexionado suficiente sobre el tipo de escritura que realizamos. Durante el transcurso del tiempo la escritura giró en torno del respaldo o soporte analógico (papel, pluma tinta, papiro, pergamino, etc) hacia cumplir un ciclo que culminó con la escritura dactilográfica, en máquina de escribir, todavía escritura analógica. Justamente, a partir de la revolución tecnológica de los últimos años, la escritura se ha configurado como una post-escritura porque ya el soporte no es analógico sino digital y esto cambia completamente el concepto de escritura.

"Generalmente ocurre mediada por un teclado en esta primera fase que nos tocó vivir y posteriormente se incorporarán nuevas técnicas como la oralidad para escribir y ya se dejará poco a poco atrás el teclado en sí como lo hemos usado. De allí que mi primer punto es reflexionar sobre este cambio que implica no solo un cambio instrumental sino que ahora la propia instrumentalidad trastorna todo el proceso de pensamiento y lenguaje para llegar a una escritura, de modo que hoy vivimos una etapa de postescritura.

"Aplicado ya estrictamente este proceso de postescritura a una teoría que trata de explicar el sueño y la grafía del sueño, que es lo que me propongo, tenemos que entrar en otra consideración sobre la cual también ha habido otro cambio: Tradicionalmente la literatura ha tenido una participación muy directa con los sueños. Como sabemos, el origen de los mitos, de los relatos históricos, se originan en estricta relación de los hombres con los dioses a través del sueño, a través de la videncia, a través de la narcosis cuando se ingieren sustancias enervantes para tener visiones, pero con el tiempo esto ha derivado hacia una situación más compleja. El factor mimético que ha permitido el desarrollo de la propia literatura ha cambiado radicalmente porque ahora ya no es la realidad la que nos inspira, tampoco los sueños, sino el conjunto de ficciones que se interconectan entre sí mediante justamente la posibilidad cultural que se da en los tiempos ultracontemporáneos".

Esto que parece muy complicado, Sergio González lo explica de la siguiente manera: "es fácil si prestamos atención a las aplicaciones recientes del cine relacionadas con los sueños. Tenemos muchas películas que durante los últimos años han reflexionado sobre el fenómeno de los sueños (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, El origen, por mencionar algunas). A mí me interesa cómo se ha desplazado el eje mismo de la relación del hombre con los sueños, la mimesis se hace compleja y esto hace que los relatos también", dice el escritor.

Teoría del oneirograma: una intervención de los sueños

"Mi propuesta en la teoría del oneirograma es tratar de comprender cómo se dan estos fenómenos donde uno lo que guarda después de un sueño es la memoria del sueño. Muchos escritores han transcrito estos sueños como relato casi al pie de la letra, es el caso de George Perc, Walter Benjamin, y desde luego muchos otros. La modernidad tiene una gran historia sobre, ya no la interpretación de los sueños que es una teoría psicológica, sino sobre la narrativa de los sueños. En mi caso, lo que trato de proponer es que esa narrativa no es una representación literal o tal como quedó en la memoria al despertar, sino que uno interviene los sueños, así como hay intervención artística o estética en un edificio o una arquitectura, tal como se propone una arquitectura interior o elaborar un nuevo producto a partir de algo ya existente. Yo lo que propongo es que los sueños personales deben ser sujetos en una intervención artística-estética a una re elaboración narrativa.

"El sueño sigue teniendo esa configuración donde se explica la realidad a través del relato mismo, también se elaboran prospecciones hacia el futuro o se llega a conclusiones muy interesantes de un deber ser de la realidad a partir del sueño, ese factor seguirá vigente. Lo que ahora queda mucho más claro es la premeditación de intervenir un sueño como una forma de darles un tratamiento adicional al que habían tenido tradicionalmente, uno se configura como un interventor de sueños, en esta medida estamos transformando la relación que había anteriormente, en la que el escritor se enfrenta al sueño y el sueño es la materia que va a dominar su escritura, en este caso el énfasis recae en la intervención. Ya no es el sueño lo que pesa sino la responsabilidad que yo tengo frente al sueño para transformarlo en algo nuevo, desde luego puede tener un principio utópico, un principio de planeación de cosas distintas frente a la realidad. Pero lo más interesante es que ya no hay una sumisión frente al propio sueño, lo podemos ver como una elaboración estética sumamente más compleja de lo que antes teníamos.

"Por otro lado cuando surgen expresiones alrededor de la imagen como la fotografía, el cine, el video contemporáneo, nosotros tenemos respaldo sobre fantasías oníricas que son proyectadas a la narrativa fílmica. Esto nos va dando una interrelación muy puntual con nuestra trabajo con la escritura, recordemos la noción aquella del cine como la fábrica de los sueños. Actualmente estaríamos frente a algo semejante pero ya nuestro papel es configurar todos estos elementos complejos en una narrativa que nos incluya a nosotros mismos como personas y también a nuestro mundo. Por ejemplo, no podemos pensar en una dualidad con la idea del futuro sin remitirnos a películas como Blade Runner, por dar un ejemplo canónico. Digamos que la idea de futuro proyectada en esa fantasía fílmica nos está transformando nuestra propia realidad, de ahí que el trabajo de intervención con los sueños es sumamente múltiple, interdisciplinario, complejo, ubica diversos niveles de conocimiento y literario también.

"De este modo, a manera de conclusión, la trans-escritura serían los tipos de escritura que están más allá de lo moderno y lo posmoderno. Es una situación donde uno ya considera con cierto conocimiento del pasado histórico, del presente, esas posiciones hacia una situación que es más prospectiva, no se si exactamente futurística porque el futuro siempre guarda una relación con la realidad. Más bien es una escritura de tipo prospectivo, conjetural, con ciertas tendencias aproximativas, nada es definitivo, todo es elusivo, todo es conectable. Yo creo que estamos ante posibilidades de trans-escritura muy tangibles. Los sueños te dan muchas cuestiones que no te da de ninguna manera la realidad. Y esas dudas que hay en el sueño, esos quiebres, esos puntos de fractura, esos sinsentidos son justamente una propuesta literaria que hay que reivindicar manejándola conscientemente", apunta el escritor.

"La influencia onírica es un pretexto para elaborar una narrativa. No hay otra consideración. De modo que no pensemos que cuando sueñe uno algo, por la simple traslación de lo que sueña al papel ya es un producto literario en sí, sino al contrario, esa es la materia prima para elaborar una novela, por ejemplo. Los sueños te dan muchas cuestiones que no te da de ninguna manera la realidad. Y esas dudas que hay en el sueño, esos quiebres, esos puntos de fractura, esos sinsentidos son justamente una propuesta literaria que hay que reivindicar manejándola conscientemente. La narrativa de los sueños es muy prospectiva, no es muy literal, no es una representación realista. Es una reelaboración narrativa bastante más compleja porque cuando tú sueñas sueñas algo pero cuando lo reelaboras con una intención de desarrollarlo como materia literaria es un relato bastante interesante porque rompe las coordenadas convencionales de la escritura, y esto es lo que yo quiero estimular en los lectores, cómo los sueños pueden derivar a una escritura de sí mismos que no tienen nada que ver con los formatos convencionales de la escritura y de la narrativa literal", añade.

América Latina, y las cultutas ibéricas hoy han dejado pasar la oportunidad dee, 2011, de la conmeoracion de la independencia y revolucion y no reflexionaron sobre algo muy elemental: no hubo revolución española y no hubo tampoco independiencia en hispanoamérica, en dos sentidos, ni como reforma intelectual, de la inteligencia, el pensamiento secular, científico, liberal, el concepto de la democracia, y tampoco en el sentido de configurar una realidad nacional soberana de los países latinoamericanos, las cartas de Bolívar lo comprueban al hablar de que se necesitaba la ayuda de los ingleses.

Esod dos momentos señalan dos límites de la llamada modernidad hispánica: jamás hubo una reforma filosófica en el sentido en que la entendió Hume, la encicloedia, Kant o Bacon, no ha existido en la filosofía española ni latinoamérica. Los testimonios intelectuales más radicales y más olvidados de este momento Simón Rodríghue y José María Blanco Waite, en España, son testimonios que claramente formularon el fracaso de la revolución española, el fracaso de la independiecia, y la incapacidad intelectual de asumir la reforma radical en el sentido en que la asumieron francia, inglaterra alemania y los estados unidos

Hablar de modernidad latinoamericana es una imbecilidad, hablar de una modernidades es una estrategia barroca de ocultamiento, de lo que se trata de hablar es de que no existen los fundamentos epistemológicos, ni éticos, ni políticos ni sociales de una sociedad verdaderamnete moderna, hay una mezcla, un hibridismo, una mezcla de barroco neocolonial, de teología medieval, mesianismo patético lascasiano mezclado con marxismo de gente intelectualmente irresponsable y un menjurgue de posmodernismo de algunos otros.

Si no se formula o se plantea una radical reforma del pensamiento, eso significa que la educacióny y las instituciones superiores de la educación y de la orientación a la filosofía, no se puede hacer nada. No se puede decir en rigor quién soy yo. Los países latinoamericanos están en esta difícil encrucijada y los intelectuales de esta área no dicen ni pío. Un mutismo absoluto.

Lo que la academia corporativa a predicado a través de sus misioneros como posmodernidad es una regresión, una neutralización de lo que constituye el espíritu crítico del esclarecimiento y el movimiento enciclopedista del siglo XVIII. En nombre de una crítica de los límites históricos de este esclarecimiento, cuya máxima concreción fue la Independencia de Norteamérica y la Delcaración de los Derechos Humanos, se ha criticado el proyecto mismo de emancipación, secularización, de una ciencia relfexica y de un proyecto social democrático en el mundo contemporáneo, hoy asistimos a esa debacle que el posmodernismo norteamericano anunció hace algunas décadas como la gran panacea, a su profunda verdad: la sociedad descompuesta, millones de pobres en todo el mundo, una crisis económica generada por la grandes corporaciones, un espacio militar sin fronteras y una perspectiva ecológica que pone claramente de manifiesto la amenaza capital de la humanidad. Frente a esta situación lo que necesitamos no son slogans sino una reformulación de la reflexión, en las humanidades, en las ciencias, en las técnicas y en la política.

La inteligencia latinoamericana critica al norte pero no formula donde está, qué es lo que quiere, de dónde viene y a dponde va, y en ese sentido puede vender cascabeles, posmodernismo, fast-foods y cualquier otra porquería. Vienen aquí los misiones y dicen ah, la nueva ola es la transsubjetividad, o los estudios culturales. Estamos en una situación no solo de vacío político sino también un vacío intelectual. que tiene que ser superado y solo lo será a través de una labor de esclarecimiento, de reflexión, de análisis para formular propuestas de futuro.

Los únicos seres que son capaces de pensar son las personas, los individuos. Es un problema de los cerebros. Las máquinas puede apoyar o impedir que se piense. Pero el problema es generar lenguajes, categorías, ideas, horizontes... pensar, pensar, pensar.

Cuando Prometeo robó el fuego a la corporación de los dioses del Olimpo lo hizo para emancipar al humano, es decir, para que pudiera concinar y desarrollar a partir del fuego, en el doble sentido de luz y de energía, pudiera desarrollar las tecnologías necesarias para aliviar su confrontación la naturaleza.

Prometeo que es el símbolo por antinomasia del esclarecimiento es también el símbolo por antonomasia de la emancipación humano, las condiciones de mejoramiento de las condiciones de desarrolo de la vida humana. Es el único de los dioses que defienden la causa de la tierra, que es su madre, y de sus hermanos, que son los humanos.

Es como robarle las fuentes de energía a los dioses de las corporaciones que mandan hoy en día.

Todos los saberes son ante todo saberes humanos, lo que existe es una apropiación corporativa, una privatización de los mismos para usarlos en objetivos genocidas o de enriquecimiento de una minoría social, y su ultima legitima función es la emancipación humana. La bomba atómica no es una tecnología prometeica, es una perversión.

Estamos en el laberinto y claro es peligroso porque podemos caer en las garras del minotuaro, hay que ir con cuidado pero hay caminos, y los que están diciendo que no hay caminos, son las corporaciones, que los únicos caminos son: la guerra, aumentar los presupuestos para los proyectos militares, y para los bancos. Quién está desde hace mucho tiempo diciendo que la historia ha acabado y que estamos en la era de los post son precisamente las corporaciones quienes constantemen afirman la necesidad del apocalipsis y la santa madre Iglesia. Existen en realidad todos los caminos. Debemos volver a reenergizar la confianza en la creatividad humana.

Lady Gaga en los Premios MTV 2011

Bueno, esta presentación fue grandiosa

Yoü and I (Live) www.mtvla.com
Embeberte de Lady Gaga

Entrevista a Damián Tabarovsky

La contundencia de los medios nos exigen repensar la literatura

Damián Tabarovsky presenta en México La literatura de izquierda

Es un lugar común, apuntalado por la edición en español de la revista Granta que publicó una selección arbitraria con los 32 mejores escritores de habla hispana menores de 35 años, que Argentina, a parte de ser un polo geográfico en el mundo de habla hispana, es también un polo nodal en cuanto a la creación literaria de la actualidad. Lugar común que el escritor argentino Damián Tabarovsky viene a dilapidar de palmo palmo con la publicación en México de su libro Literatura de izquierda (Tumbona) publicado originalmente en el 2004 pero que no ha perdido un gramo de actualidad ni nada de su filo.

Cuando su autor habla de literatura de izquierda no se refiere a las convicciones políticas o partidistas de los diferentes escritores, sino a un tipo de literatura que se sale de lo normal, de los cánones y que estable una "suspensión de la creencia", y apunta hacia la ruptura de lo verosímil, en un momento en que la novela detenta el gran poder en cuanto a los géneros y mantiene un estilo convencional y reaccionario.

"Hoy en día, la literatura compite contra estos otros grandes relatos, en los cuales se incluye el mediático. La última vez que vine a México, el J. J. le pegó un balazo a Cabañas y eso es tan fuerte y tan directo que ningún discurso va a ser tan potente como lo que vi esos días en la televisión. Esto pasa igual en Argentina y en el mundo entero. Pero es un signo que obliga a la literatura a repensarse. Yo, por ejemplo, abomino de esas novelas realistas ramplonas y me parece más interesante la metáfora del arte abstracto porque rompe con lo verosímil y con la narración", opina Tabarovsky.

Contra el canon

Sea cual sea el estado actual de la literatura argentina, esta sin duda ha dado grandes escritores, novelistas imprescindibles. La tradición de la cual abreva Damián no son los canónicos o mainstream (Cortázar, Piglia, Fresán, por mencionar en una pasada varias generaciones) sino la que se compone por autores como Fogwill, Libertella, Aira, Lamborghini, Néstor Sánchez, Puig, Copi, Zelarayán o Pizarnik.

En la cartografía literaria de Tabarovsky hay poca consideración para los más mediáticos: Veamos algunos ejemplos:

¿Julio Cortázar?

"Significa un momento particular, el ascenso de las clases medias, y la idea generalizada de que después de leerlo se es más culto. Su obra literaria no me parece particularmente interesante."

¿Rodrigo Fresán?

"Uno de los jóvenes mediáticos de los 90, que me interesó con el paso del tiempo porque reifica una locura llevada al extremo: ser alguien que vive pensando y dialogando con el mundo norteamericano contemporáneo pero no escribe en inglés y vive en una especie de no lugar, Barcelona. Esa excentricidad lo hace interesante para mí. Sus novelas no."

¿Ricardo Piglia?

"No es sencillo contestarlo en pocas palabras pero Piglia generó buena parte de esta vanguardia académica que yo discuto en el libro."

La literatura latinoamericana en 100 metros

Cuando Damián Tabarovsky comenzó la redacción de este libro, Fogwill y Héctor Libertella vivían a 100 metros de su casa. Luego el pensó el libro como una intervención crítica que no llegará más allá de esos 100 metros. Como pensaba que al ser una intervención muy acotada no tendría demasiada repercusión buscó colocarlo en la editorial más pequeña de la zona, la editorial Beatriz Viterbo, en la colección El escribiente, en la que se publica uno o dos ensayos por año de crítica literaria hecha por escritores. El libro se publicó en 2004 y ese mismo año el diario Mercurio de Chile lo seleccionó como el mejor libro del año. Así que sin proponérselo el libro tuvo mayor repercusión de la que su autor buscaba.

"Las problemáticas literarias de esos 100 metros resultaron ser muy representativos para la literatura latinoamericana: las relaciones entre literatura y mercado, cómo pensar la literatura después de las vanguardias, los procesos de concentración editorial inmensos, la relación con los premios, los nuevos escritores que en los 90 aparecieron bajo la influencia del rock y del pop gringo. Todo esto se replicaba en Brasil, México y España, había correspondencias, solo cambiaban los nombres", comenta el escritor.

"En Argentina causó este libro mucha polémica. Pero en los últimos años han pasado varias cosas. Un cambio muy importante es la consolidación en toda América Latina de una nueva camada de editores independientes, entre las cuales se encuentra Tumbona y Sexto Piso o Almadía, por el lado de México. En cuanto a la escritura es aún prematuro. Sí hay una nueva camada de escritores que desconfían de los circuitos de reconocimiento mainstream como los premios, la aparición en los periódicos, y prueban nuevas formas como el blog u optar por un acercamiento de la ficción al hapenning o a las puestas de escena que ya había usado la poesía.

"Modos que han sido novedosos. Pero en muchos casos hay perdida de cierta densidad intelectual. Todo esto no debería redundar en que el escritor sea menos intelectual. Hay como una idea de correr detrás de la época y de confundir conocimiento con información. Hay una tendencia al pop un tanto sencillo olvidando el carácter corrosivo del pop, el pop no es tan sencillo como parece.

"Buena parte de los escritores que son políticamente de izquierda, en el caso de Argentina, que han militado, que apoyaron a las madres de Plaza de Mayo, tienen una escritura conservadora y no se cuestionan la praxis misma de la literatura: las novelas tienen que atrapar al lector, tiene que tener introducción, desarrollo y conclusión. El corazón de la literatura no es el contenido ni la historia que se cuenta sino el lenguaje, el lenguaje es al mismo tiempo el amo, por lo tanto está la lucha de clases, lo cual significa crear un lenguaje que intente perforarlo o por lo menos llevarlo al extremo.

"Y que además se pongan en discusión con los discursos y lenguajes hegemónicos: el lenguaje de los medios de comunicación, el lenguaje de los deportes: winner-looser, el discurso de la salud: sano-enfermo. Lo que exijo para la literatura es que se pregunte si tiene algo que decir, que sospeche de si misma. Mínimo de los 60 para acá, hay tres o cuatro grandes escritores por generación que han buscado una literatura excéntrica, subversiva, marginal, profundamente erudita. Pero, a su vez, hay otra línea totalmente reaccionaria y conservadora", comenta Tabarovsky.

El libro se presentará el día de mañana jueves a las 19:30 hrs en Casa Refugio Citlaltépetl, con los comentarios de Antonio Ortuño, Nicolás Cabral y el autor. El tiraje es de 1,000 ejemplares que ya circulan en las librerías del país.

Lo interesante es que algunos escritores hemos comenzado a ser publicados en España, que se ha vuelto a erigir como la metrópoli de legitimidad. Somos 10 o 12 escritores argentinos que publicamos ahí y lo curioso es que esta línea tan fragmentada y frágil sin embargo alcanzó a instalarse en la metrópoli pero no hay que olvidar que somos un grupo de escritores solos o frágiles que el día de mañana podremos dejar de publicar y no va a pasar nada y sin embargo la línea central de la literatura argentina seguirá siendo conservadora.

Teatro prehispánico en el Festival Mundial de Shakespeare

Un soldado en cada hijo, única obra mexicana que se programa en el marco de la Olimpiada Cultural Londres 2012

La madre de Itzcóatl atiende un puesto de tamales en el mercado de Tacuba. El príncipe Ixtlixóchitl se va de farra con unos primos y amigos, ligan a una muchacha y se acuestan con ella pero resulta que es hija del señor de Tlalpan, quien indignado pero no tonto exige que la conviertan en una de las concubinas de Texcoco, el reino hegemónico. Tlalpan, Mixcoac, Azcapotzalco son reinos que se la pasan peleando unos con otros y lo hacen en el idioma de Shakespeare, el inglés.

Estas serán algunas imágenes que presentará la única obra de teatro mexicana que se formará parte del Festival Mundial de Shakespeare, enmarcado en la celebración denominada Olimpiada Cultural dentro de los Juegos Olímpicos del 2012, festival que fue anunciado el día martes en el Museo Británico de Londres.

La obra aludida lleva por nombre Un soldado en cada hijo - Una trilogía azteca (A Soldier in Eevery Son - An Aztec Trilogy) y fue escrita por el dramaturgo mexicano Luis Mario Moncada, quien nos comenta en entrevista:

"La gran herencia de Shakespeare es la noción de personaje, la noción de que el personaje es quien construye la historia y no el que está atrapado en ella. También consiste esta herencia en transitar de lo cotidiano, vulgar y prosaico a lo poético filosófico en una sola obra, yendo de un extremo a otro, por eso sus obras son tan populares y al mismo tiempo tienen varias capas de lectura", dice Luis Mario Moncada, quien trabajo 10 años en este proyecto y lo que comenzó como la revisión de un pasado nunca se imaginó que finalmente se convertiría en una obra de resonacia internacional, una historia prehispánica en Inglaterra, que es colocada dentro de la programación de un Festival que es ambicioso a más no poder y que casi a un año de que se realice ha anunciado la totalidad de su programación.

Como si esto fuera poco la obra se presentará en el emblemático Teatro Swan, en Stratford, localidad que es la cuna de Shakespeare y que se ubica a una hora de la capital inglesa. El Festival lo organiza la Royal Shakespeare Company (RSC) y es un proyecto que se ha preparado desde hace dos años que busca conocer la resonancia que este autor tiene en el mundo.

De México a Londres y de ahí al Cervantino

La directora asociada Roxana Silbert fue encomendada por la RSC para rastrear por Latinoamérica autores o proyectos que pudieran formar parte de este Festival. Ella, quien ya conocía a Moncada, lo contactó y así fue como surgió este vínculo. En enero, una comisión de la RSC vino a México para definir detalles con el dramaturgo y también se dieron el tiempo para establecer un vínculo son la Compañía Nacional de Teatro, lo cual facilitará que la obra se monte también en México, en el marco perfecto: como parte de la LX edición del Festival Cervantino en el 2012, con el mismo montaje y en la lengua del clásico.

En términos técnicos, la dirección de la obra correrá a cargo de Roxana Silbert y la escenografía a cargo de Jorge Ballina, quien tiene un gran reto porque el Teatro Swan tiene características isabelinas y por lo tanto no está facultado para el uso de maquinaria. Sobre la estética, Luis Mario nos cuenta que aún no han decidido lo que van a hacer porque por un lado sería raro ver a ingleses vestidos con taparrabos peor, por otro, si no se introduce aluna referencia estética evidente que remita a otra época los ingleses sentirán que ven una obra contemporánea de Shakespeare con nombres raros.

En apariencia el Festival Mundial de Shakespeare le vino a Moncada como anillo al dedo, ni mandado a hacer lograría tal puntualidad. Pero este proyecto originalmente surgió por un encargo no concretado, el cual consistía en adaptar La vida y muerte del rey Juan, de William Shakespeare en un contexto prehispánico. El encargo llevo a Luis Mario a las bibliotecas, donde encontró lo que el considera "todo un mundo maravilloso y desconocido".

En varios documentos históricos encontró un episodio que le pareció calzaba perfecto con la obra de Shakespeare: la usurpación del reino de Texcoco por parte de Tezozomoc, rey de Azcapotzalco, antes de la conformación de la Triple Alianza. Suceso que, en palabras de Moncada, es fundamental en la historia, pues a partir de esa Alianza se constituiría la primera idea de "nación" (aunque el término no aplique con la época) que se gestó en los pueblos originarios de México.

El mundo nuevo que descubrió Moncada daba para más, así que no conforme con una sola obra se planteó la realización de una trilogía, la cual escribió durante los últimos tres años. Son tres obras, cada una de ellas se centra en un personaje en específico: Ixtlixóchitl, Tezozomoc e Itzcóatl. Para el montaje del Festival de Shakespare se prepara una versión más corta que unifica las tres en una sola.

En la primera obra tomó como base El rey Juan, texto respetada escena por escena aunque cuenta otra historia, la de Tezozomoc. Para Ixtlixóchitl toma como modelo Enrique IV, no tanto la obra sino uno de los personajes: el príncipe Harry, quien se convertirá en Enrique V. "Shakespeare cuenta que, en su juventud, Harry era un príncipe muy dado a la bohemia y que producía muchas dudas, finalmente sería uno de los reyes más queridos y admirados. Esa es la parte que tomo para hablar de Ixtlixóchitl como un príncipe que de alguna manera es causante de la guerra por su indisciplina y falta de visión política. Para la última obra, con la que seguramente tendré algunas controversias históricas, toma como modelo a Ricardo III, símbolo de la ambición política a raja tabla, para contar la historia de Itzcóatl", dice Luis Mario.

En el centro lo humano, no la Historia

Así como lo entendió Shakespeare, también lo entendió Moncada: "en estas historias políticas siempre hay un gesto humano que desencadena todo", dice el mexicano. Helena fue en Troya. Tecpaxóchitl lo fue para el enfrentamiento que daría lugar a la Triple Alianza.

Los mexicas, explica Moncada, eran un pueblo mercenario de guerreros que se alquilaba para hacer guerra, pueblo vilipendiado y considerado como sumamente violento, que no tenía ninguna probabilidad aparente de prosperar en la zona. Por su parte Azcapotzalco era el reino más importante. Y Texcoco era el pueblo del linaje, los primeros que llegaron y quienes repartieron los territorios. Fueron ellos quienes le asignaron el suyo a Azcapotzalco.

"Este tema desataría una guerra futura, pues unos y otros se enfrascarían en una controversia sobre quién debería reinar en el territorio de Texcoco. La solución fue dirimirlo con una boda: casar al joven príncipe Ixtlixóchitl con la hija del rey Tezozomoc. En este punto es donde empieza el drama porque siempre en estas historias políticas hay un gesto humano que desencadena todo, y en este caso es el del príncipe Ixtlixóchitl que decide rechazar a la esposa.

"Eso es un misterio porque en ninguna crónica se explica la razón, lo único que se sabe es que esta misma princesa Tecpaxóchitl había sido anteriormente rechazada por otro señorío, quién sabe si era muy fea o qué. Pero ese rechazo genera tal encono en los tepanecas de Azcapotzalco que se desata la guerra. Tratando de mover sus piezas, Ixtlixóchitl se alía con los mexicas y se casa con la hija de Huitzilíhiutl, de cuyo enlace es fruto Nezahualcóyotl. De esa manera Texcoco tendría un vínculo directo con los mexicas.

"Durante estos 30 años, las alianzas se van moviendo: los aztecas de pronto están con los de Azcapotzalco, luego con los de Texcoco. Como el rey de los mexicas era nieto de Azcapotzalco estaba como entre dos aguas. Finalmente, Itzcóatl, siendo jefe militar de los aztecas sabiendo que Chimalpopoca, nieto de Tezozomoc, nunca se le va a enfrentar, decide hacer un golpe de estado, cosa que las crónicas oficiales no registran, solo estudios más recientes son los que dicen que el imperio azteca surgió de este golpe de estado y lo que proponen estas nuevas teorías es que Itzcóatl mata a Chimalpopoca para provocar el levantamiento contra Azcapotzalco. Esa es la historia que marca la tercera parte de la trilogía, hasta que se constituye la Triple Alianza", platica Moncada.

Poniendo la mirada en el presente, Luis Mario lee: "aquel mundo explicaría algunos aspectos de nuestras personalidad actual, de nuestra idiosincracia. Por ejemplo, si nos enfocamos al pasado de los aztecas como un pueblo sumamente violento y mercenario las resonancias con la actualidad son evidentes o, por otro lado, el verticalismo, la cultura del tlatoani, el mecanismo movible de los pactos, el silencio y la sumisión que tenemos frente al poder: cuando se rompe el pacto es dificilísimo reconstruirlo. Por eso los mexicanos aguantamos tanto tiempo realidades insoportables", opina el dramaturgo mexicano.

Más Moncada:

La misión ha sido traer a la actualidad una historia del pasado y que ésta nos sea cercana. Lo he intentado a través del diálogo, de derribar esas nociones del personaje de una sola pieza. Nezcahualcóyotl, por ejemplo, que lo conocemos como el rey poeta tenía un harem y una obsesión muy dura con las mujeres. De hecho estoy pensando si agrandar a una tetralogía para hablar sobre las mujeres de Nezahualcóyotl. Esas zonas las hemos tenido vedadas. Hay una sociedad oculta que se está moviendo ahí de la cual no conocemos nada. Me gustaría transmitir esa posibilidad de descubrir un nuevo mundo.

El fenómeno del Bicentenario fue toda una prueba de fuego que desgraciadamente no se pasó, salvo contadas excepciones, fue la primera gran celebración sin el peso del partido único.

A mí me parece que una de las claves las da Shakespeare, como lo refiere Harold Bloom en torno de la aportación del dramaturgo a la literatura: descubrir la dimensión de lo humano, crear el personaje contemporáneo.

Tomó una saga de 30 años. Las tres obras tiene en conjunto el título Un soldado en cada hijo - Una trilogía azteca. A Luis Mario no le gusta mucho ese subtítulo pero fue más bien una exigencia de los organizadores porque decían que sin ese nombre no se entendería. Se trata de tres obras, que por separado tratan tres figuras centrales del mundo prehispánico: Ixtlixóchitl, Tezozomoc e Itzcóatl.

Ixtlixóchitl fue emperador de Texcoco, padre de Nezahualcóyotl, quien fue asesinado en una emboscada planeada por Tezozomoc, rey de Azcapotzalco que era considerado un tirano según varias versiones mexicas. Itzcóatl sería quien se levantaría finalmente contra Azcapotzalco y al derrotarlos se formaría la Triple Alianza, que va a mantener su hegemonía durante todo un siglo, hasta la llegada de los españoles.

En México hay varias pistas de cómo entrarle a la historia. La primera la da Rodolfo Usigli, sus obras antihistóricas y sus comedias sin política, que toman a los personajes de la historia y tratan de articular la trama a partir de su dimensión más que del hecho histórico. Después de eso, el discípulo de Usigli que toma la estafeta con más claridad es Ibargüengoitia y cuya manera de acercarse a la historia es muy inteligente, trata de rehuir a los personajes principales y toma a personajes secundarios o ficticios dentro de un contexto histórico para abordar la historia con mayor libertad y sin el compromiso de tocar la historia oficial. A partir de ahí algunos autores contemporáneos que son referencia importante. Juan Tovar, Luis Enrique Ortiz. Para mi el primer reto o problema es hacer conocida una historia que es absolutamente desconocida, salvo especialistas. En un segundo plano ha sido romper este distanciamiento histórico respecto del mundo prehispánico.

Los paralelismos no son exactos, son bases que permiten muchas licencias para la creación de algo nuevo. Todas están pensadas de forma autónoma pero por cuestiones prácticas se unificaron en una sola versión. Todo queda en familia

>Los mexicas tenían un acuerdo porque Huitzilíhuitl se casó con la hija de Tezozomoc unos años antes y por eso tenía ciertas prebendas por parte de Azcapotzalco, con quien se asociaba en términos militares. De esa unión nace Acamapichtli, tercer tlatoani azteca.

la directora es Roxana Silvert, el escenógrafo va a ser Jorga Ballina, que tiene un reto muy interesante y complicado porque se enfrentará al reto de trabajar en un teatro con características isabelinas, una de ellas es que no tiene, tiene tres frentes y como el público está en diferentes ángulos no puedes hacer una escenografía que sirva para todos, básicamente tendrá que trabajar sobre el piso y sobre condiciones mínimas. La obra se va a montar en el teatro Swan, el teatro principal de Strafford, pueblo natal de Shakespeare, a una hora de Londres. Una obra que se hablará totalmente en inglés, con 15 actores ingleses y seis mexicanos. El vestuario es de Eloise Cassan.

El asunto de la estética es todo un dilema porque los creativos mexicanos han tenido un rechazo inicial hacia el taparrabo porque ver a unos ingleses así vestdos se van a ver ridículos pero los ingleses no quieren que sea algo más contemporáneo porque les va a parecen un Shakespeare contemporáneo con nombres extraños. Es un debate interesante porque Luis Mario Moncada la penso para ser vista por mexicanos.

A Soldier in Every Son- An Aztec TrilogyEl 5 de julio es el estreno oficial y presentará alrededor de 25 funciones, justo en el marco de la inauguración de las Olimpiadas de Londres.

obras de distintos países. El Festival tendrá una duración de tres meses.

Thousands of artists from around the world will take part in almost 70 productions, plus supporting events and exhibitions, right across the UK, including London, Stratford-upon-Avon, Newcastle/Gateshead, Birmingham, Wales and Scotland and online.

The World Shakespeare Festival is supported by the National Lottery through the Olympic Lottery Distributor, by Arts Council England and by BP, as Founding Presenting Partner.

The festival forms part of London 2012 Festival, which is the culmination of the Cultural Olympiad, bringing leading artists from all over the world together in a UK-wide festival in the summer of 2012.

Katy Perry, en el Palacio de los Deportes

Katy Perry, la fantasía perfecta

El espectáculo en vivo de la cantante estadounidense Katy Perry representa la fantasía perfecta: el mundo de golosinas con resbaladillas de arcoiris, la compañía de un bello animalito la gatita Kitty; al final del camino un príncipe azul siempre dispuesto: un marco perfecto para una mujercita perfecta: linda, bien portada, de nobles sentimientos. Un muñecón.

La cantante estadounidense en su concierto en México

El escenario: helados, caramelos y pastelitos gigantes. Dulce por todas partes. La gran mayoría del público congregado en el Palacio de los Deportes se emocionó al ver en las cinco pantallas colocadas a lo ancho del escenario el rostro de Perry, minutos antes de que la presentación en México de su show California Dreams Tour diera inicio.

La oscuridad reina en el recinto. Miles de moñitos de colores pastel, que tilitan sobre las cabezas de niñas, adolescentes y chicas de distintas edades, iluminan el foro. Hace apenas unos minutos las personas que ahora se levantan de sus asientos impacientes por recibir a la cantante hacían la tradicional "Ola" como en los buenos tiempos de los estadios de futbol, cuando la experiencia era familiar.

Ahora, estamos en un concierto familiar: hay señores, amas de casa, niñas pequeñitas, adolescentes, hombres mayores que vienen solos y que al finalizar el concierto se compraran todo tipo de afiches de la chica de ojos grandes, jóvenes parejas que vienen más por iniciativa de la chica, aunque también está el caso de jóvenes parejas de otro tipo. Parece que aquí todo mundo cabe. Y la fantasía se expande a pesar de que es solo una la propuesta por los iconos del escenario.

Perry es la fantasía glotona de un mundo de cerezas; es también la fantasía coqueta de la perfección infantil, la zona idílica; la fantasía del escape (no en vano en el fondo de este espectáculo se presenta un cortometraje en el que continuamente vemos a una inocente Katy esclava de un malvado carnicero. Luego de probar un cupcake mágico ella es transportada a un lugar llamado "Dulcilandia" y así da inicio el concierto); es también la fantasía de la compañera perfecta (no es exactamente una fantasía sexual pero se ubica en la zona del erotismo, del juego): la que es modosa pero que es un enigma y en ello entraña su sensualidad, en ese engaño, en ese velo que hay que destapar.

"Teenage Dream" fue la canción con la cual la cantante apareció en el escenario levantando en su brazo derecho erguido una banderita de México, país sobre el cual dijo estar muy contenta de visitar en fechas cercanas a la conmemoración de su independecia. Por eso aprovechó la ocasión para gritar "¡Viva México!" a la mitad del concierto. Cayendo en clichés alabó la cocina mexicana, y si se la veía un poco panzoncita es porque, confesó, traía ocho tacos en el estómago y unos cuantos tamales. Como ayer domingo era su día de descanso prometió que lo iba a aprovechar para tomar mucho tequila. Es como una niñota pero quería un novio mexicano porque se encontraba "caliente". Severas disonancias. Un escenario repleto de dulces y ella quejándose de que al buscar un novio solo ve alrededor hombres muy jovencitos.

De la inocencia al juego. La propuesta del concierto da muchos saltos que así como el espectador puede sentirse en un espectáculo versión Región 1 de Tatiana (el dulce empalaga durante los primeros cuarenta minutos del concierto), luego, de pronto, transita hacia un expectáculo multimodal y fuerte casi como de negros rapeando (lado b del escenario, oscuro y consistente por una serie de lasers que se expanden a lo largo y ancho del foro y quizá la canción más fuerte de Katy, "Supernatural"), para luego convertirse o aterrizar en un concierto de pop con su canción más importante "Firework". El momento climático, en cuanto a su conexión con el espectador, que debería ser la canción con la cual terminara el concierto.

Katy Perry es una muy buena cantante, no desafina pese a lo alto de sus notas, y no se sale del guión. Improvisa muy poco. Por eso de repente el merengue parece de cartón como en aquella "épica" presentación en los Premios MTV LA que se realizaron en México hace un par de años, cuando al final dio un brinco a un pastel de merengue rosa que parecía tan duro como una piedra y que más de un espectador ha de haber gritado "auch!" cuando Katy cayó encima. No bastando con eso, luego ella intentó levantarse, una, dos y tres veces, incluso su guitarrista vestido de charrito le quiso ayudar muerto de risa pero no podía porque el merengue la hacía resbalar cada vez que lo intentaba.

Ahora Katy no metió la pata. Cumplió e hizo felices a sus fans en México. Pero salta una duda dado que en el mapa del pop ella es quizá la competidora más fuerte de la reina Lady Gaga: seguirá dependiendo esa imagen infantil que la hace llenar estadios con niños y adolescentes o se rasgará más ese atuendo de gatita que le sienta tan bien. Hasta la banda birtánica de rock Blur, liderada por Damond Albarn (Gorillaz) tuvo que crear un "género" como el britpop para tener seguidores aunque eso significara ver en sus conciertos cientos de niños de secundaria. ¿Katy estará a la altura para dar un giro interesante? Por ahora es un bombonzote.

Desierto bajo escenografía lunar, en El Milagro

Nostalgia por la luna y olvido del ser

De entrada, una cursilería: las cosas que se hacen con pasión son las mejores. La generación 2006-2010 del Centro Universitario teatral (CUT) es muestra de ello al poner todo el sentimiento, el compromiso y la entrega de la que son capaces en la obra Desierto bajo escenografía lunar, del joven y consistente dramaturgo, Alberto Villarreal, que para este reseñista ha sido toda una revelación.


Esta obra, que se presentó originalmente en CU y que ha tenido representaciones en otras ciudades, la dominan en plenitud los jóvenes actores Esmirna Barrios, Raúl Briones Carmona, Sabina Cobos, Ana María Aparicio, Miguel Pérez Enciso, Abril Pinedo, Mariano Ruíz, Carla Soto y Yiosahandi Vega.

Ellos logran una contundente presentación que se refuerza por la precisión rítmica, la libertad como juego, y la sencillez como postura. Esmirna Barrios, Miguel Pérez Enciso y Sabina Cobos se destacan como actores a los que habrá que seguir de cerca. Sin duda alguna, los actores han comprendido en su profundidad un texto que es duro, como suelen ser las obras de Villarreal, y que pone en duda los estatutos artísticos y de socialización modernos: el arte con propósito, la narrativa lógica, la valorización exacerbada del "artista" o de la "estrella", engaños que rozan la banalidad; del buen decir y el buen hacer, y de la normalidad.

Todo comienza en un salón de baile, que no es cualquier salón de baile pues aquí hay puros perdedores, que lo son más por deseo que por destino, pues acostumbrarse a ganar es peligroso. Es mejor ser un perdedor porque uno deja de estar obligado a cumplir con determinadas expectativas. Luego, reluce la crítica y la burla hacia las estrellas opacas parecidas a las luciérnagas porque son estrellas secundonas, y el caso de una actriz que gesticula de formas imposibles e insoportables. Al final una coreografía que parece infinita.

Coreografías afiladas que producen musicalidad desde la nada (los actores deslizando los pies sobre el piso o dando pasos muy puntuales que tamborilean); dislocaciones temporales, espaciales y de personalidades (de repente estamos en una sala de baile, luego un personaje es una actriz o una perdedora, luego estamos en la Luna y alguien comete un crimen, el crimen de la inspiración); proposiciones verbales entre el proverbio y el aforismo; un tono lúcido y envolvente (equidistante entre la lentitud y el vértigo) que convierte a esta obra en una pieza muy entretenida.

Si bien la apuesta estética de Villarreal es compleja, él es práctico, crea un espectáculo en movimiento, además de todo, muy divertido, mismo que no podría entenderse sin la colaboración de Amalia Olvera, la asesoría vocal de Tania González Jordán; la asesoría corporal de Lorena Glinz; la asesoría para bailes de salón y coreografías de Irma Montero, y la asesoría monociclo de Raúl Kaluriz.

Al explorar lo lejano olvidamos lo íntimo

En el fondo, no hay una premisa fundamental ni una lógica cerrada. Existe la proposición de repensar el ser desde la posibilidad de explorarnos como entes lejanos. Telefísica aplicada. Antes existía la metafísica y el peso del individuo se sustentaba en conocerse a si mismo. Hoy en día, el hombre ha abandonado su órbita personal y ha creído conquistar todos sus sueños, la naturaleza y su propio cuerpo. La telefísica significa un engaño: el de nosotros mismos pensando que somos capaces de conquistar galaxias, de llegar tan lejos como nos lo propongamos, hemos perdido de vista nuestra propia esfera íntima y privada, nos desconocemos aunque creemos saber quienes somos y hasta a veces estamos seguros de ello.

La propuesta poética no podía ser más bella y más atroz: si la inspiración se ha acabado en la tierra eso supone que debemos invadir otros planetas para encontrarla. Para terminar del mismo modo. En un engaño, en un salvaje y voraz juego de seducciones y trampas, eso es la civilización, el mundo de las apariencias en donde jugamos a ser alguien, jugamos a conquistar una identidad y luego conquistar personas para convertirlas en zombies ignorando que nosotros ya lo éramos.

El teatro que propone Villarreal parte de la honestidad sin mediaciones y sin objetivos, ya luego surgen sobre el papel las situaciones extremas o ridículas, las frases crudas, cínicas y punzantes, o los problemas e ideas vitales, que después caen sobre los actores quienes a su vez las expanden y a continuación las inyectan como dispositivo de dudas e incredulidades en la mente del espectador.

Más allá, los aplausos. Pero permanece la nostalgia. Una nostalgia que obedece quién sabe a qué pero que nos recuerda que siempre nos falta algo y que siempre hemos perdido algo. La duda y la pregunta se proyectan como resoluciones concretas de los propósitos de este autor, pues si bien Villarreal nos ha comentado que estos son inexistentes, finalmente sus ideas, sus situaciones, su uso del espacio se filtra en el público como un arrebato sutil, tal vez invisible pero innegable. Un teatro que sacude e interfiere. Un teatro que es arte y espectáculo. Un teatro que no hay que perderse.

Fotos: José Jorge Carreón