The Enconomist

Los libros del 2011

2012-01-01T12:43:00.000-08:00

Mi super lista personal después de hacer una criba responsable entre unos 120 libros que leí (maomenos) este año, con lo cual me siento con un panorama algo cierto de lo publicado en México. Claro! es un simple ejercicio y una versión, como todas, muy subjetiva.

Libro del año:

El mal de origen, Sergio González Rodríguez

"Somos los sobrevivientes del Apocalipsis", enuncia (y anuncia) Sergio González Rodríguez hacia el final del libro El mal de origen, una serie de breves ensayos que componen uno de los episodios más felices en la actualidad sobre el ejercicio multilateral del pensamiento. El intelectual, cuerpo insigne de los géneros, aplica la metapolítica y religa a la literatura con la reflexión filosófica, el fragmento aforístico, la cita al pie, sin abandonar una consigna ético-social-periodística-crítica, de cara a una alternativa transitiva: la mirada hacia la oscuridad. El autor demuestra estar mucho más allá de la pose del reseñista y del ombliguismo académico.

Otros ensayos nacionales

Redentores, de Enrique Krauze

Escenarios de la post catástrofe, de Shaday Larios

La Fábrica del Lenguaje S. A., de Pablo Raphael

Novela mexicana del año:

Ánima, de Antonio Ortuño

Friso que surge desde el eco más vital: la muerte de un amigo cercano, y que incorpora la ironía decisiva con la cual el autor se deslinda de los asuntos literarios de moda: el post-pop, la atracción de los zombies, la fascinación del narco. Con Ánima, Antonio Ortuño se aproxima a la edificación de una novela capaz de proponer una estética de comunicación efectiva en el marco de una sociedad iletrada, conforme y acrítica. Sin mayores pretensiones más que las literarias la novela de Ortuño sugiere un mosaico con lo más oscuro, procaz y circunférico de nuestras más esenciales miserias.

Otras novelas mexicanas

La octava plaga, de Bernardo Esquinca

A la vista, de Daniel Sada

Decencia, de Álvaro Enrigue

Novela en lengua española

Norte, de Edmundo Paz Soldán

Una composición narrativa de enfoque múltiple: Norte traza una dirección y un espacio ya para siempre imaginario y elusivo: el norte. Una antigua promesa, un infierno invertido. Los detectives salvajes, del chileno Roberto Bolaño y, sobre todo, la mirada desencantada de talautor, resurgen tras la mirada de uno de los últimos latinoamericanos que han adoptado el modo de vida estadounidense sin abandonar, quizá por nostalgia o por comodidad, la lengua materna: el español. Norte es una historia de salvación y de muerte, una novela transgeneracional para hablar de la situación (moral y vital) de extravío que padecen los hombres de nuestros países cincunféricos.

Otras novelas en español

Los Living, de Martín Caparrós

La sirviente y el luchador, de Horacio Castellanos Moya

Formas de volver a casa, de Alejandro Zambra

Novela internacional del año

El mapa y el territorio, de Michel Houllebecq

En un sentido la novela de Ortuño y la de Houllebecq se parecen: ubican el factor contundente de la descomposición de una sociedad (en el caso del francés, del mundo) en las altas esferas del arte. Houllebecq, con su singular forma de describir los ambientes más cargados de nostalgia, delirio o lasitud, elabora un mapa muy parecido al territorio en donde la originalidad o la creatividad han sido condenadas a la marginalidad, ya pervertidas o copadas, por el imperativo económico en una sociedad que ignora no solo de donde viene sino también hacia dónde se encamina y cuál mapa seguir. Su novela marca nuestra época.

Otras novelas internacionales

1Q84, de Haruki Murakami

A la caza de la mujer, de James Ellroy

Libertad, de Jonathan Frazen

Ensayo del año:

Teleshakespeare, de Jorge Carrión

La aportación más seria, integral y de ánimo total al análisis de una de las formas epigonales del relato ultramoderno, la serie de televisión, es obra de un catalán: Jorge Carrión, cuyo libro Teleshakespeare parte de la estructura episódica, que permite a las series un aliento mayor que el de una película, para ahondar en un doble fenómeno de las teleseries: la multiplicidad de la información comunicable y la posibilidad que ofrece de desplegar a los personajes en todas sus potencialidades, una estrategia fascinante que los vuelve más reales y cercanos, más nuestros. Por eso las coloca como las manifestaciones artísticas y culturales más capaz de integrar un discurso verdaderamente complejo: dialéctico y expansible, como la realidad que nos toca inventar/vivir.

Otros ensayos en español

Filosofía Zombi, de Jorge Fernández Gonzalo

Literatura de izquierda, de Daniel Tabarovski

La herida de Spinoza, de Vicente Serrano

Ensayo internacional del año

La Folie Baudelaire, de Roberto Calasso

El gran escritor italiano Roberto Calasso compone un ensayo a medio camino entre el libro de viajes (en el tiempo) y el relato biográfico, para echar luz sobre uno de los escritores más luminosos de la historia precisamente por ser uno de los grandes maestros de lo oscuro: Charles Baudelaire. La bienvenida que nos ofrece Calasso es tan salvaje como erudita, nos lanza dos conceptos que se transforman en leitmotivs en el denso y amplio libro: Naturaleza y Analogía, conceptos fundamentales de la estética romántica y que, en su momento, Ocatvio paz estudió a profundidad. Quizá Calasso haya leído a Octavio Paz. Sea como sea, esta actualización del mal en nuestros tiempos, los cuales sin duda "huelen a destrucción", es uno de los acontecimientos literarios más importantes de este siglo.

Otros ensayos internacionales

Desnudez, de Giorgio Agamben

Goethe y Schiller, de Rüdiger Safranski

Butes, de Pascal Quignard

La moda negra, de Darian Leader

Libro de cuentos del año

El hacedor (de Borges), remake, de Agustín Fernández Mallo

Después de la controversia con María Kodama, viuda de Jorge Luis Borges, este libro fue cobardemente sacado del mercado. Por eso en México solo podrá adquirirse en el mercado negro o por Internet. Los relatos que lo componen (los cuales son tanto un homenaje como un recordatorio) aflora el mejor Fernández Mallo (FM), aquel que leemos en la primera parte de la novela Nocilla Lab (última parte de la trilogía con la que ha ganado reconocimiento internacional), ese FM que es capaz de respirar con nosotros gracias a la manera en que logra armonizar un conjunto de palabras; ese FM amplio, ruidoso, múltiple, simbiótico, poético, remasterizado. Un libro auténtico e individual que se atreve a atravesar la puerta que abrió el argentino para converger ahí: el Aleph.

Otros libros de relatos

Asterisco / Yassir Zárate

La Biblia vaquera / Carlos Velázquez

La clase muerta / Mario Bellatin

Biografía

Steve Jobs, de Walter Isaacson

Vida, de Keith Richards

Libro de poesía

Barbarie, de Carlos Martínez Rentería

El teatro del 2011

2011-12-29T09:13:00.000-08:00

Mi humilde opinión sobre lo que vimos en escena este año que termina

En un presente caracterizado por la aceleración y las tecnologías aplicadas a las artes, parecería que el teatro es uno de los pocos ejercicios artísticos que se mantiene a salvo de la contingencia y la compulsividad y parece ser (aunque ciertamente no lo es) el único espacio en donde la lentitud, la pausa, la naturalidad vencen a la velocidad, el uso excesivo del close-up o el artificio y los efectos especiales. La ciudad de México, siendo una megalópolis del todavía nuevo siglo, ofrece una cantidad impresionante de montajes teatrales, de muy diversos estilos y estéticas, con las más equidistantes propuestas y posturas, ya sea para afianzar el imperio de la entretención o por defender algún tipo de ética o política. Nos encanta el cine pero ignoramos que en México se hace teatro de primera. Ciertamente hay que encontrarlo (o buscarlo) y luego distinguirlo. Como un reconocimiento a lo más sobresaliente del último año presentamos las alternativas que nos han parecido las más integrales, rompedoras y necesarias del 2011.

LOS MEJORES MONTAJES por Título / Autor / Director

1. El dragón dorado/ Roland Schimmelpfenning / Daniel Giménez Cacho

Todo parecía muy cercano: la cocina de un restaurante de comida china en una ciudad alemana se convierte en manifestación palpable de la poética de la convergencia: vivimos realidades empalmadas, experimentamos los sueños y los relatos de otros, mientras unos mueren y otros esperan. Schimmelpefenning es de esos autores imprescindibles que saben usar el lenguaje para sugerir imágenes icónicas de una época con un genio total y sin pretensiones excesivas. Giménez Cacho tradujo con tino y elegancia las preocupaciones del autor: nos robó un instante que se transforma en un infinito delirante muy parecido a la contemplación del espejo. La pieza dramática más importante del año por la perfección a la hora de integrar, texto, actores, movimientos. Un montaje pertinente con nuestra contemporaneidad.

2. Bosques /Wajdi Mouawad / Hugo Arrevillaga

La historia de siete generaciones de mujeres que abarcan desde el periodo de entreguerras hasta la actualidad con saltos entre un continente y otro. La familia Keller arraiga el estatuto de leyenda en una historia que refulge por su horadación en el dolor. La obra es la tercera parte de la tetralogía de nombre sublime y desgarrador, La sangre de las promesas, de Wajdi Mouawad, y el montaje en manos de Arrevillaga, todo un conocedor de la dramaturgia de Mouawad, sencillamente fue sublime, rompió con todos los esquemas conocidos. Nos quebró en cada imagen. Los actores son uno con nosotros: son cálidos y respiran: un éxito que continuará completo (La sangre de las promesas) el año que viene.

3. Desierto bajo escenografía lunar / Alberto Villarreal

Obra de autor sustentada en el lenguaje (diálogo o monólogo), la poesía (proverbial o aforística) y la danza. Pieza independiente que atrajo una atención minoritaria y que contó con pocas funciones. Para quien no lo ha conocido, Alberto Villarreal es uno de los dramaturgos mexicanos más auténticos y capaces de componer una poética personal que religa al ser con la esencia, es decir, al fragmento fenoménico de la escena con el espectador. Su propuesta en esta obra teatral es tan intensa y tan digna que obliga al espectador a repensarse y a repensar lo artístico en el teatro. La ironía, el humor y la interferencia se agolpan (a veces se amontonan) en una obra teatral muy sonora cuya historia propone la búsqueda de la inspiración perdida: un poema: una epifanía: una quimera. Todo se agota en sí mismo. Los jóvenes actores son la inspiración más grande.

4. La Pequeña habitación al final de la escalera / Carole Fréchette / Mauricio García Lozano

Una pregunta sintetiza el sentido complejo de esta obra: ¿cómo son las lágrimas de verdad? Escuchamos esa pregunta por segunda vez y ya es tiempo de aplaudir, entonces, ese pequeño vacío de oscuridad que antecede al aplauso es un refilón que sacude la entraña y que nos hizo estallar hacia adentro o hacia afuera, eso dependía del carácter. Pero nos remonta al principio, no de la obra, sino de nuestras más venéreas emociones, de nuestras más dolorosas pérdidas. Esa pequeña habitación es a un mismo tiempo la curiosidad, el misterio y la culpa. Nuestros deseos y nuestra muerte. Imposible no salir transformado de alguna de esas funciones. Mauricio García Lozano comprobó, nuevamente, su elegancia para trazar, dirigir y exigir hasta lo más sucio y oscuro. La mancuerna con Ballina es una de las más felices coincidencias en la escena del nuevo siglo.

5. Ternura Suite / Edgar Chías / Richard Viqueira

Hay que tener agallas para escribir esta obra, para querer dirigirla, para conseguir montarla, para decidir actuar en ella y, también, para verla. Ninguna pieza ha sido más exigente que Ternura suite en el pasado reciente. El riesgo era grande: el vilipendio, la crítica vehemente, el ninguneo, el rumor y el chisme. No se salvó. Pero el tiempo y la respiración le darán esa credibilidad que no suele acompañar al escándalo. Partes pudendas expuestas con nitidez, la cola de una rata que sale de la boca de un actor, un lenguaje explosivo, golpes sobre la carne, una perforación anal con taladro. No es para menos la fascinación. La palabra suite se asocia con: sexo, dulzura y ritmo. Ternura suite horadó nuestras emociones. Nos hizo preguntas. Nos incomodó. Nos interfirió.

6. Rock & Roll / Tom Stoppard / Alonso Ruizpalacios

La nostalgia por el pasado suele criticarse como un cliché, un pretexto para crear historias. Pocas veces el autor que hace un recuento de su vida con intenciones más generales tiene la mentalidad necesaria para ubicar en un fragmento los colores de una época y ofrecer un concepto. Rock & Roll es ese concepto en el texto de Stoppard, porque involucra rebelión, libertad, juventud, promesas, ímpetu, honestidad, delirio: valores de una época que desapareció pero que nuestro canto protege como amuleto: Jim Morrison, Lou Reed, los Rolling Stones. El montaje coqueteaba con el cine, el musical y el concierto de rock pero sin perder el teatro: la actuación, la invocación de otros espacios, otros tiempos y otros hombres.

7. Los asesinos / David Olguín

David Olguín sabe hablar y sabe escribir pero, principalmente, sabe pensar con conceptos tanto como sabe hacerlo con símbolos. La última parte de una trilogía cuyo propósito fue repensar nuestra historia, lleva un nombre sintético, demoledor y certero: Los asesinos. La violencia gratuita, el exterminio genealógico, la virulencia desafecta, se imbrican en un mosaico polvoriento, cenizo, ruin, devastado, que se atreve, con oportunidad, vigor y convicción, a criticar nuestro presente fantasmal como casi nadie más lo hace en los escenarios mexicanos. Por sus niveles de indignación y claridad esta puesta, en el año que termina, fue una de las más necesarias y de las más valientes.

8. Hitler en el corazón / Noé Morales

Presentada en el marco del FMX - Festival de México, Hitler en el corazón fue un proyecto muy interesante porque explora los problemas más apremiantes de la tele-composición humana. El imperio de la moda, la lógica de las corporaciones informativas, la intromisión de las pantallas hasta las zonas más íntimas de la existencia, la tele-ficción superrealista o una nueva religión cuyo codex sublima los íconos (las estrellas de cine, los rockstars, los ídolos de multitudes) como portadores de un nuevo credo, apóstoles de la tecnocracia, hasta su impacto en nuestra realidad concreta: qué pasa cuando la muerte se interpone. Fanáticos de los simuladores, esta obra trae a primer plano nuestros aires de grandeza, nuestra necesidad de atención, nuestra insoportable soledad.

9. La piedra de la paciencia / Atiq Rahimi / Daniel Giménez Cacho

El teatro como reconciliación. Una mujer musulmana que padece la injuria, la soledad y el peligro, en un contexto bélico terrible. Su esposo está en coma y ese silencio le abre a ella la posibilidad de ser, pues al recuperar las palabras recupera también las preguntas, la duda, la libertad. La adaptación de la novela homónima de Atiq Rahimi, hecha por Daniel Giménez Cacho, y que contó con el protagónico de la actriz Daniela Schmidt, representó para el público mexicano una de las experiencias más cercanas y, al mismo tiempo, extremas al tema de la otredad, al mundo de lo ajeno. El relato y la confesión se trenzaban en un tono sagrado que nos remitía a la fascinación primigenia del teatro: la catarsis.

10. Cock / Mike Bartlett / Antonio Serrano

Ser Diego Luna no ha de ser fácil, implica algunas exigencias: ser joven y dar opiniones de crítico avezado, ser guapo y sobresalir por la actuación, proponer en México un teatro que comunique con el espectador nacional poco interesado por el arte dramático. Cock, sin lugar a dudas, fue uno de los acontecimientos teatrales del año (de alcance masivo) no solo por el excelente montaje, sino también porque se trató de un experimento social. Diego Luna defendía que el público mexicano estaba a la altura para presentarle una obra polémica que explora la complejidad de las relaciones interpersonales en la ultramodernidad (¡claro!, no lo dijo así) La verdad es que el peso moral de la cultura machista carcomía las gargantas de los espectadores que se quedaban impávidos con los besotes de Yazpik y Luna. Se agradece el compromiso actoral del reparto y la sutileza de los creativos.

11. La inauguración, Václav Havel / David Psalmon

Václav Havel (político y dramaturgo checo fallecido hace unos días) fue honrado de manera oportuna por la Dirección de Teatro de la UNAM con la puesta en escena de su aclamada obra La inauguración, en la cual Havel registró las perversiones de una sociedad fascinada por los medios, unificada en sus modelos y atiborrada en sus conceptos: el pastiche como estilo y forma de ser, el sexo como único rescoldo espiritual, la televisión como motor afectivo y el consumo como signo de identidad. Psalmón convirtió al pequeño Foro Sor Juana en una galería del horror que hablaba mucho de nuestra delirante fascinación por los objetos y de nuestra adoración por la opulencia.

12. Casi, un pueblo / John Cariani / José Manuel López Velarde

José Manuel López Velarde, creador de los musicales Mentiras y Si nos dejan, tenía un reto mayor: dirigir a actores que comunicaran con el espectador no a través de canciones sino con los gestos. El resultado fue una de las comedias más interesantes, divertidas, bien dirigidas y espectacularmente actuadas de las que se montaron el año pasado, junto con La casa limpia, de Sarah Ruhl o Un dios salvaje, estrenada en 2010. Casi, un pueblo, más allá de la cursilería ofreció una armónica y profunda alegoría del amor: el territorio por excelencia de lo inminente, es decir, del arte, de la revelación. La peculiaridad del autor es poder ir hasta el fondo y hacerlo de un modo fácil y divertido. Un gran tino de la productora Ocesa.

Mención honorífica:

13. Escurrimiento y Anticoagulantes / David Gaitán

LAS DECEPCIONES

1. Rojo

LA SORPRESA

1. Lluvia implacable

CUADRO DE HONOR

DIRECTOR

1. Daniel Giménez Cacho (La piedra de la paciencia, El dragón dorado)

2. Hugo Arrevillaga (Incendios, Bosques, Litoral)

3. Alberto Villarreal (Desierto bajo escenografía lunar, Ensayo para débiles)

DRAMATURGIA ORIGINAL

1. Edgar Chías (Ternura Suite)

2. Martín López Brie (Pedazos de Apocalipsis)

ACTRIZ

1. Karina Gidi (Incendios, Rock & Roll y La pequeña habitación…)

ACTOR

1. Antonio Vega (El dragón dorado)

ESCENOGRAFÍA

1. Jorge Ballina (Cock, La pequeña habitación, Rojo)

2. Gabriel Pascal (La piedra de la paciencia, Los asesinos)

3. Atenea Chávez (Rock & Roll)

ILUMINACIÓN

1. Eduardo Vizuete (Ternura Suite)

2. Auda Caraza (Bosques)

3. Auda Caraza y Atenea Chávez (El dragón dorado)

MUSICA
1. Raúl Zambrano (La pequeña habitación al final de la escalera)

ACTRIZ DE REPARTO

1. Verónica Langer (La casa limpia, La pequeña habitación…)

ACTOR DE REPARTO

1. Farnesio Bernal (El jardín de los cerezos)

ACTRIZ JOVEN

1. Esmirna Barrios (Desierto bajo escenografía lunar, Rock & Roll)

ACTOR JOVEN

1. Jonathan Ramos (De cómo Dara y Jissa huyeron hasta el mar)

Murió Václav Havel

2011-12-20T09:15:00.000-08:00

Václav Havel, un hombre que representa una dialéctica por demás interesante: dramaturgo, líder estudiantil en 1968, fanático de los Rolling Stones, Presidente de Checoslovaquia y, después, primer presidente de la República Checa, falleció el pasado domingo en Praga a los 75 años de edad mientras dormía. Como dicen los clásicos: durante el sueño de los justos.

Para sus compatriotas y amigos fue un hombre de una autoridad moral a prueba de balas, un singular personaje que pasará a la historia como uno de los protagonistas de la segunda mitad del siglo XX. Estudiante de Economía, no pudo abandonar la que era su vocación: el teatro, y estudió Arte Dramático por correspondencia.

Desde joven conoció las mieles del éxito, cuando su segunda obra de teatro, El memorando, lo convirtió en una revelación y, a los pocos años, cuando corría 1968 y se representaba en Nueva York, su nombre adquirió una repercusión mundial . Así, mientras su obra teatral gozaba de recocimiento en el extranjero, comenzó a sufrir la peor condena a la que se somete a un individuo (sobre todo si es un hombre de ideas): la censura y el silencio eal interior de la Checoslovaquia comunista de Tito. De esta manera, en paralelo a su labor intelectual, aumentó su compromiso político. Un escritor disidente que pasó largas temporadas en prisión. Cultivó no solo la dramaturgia sino también el ensayo. En él, la prosa dio paso a la reflexión y esta a la acción política desde el poder. Un caso verdaderamente anormal.

No por nada, otro escritor disidente que prefirió el exilio y no la trinchera, Milan Kundera, hace algunos años afirmó de Havel lo siguiente: "Su vida se parece realmente a una obra de arte".

Elegido presidente de Checoslovaquia un 29 de diciembre de 1989, apenas dos meses después de la caída del Muro de Berlín, dirigió a su país durante largos trece años en los que también se dio la oportunidad de cultivar amistades no solo diplomáticas o con jefes de estado. Entre su lista de amigos figuran el dramaturgo Tom Stoppard o los rockeros Lou Reed, Frank Zappa o los Rolling Stones. Todos compañeros de una época que en los anales de la historia ya se escribe como una de las más bellas de la humanidad: cuando el ímpetu, la revolución, la imaginación y la esperanza marcaban en la realidad los caminos de los hombres.

A propósito de su muerte, el periodista español Miguel Ángel Villena recordaba el domingo pasado en el diario El País, una entrevista que le hizo hace un par de años. El reportero consignó tres asuntos vectores en la vida del hombre: su balance del pasado (¿se arrepiente de elegir ser Presidente?), el papel del intelectual y la valoración de los jóvenes. El escritor contestó:

"Tuve que renunciar a muchas cosas al dar el paso a la política... pero también significó un regalo del destino".
"Creo que un intelectual tiene más responsabilidad frente a la sociedad que otras personas. Desde luego, la voz de un intelectual es importante y los políticos deberían escuchar más a los intelectuales, porque una reflexión radical resulta muy necesaria para aspirar a un mundo mejor".

"Deseo que los jóvenes sean los destinatarios principales de mi libro (Memorias) porque me parece muy importante conservar la memoria histórica. Sin la memoria no existe la continuidad histórica ni se mantiene la identidad", respondía el escritor.

Para refrescarnos un poquito la memoria, este año, la Universidad Nacional Autónoma de México, a través de la Coordinación de Difusión Cultural y la Dirección de Teatro, en manos de Enrique Singer, coordinó el primer semestre de 2011 una serie de charlas sobre Havel, en un contexto artístico inmejorable: el montaje de dos obras que obligan a repensar el pasado, los errores y la barbarie de los sistemas políticos: Rock & Roll, de Tom Stoppard y La inauguración, de Havel. En su obra de teatro, Stoppard rinde un homenaje a Vaclav Havel con el personaje Ferdinand, un escritor disidente.

Dijo Stoppard en una entrevista publicada hace un año en el mismo diario citado arriba: "Siempre me he sentido muy cercano a Václav Havel. Tenemos casi la misma edad, ambos escribimos teatro, ambos hemos estado en organizaciones de denuncia por la falta de derechos. Pero él tuvo algo que yo creo que no tengo, la valentía". Un hombre culto convertido en Presidente a quien hoy en día se le atribuyen los adjetivos: integrador, europeísta (en el sentido de colectividad) que abrió a la República Checa al mundo democrático. Qué falta nos haría en México un político así.

Entrevista Lolita Bosch

2011-12-14T14:42:00.000-08:00

Nuestra aparente rendición

El Señor K tiene una hija enferma pero no puede pagar su tratamiento. Va al ayuntamiento a pedir trabajo, y les dice a las autoridades que por favor le den trabajo porque si no, no le va a quedar más remedio que ir con el narco. "Vete con el narco", le responden los oficiales. Entonces ofrece sus servicios como halcón (mirón) porque no quiere matar. Lo reciben. Seis meses después, le dicen: "métete dos gramos de coca, ve a la tienda de la esquina y tráete las cabezas de los seis que estan ahí metidos o, si no, matamos a tu niña". Le dieron un machete y llorando se metió las líneas, se envalentonó y entró a la tiendita a machetear a las personas. Nunca antes había matado.

Este y otros testimonios son historias de todos los días en nuestro país y un grupo de escritores, periodistas y activistas se han dado a la tarea de consignarlos como una manera de no rendirse. La promotora de este trabajo es la escritora catalana (mexicana por convicción) Lolita Bosch quien ha publicado recientemente el libro Nuestra aparente rendición que toma su nombre del sitio en Internet donde los escritores han aportado voluntariamente su trabajo.

"De estas historias está lleno el país, de levantamientos forzosos, gente secuestrada que tiene que trabajar para el narco. Esto no es cosa de Estados Unidos. Nosotros no podemos tener la mentalidad de Bush y pensar que ésta es una guerra entre buenos y malos. No es una guerra entre buenos y malos, es una guerra entre mexicanos", dice la escritora.

Estas historias pueden mirarse como una cartografía del infierno, en estas condiciones: ¿cómo podemos imaginar todavía la posibilidad de un futuro?

"Yo creo que tendremos que vivir mucha tristeza desgraciadamente. Nosotros, por ejemplo, hemos ido mucho a hablar fuera de este proyecto, con las madres de la Plaza de Mayo en Argentina, en Uruguay, en Chile, incluso en Alemania, en Francia. Ahorita me impresionó una chavita de 18 años que vive en Nueva York me dijo: 'tengo mucho miedo porque las nuevas generaciones no van a recordar el México que nosotros recordamos, nosotros sí recordamos el México que sacabas el carro en la madrugada y te ibas a divertir. Pero hay una nueva generación que ya no va a recordar eso. Ya no tienen como un sitio imaginario al que regresar'. Y eso me parece terrorífico".

"El futuro yo creo que pasa por trabajar, por escuchar y por perdonar. Os ea tenemos que escuchar a los asesinos. Este país está jodido y yo creo que tenemos que dejar de hacernos weyes. Entiendo el miedo, entiendo la apatía, yo entiendo todas las reacciones pero necesitamos ser decentes. Vivimos por ahora muy protegidos en el DF, dentro de lo que cabe, porque por ejemplo hay muchos levantamientos de niños, sabemos que hay que salir de la UNAM de noche en grupo, que hay que dejar a las chavas en el camión, sabemos estas cosas pero tenemos que organizarnos y escuchar a nuestra gente", opina Lolita.

"No hemos sabido ni podido evitar cosas como las de Boca del Río, Veracruz, o los 26 muertos que sembraron en Guadalajara, los 16 de Sinaloa, las fosas de Tamaulipas y Durango. No hemos podido evitar eso. Pero no quiere decir que no podamos hacer nada. Hay que arreglar este país, que es nuestro, no es de Peña Nieto, no es de Carlos Salinas, aunque a nosotros que somos hijos del PRI nos cuesta mucho entenderlo, porque nos han educado como papá PRI y alguien vendrá a decirnos que tenemos que hacer y a protegernos. El futuro pasa por trabajar mucho, donar horas a México y a los 50 millones de mexicanos que no tienen acceso a lo más básico que es salud, alimentación y educación. Nos debemos a esa gente que es la que se está muriendo".

Hasta aquí la entrevista impresa en El Economista, lo que sigue fue parte de la conversación extendida con Lolita Bosch.

O sea, han empezado a matar a los pobres y cuando matan a alguien que es de la elite cultural o económica reacciona más gente pero eso también es muy ojete porque en realidad están muriendo los pobres y los hemos tratado mal durante muchos años y la gente le paga una miseria a sus muchachas, hemos sido muy injustos con una gran parte de la población, por un lado, por otro lado estamos siendo muy injustos con los norteños osea la gente en el DF decimos: no pero eso pasa en Monterrey, si pero tú eres Monterrey y Monterrey es México y todo lo que México nos ha dado, todas oportunidades que nos ha dado, la oportunidad de estudiar en la UNAM por dos pesos, la SEP, todo esto, eso hay que devolverlo, y a parte tenemos obligación moral de devolverlo, es una obligación social que tenemos.

Hay otra generación que es como la de nuestros abuelos (sus bisabuelos), ya como que sienten que no pueden participar en ese proceso de paz; en esa charla había una chava que me dijo: es que mis papás están en Aldama, Chihuahua, ¿cómo mejorar su situación? Entonces yo le decía: es que tenemos que asumir que hay una parte que hemos perdido, hay vidas de gente que no vamos a poder solucionar, hay situaciones catastróficas que no vamos a poder arreglar, y vamos a tener que convivir con gente que tiene miedo o que ha sido violentada durante muchos años, osea todo no lo vamos a poder arreglar. Y hay que pensar con la cabeza fría, que es muy difícil, nosotros somos 18 y nos llegan testimonios diarios de barbaries que la gente no se atreve a publicar en la prensa y nos cuentan unas barbaries horribles contra bebes, mujeres embarazadas, de verdad es absolutamente inabarcable. Entonces hay una parte que vamos a tener que asumir que es así, que

Porque los chavos que plantaron aquí, dos trabajaban en un Oxxo, dime tú si la mamá tiene alguna posibilidad de que la prensa la escuche, no tiene ninguna. Entonces se resigna y dice: somos los pobres de México, así nos han tratado toda la vida, así nos van a seguir tratando. Yo creo que estos están más desesperados con su raíz que a lo mejor los niños de Juárez. Precisamente en Juárez hay mucha organización civil, hay mucha gente jugándose la vida por ayudar a los demás y hay mucha gente que ha muerto por ayudar a los demás. Morirá mucha gente que ahora podemos trabajar con él.

Y si hay algo que nos une, por suerte, es que somos super nacionalistas, yo creo que es un momento de ser más nacionalistas que nunca, y eso lo pienso que todos somos guadalupanos, todos somos hermanos y cosas en común y hay que recurrir a eso, y hay que escuchar a la gente que está matando, hay que buscarles programas de salud y hay que buscarles juicios justos, porque la constitución lo dice todo mundo es inocente hasta que se demuestre lo contrario, entonces un wey que se ha muerto sin juicio es inocente porque hay que saber porque lo hizo. Entonces hay que escuchar a esta gente y habrá que perdonarlos.

Ya hicimos otro libro que se llama El mapa latinoamericano que estamos buscando editor, que está colgado en el portal. Invitamos a 52 escritores de toda América Latina a que nos contaran de que modo los periodos de violencia extrema, que todos han vivido, excepto Costa Rica pero los llegó la mala salvadoreña, han influidos en su intimidad, su entorno y su sociedad. Entonces está desde Evelio Rosero hasta Rodrigo Belrosa, hay un chingo de gente, pero además lo interesante es que muchas de estas personas han sido victimas como Ginet Bedolla que es un escritora colombiana que fue secuestrada por las FARC, Jessica que estuvo en las FARC y ahora, pagó condena, es embajadora de paz en España, entonces es como un mapa de lo que nos viene porque ellos ya han pasado ese periodo, bueno algunos siguen pero ya tiene más tiempo, entonces qué hay después de esta violencia porque aunque nos cueste creerlo se va a acabar, sí, yo estoy segura de que sí, pero pasarán muchos años, se va a acabar si todos nos ponemos a trabajar, porque si esperamos a que las autoridades o los gringos a que lo arregle esto no va a arreglar. Osea, o nos ponemos todos a chambear o esto no hay quien lo pare. Entonces ese libro ya lo hicimos y ahorita estamos haciendo otro, todos los libros son… abrimos un proyecto de becas en Ciudad Juárez, llamamos a Maricela Ortiz cuando se tuvo que ir al exilio y le dijimos que qué necesitaba y de hecho el libro que hemos sacado el dinero es para as becas, se llaman Becas por la paz y becamos para dos cosas, una para lo que los niños tengan lo que hubieran tenido si no hubieran asesinado a sus mamas, que es lo mínimo, dinero para transporte, lounch y útiles, para que puedan seguir yendo a la escuela, y luego unos talleres que es en Ciudad Juárez del proyecto Una esperanza que lo que hacen es trabajar con los niños para educarlos por la orfandad y la perdida, hay 10 mil huérfanos sólo en Ciudad Juárez, ya nos escribieron de Tamaulipas, de Torreón que también necesitan ayuda, entonces nuestra intención es como abrir una colección para las becas, entonces el nuevo libro, estamos empezando a pedir autores de la republica, escritores de literatura para que nos digan la palabra violencia en su estado o municipio de nacimiento o de residencia, entonces queremos hacer un mapa de la republica a partir de eso, que sería la intervención literaria.

Yo espero, porque tenemos mucho trabajo pero tenemos muchas personas voluntarias que nos están ayudando a editar, pero ya tenemos bastantes sitios de la republica, incluso de la frontera y los Ángeles, donde haya mexicanos porque ahí también llegan muchos sicarios a esconderse, y quisiéramos hacer toda la republica por lo menos algo en cada estado, hay gente de todas partes, incluso hay gente que no escribe de Baja California Sur y dice aquí no llegó, bueno pues escriban de cómo se están preparando para cuando llegue porque va a llegar.

Yo veo un futuro de mucha tristeza, cada vez le cae el veinte a más gente de lo que estamos viviendo, hay mucha gente que se siente protegida pero no lo está, nos pueden matar a cualquiera, en cualquier momento, osea es así, llevamos en el portal un conteo de victimas, gracias a la ayuda de voluntarios, durante una semana cuentan todos los muertos, les pone sus nombres o alguna seña identificatoria, porque hay mucha gente que sale de su casa y deja los papeles para que no extorsionen a sus familiares y hacen una marca. Nosotros hemos contado desde el 12 de septiembre de 2010 hasta hoy 18 703 muertos, la mayoría con nombres y apellidos, y el cecit salió a decir que habían muerto 701, ahí hay algo terrible de desinformación que está pasando.

Libros para aliviar tu Pena, Nieto

2011-12-11T12:05:00.000-08:00

Si cualquier aspirante presidencial me preguntara, me rogara que le dijera, qué libros debo leer, le recomendaría de todo corazón los siguientes títulos. Como eso no va a pasar me basta con elistarlos para recomendación general patria (sea lo que seaque eso siga significando), o, mínimo para sacarle punta a la coyuntura.

La sombra del caudillo

Martín Luis Guzmán

Novela

En este libro se retrata con precisión y detalla el final de la agitada década de los 20, de cuyos años surgió nuestro actual sistema político. Esta novela ayuda a comprender el inicio de nuestro tejido institucional (con sus respectivas corruptelas), cuyos hilos se encuentran en las manos de quien reencarna a los dioses (el sistema) y cuyo intermediario (tlatoani) es el presidente de la República. Esa es la sombra del caudillo. Claramente no lo recomendamos para que nuestro próximo presidente afine sus estrategias de engaño sino para que identifique a sus verdaderos enemigos y recuerde que la historia no perdona.

El laberinto de la soledad

Octavio Paz

Ensayo

El ensayo fundamental para entender la conciencia social del mexicano. Un ensayo epigonal, imaginativo, total, que dio muestra de la sagacidad de un escritor que con el tiempo influyó el pensamiento y la crítica en torno de la modernidad de todo el mundo. Un Presidente que no ha leído a Octavio Paz sería tan insulso como un presidente que, quizá, ha leído sin saberlo a Carlos Fuentes. Un libro triste pues a más de 50 años de su escritura (más triste aún si se lee el texto "Posdata", que es una coda al texto original y que el autor escribe tras la matanza de 68) parecería que nuestros rezagos son destino, que no hemos sido capaces de reconocernos ni, mucho menos, de generar un pensamiento autónomo con su respectivo y, hoy más necesario que nunca, cambio cultural.

El hombre sin cabeza

Sergio González Rodríguez

Crónica- reportaje

Sergio González Rodríguez no ganará el Nobel pero es quizá el intelectual mexicano más preclaro en su conocimiento de la realidad social, simbólica y metapolítica de nuestro país en los últimos diez años. En este libro consigna de un modo estremecedor una visión panóptica del caos, con la imagen final de un tiradero de cuerpos en Acapulco que nos remite al abismo y a la visión de Dante sobre el infierno. Escrito con mucha creatividad, literatura y valentía, este libro debería ser de cabecera para un presidente mínimamente curioso que intente comprender tanto el dolor del desmembramiento como el tipo de experiencia vital que es más cercana al mexicano endriago (sujeto violento), ese individuo que ocupará un porcentaje importante de sus gobernados, porque, téngalo por seguro, tanta televisión nos ha educado bastante sobre violencia y crimen.

El despojo

Roberto Madrazo

Ensayo

Robamaratones de Berlín, corrupto, político seductor, priista, bajo todos esos apelativos se ha llamado al político Roberto Madrazo, quien se despidió de la vida pública con un libro que de haber conservado su título original: México muere, el sistema vive, además de haber sido un tino mercadotécnico, habría repercutido de una manera importante para al análisis sobre el futuro del país. En este libro (que peca en proteger algunas franjas del PRI) se propone una tesis seria: la actual crisis por la que atraviesa México (crisis política, económica, social, institucional, moral) es resultado de una serie de oportunidades perdidas y de un sistema político que ha preferido la simulación, la mentira y el despilfarro desde hace casi 100 años. Un presidente debe leer este libro para reconocer que seis años más de improvisación son un suicidio.

Entrevista a Amparo Dávila

2011-12-08T15:11:00.000-08:00

Recibió homenaje en Bellas Artes

Junto a Josefina Vicens e Inés Arredondo, Amparo Dávila es una de las escritoras mexicanas más importantes del siglo XX. Nacida el mismo año que el Ché Guevara (1928), en Pinos, Zacatecas, Dávila recibió este domingo un homenaje organizado por Conaculta, en el marco del ciclo Protagonistas de la Literatura Mexicana. Unos días antes, desde la comodidad de su hogar, la escritora nos atendió vía telefónica y nos dijo estar muy agradecida y emocionada por el reconocimiento que se le haría el día 11 de diciembre y, al contrario de muchos escritores que viven ansiando un reconocimiento, doña Amparo nos dijo: "Me produce mucha emoción que me hagan algo que yo no tengo contemplado. Es inesperado", como nuestra llamada al teléfono que la agarró de sorpresa.

Del otro lado de la línea, doña Amparo parece un poco confundida, casi no alcanza a escuchar y, continuamente deja que pasen algunos segundos antes de responder una pregunta. Han pasado los años pero no se han acabo los sueños: "A mí me gusta mucho vivir, la vida me gusta mucho, entonces siempre espero que el mañana sea mejor que el día de hoy, por ejemplo, que haya mejor temperatura porque ha hecho muchísimo frío", se queja la escritora.

Doña Amparo nos cuenta que todos los días lee el periódico pero sobre todo lee literatura -¿qué otra cosa?- Luego, detrás de la línea telefónica, el silencio. Parece ser que Amparo Dávila observa una mesita donde reposan los libros que lee ahora, siempre varias cosas a la vez -dice-: El último juglar, memorias de Juan José Arreola, una biografía de Enriqueta Ochoa y un libro de cuentos de León Guillermo Gutiérrez, son sus lecturas del momento.

En un país con tantos problemas como el nuestro, ¿qué importancia tienen hoy en día la poesía y la literatura?

"No en este momento. La poesía, la literatura es necesaria, necesarísima, para todo ser humano, siempre, siempre, porque es una forma de enriquecerse y de brindar también a los demás algo de uno mismo. Sería un retraso tremendo que México dejara de poner atención a las letras, sería retraso cultural tremendo, muy lamentable. Aquellos que no leen están muy mal informados porque leer abre las puertas del conocimiento. Además la persona que lee, aparte de ilustrarse, nunca está solo, tener un libro es tener un amigo", comenta con voz pausada la escritora mexicana.

Sin embargo su juicio sobre nuestro país es optimista: "Yo de política no entiendo mucho pero sin embargo pienso que México en este momento está brindando oportunidades que antes no había. Oportunidades de estudio y de conocimientos".

Pese a que uno podría pensar lo contrario, los días de la escritora siempre son diferentes, siempre hace algo distinto, no le gusta seguir rutinas. Se ocupa en las cosas de su casa en lo que puede, y cuando no, se ocupa de leer; de escribir no, por el momento, y quién sabe cuándo sí. No lee nada de escritores jóvenes: "prefiero re leer algo de lo que me ha llamado mucho la atención". Sin embargo sí les da un consejo, uno solo: "que lean constantemente".

Recientemente se ha publicado la Poesía reunida de la escritora, un par de años después de que se publicaran también sus Cuentos reunidos. Por lo tanto, ahora su obra ya no solo puede ser localizada en las bibliotecas de la UNAM o en librerías de viejo, sino en las novedades editoriales de las librerías. El primer libro publicado por la autora data de 1950, un poemario de título fértil: Salmos bajo la luna, luego, en 1954, se publicaron Meditación a la orilla del sueño y Perfil de soledades. Su obra narrativa incluye Tiempo destrozado de 1959, Música concreta de 1964, y Árboles petrificados de 1977, obra con la que obtuvo el Premio Xavier Villaurrutia ese mismo año. De 1966 a 1967 fue becaria del Centro Mexicano de Escritores. La autora recuerda con gozo aquellos años y las amistades que durante ese tiempo forjó:

"Son recuerdos de la literatura, donde todo para mi tiene un gran sentido. Recuerdo mucho a los amigos que estuvieron cerca de mi y que con sus consejos me ayudaron mucho. Fui becaria del Centro Mexicano de Escritores y entre mis compañeros estuvo Salvador Elizondo, Julieta Campos, los dos ya están muertos. Otro gran amigo es José Agustín, a quien le mando un abrazo por haber ganado el Premio Nacional de Ciencias y Artes". Doña Amparo se disculpa por hacerle repetir a este reportero una y otra vez las preguntas. Ella se despide amablemente y cuelga. Las palabras las prefiere escribir.

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Entrevista a Nubia Macías, directora de la FIL de Guadalajara

2011-11-24T10:12:00.000-08:00

"La FIL tiene que dar el salto a la internacionalización": Nubia Macías

Inicia este sábado 25 edición de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara

Es un hecho que la Feria Internacional del Libro de Guadalajara es la más importante en habla hispana pero, para su directora, Nubia Macías Navarro, aún le hace falta dar un salto:

"A mi me parece que con Alemania (país invitado de honor) teníamos que dar el salto porque es el referente de la industria editorial en el mundo por el icono que tiene, la Feria Internacional del Libro de Frankfurt. Sí es cierto que hemos ya trabajado mucho con Europa pero la Feria tiene que ir rompiendo cada vez más barreras, por ejemplo las idiomáticas. Tiene que apostar cada vez más a la internacionalización", opinó vía telefónica desde Guadalajara, donde afina los últimos detalles para arrancar las actividades de la edición número 25 este fin de semana.

"Con este sentido de internacionalización para los próximos años tenemos propuestas muy puntuales de América Latina, Europa del Este y de Asia", apuntó.

Nubia Macías compartió que la invitación de Alemania se debe más a una feliz coincidencia porque ellos tenían alrededor de siete años tratando de concretar esta invitación pero por mil detalles fue apenas hace dos años que pudieron aterrizar la propuesta, lo cual no es fácil porque se adquieren varios compromisos, en principio que la propuesta tiene que ser integral para atraer todas las manifestaciones culturales del país o región invitada.

"Las candidaturas las hacen llegar los gobiernos, las cámaras de la industria editorial, las embajadas o los sectores culturales. La idea es que durante 9 noches la Explanada del recinto ferial reciba a los artistas, los músicos, y que la cultura esté allí. El Museo de la ciudad recibe exposiciones y se realizan actividades afuera y en las escuelas que llamamos Ecos de la FIL", dijo.

Ser una plataforma para América Latina

Nubia se encuentra en la entrada de la Expo Guadalajara, sede que año con año recibe a miles de personas involucrados en el circuito comercial del libro, autores, editores, lectores, y donde ya penden las banderas de los países invitados -43 en esta cita-, ella nos cuenta que parte de esa internacionalización se sustenta en fortalecer las industrias culturales y editoriales de América Latina:

"Este fortalecimiento tiene que empujar mucho a las industrias culturales de América Latina, y, por tanto, que nuestra región vea en Guadalajara una plataforma de lanzamiento. De ahí que, por ejemplo, nosotros estemos fortaleciendo la presencia de los escritores latinoamericanos para que puedan ser conocidos por los agentes internacionales", comenta la directora.

"Tenemos una deuda con Brasil. Por eso, desde hace un año hemos trabajado con la idea de que en la FIL del 2012 tengamos un proyecto fuerte de literatura que consiste en traer a un grupo de escritores brasileños para que se encuentren con los escritores en lengua española y que los lectores los conozcan. Esto nos permitirá volver a tener ese flujo natural de ida y vuelta y que, por alguna razón, nos hemos dado la espalda mutuamente. Y, de pasadita, vamos a hacer lo posible para que Portugal se sume a este proyecto y podamos así romper esa barrera idiomática y que el portugués tenga una constancia en la Feria", añadió.

Al respecto de este impulso a la industria regional comentó el programa "Los 25 secretos mejor guardados de América Latina", en el cual se integró a 25 autores jóvenes latinos, y cuyo parámetro de selección consistió en convocar en cada país de América Latina a un nutrido grupo de escritores que recomendaron "las delicias literarias" desconocidas que había en sus países. Luego se discriminó en función de si estos "secretos" ya habían ganado algún premio internacional o publicado en editoriales internacionales, comentó Macías.

El e-book no es una amenaza para las Ferias del Libro

"Las Ferias cada vez van a ser más necesarias a pesar de que mucha gente agorera crea que con los libros digitales y las nuevas tecnologías tenderán a desaparecer. Yo creo que, al contrario, se van ver fortalecidas", dice Nubia al respecto del asunto concerniente a la actualización de los esquemas de la Feria.

Añade: "Los libros y los intercambios comerciales los hacen seres humanos. No hay más. Las Ferias no tenemos que tener miedo de las tecnologías. Sería un error no estar al pendiente de conocer todos estos procesos tan fascinantes que están teniendo lugar. Los libros tiene que generar contenidos y las Ferias tenemos que formar lectores. Pero, de cualquier modo, creo que los libros normalitos van sobrevivir todavía mucho tiempo, seguramente no los veremos desaparecer nosotros.

"Ese proceso tardará por muchas razones: en América Latina todavía la gente no apuesta de manera general por el libro digital, primero porque es costoso; segundo, porque no se conoce su funcionamiento, y tercero, porque nuestros gobiernos aún no han reforzado las leyes de protección al derecho de autor para evitar la piratería. Si se abre toda la industria editorial a las nuevas tecnologías y no se legisla no quiero saber lo que se podría piratear por Internet.

"Por nuestro lado, no podemos perder el ritmo en la promoción de la lectura. Sin los lectores no tiene sentido ni el libro en papel ni el digital", comentó.

Con la mirada puesta en el futuro es imposible pensar en las nuevas generaciones, a quienes, Nubia insiste, en ponerles mucha atención. Por eso FIL niños es para ella la "Corona del Reino". Este año la propuesta de FIL niños consiste en 25 historias que los niños deben conocer y leer antes de crecer. Todo el pabellón esta animado con una diversa gama de cuentos, desde los escritos por los Hermanos Grimm hasta otros más modernos como Caperucita Roja perdida en Manhattan.

"FIL niños tiene que ser el territorio comanche para que los chavitos se la pasen súper bien y se diviertan. FIL niños debe ser un espacio súper creativo, muy bello y en el cual los chavitos desde que entran por la puerta a su pabellón, tengan la sensación de que entran a la magia del cuento", puntualizó la directora de la FIL.

Metas para esta edición

Se espera una asistencia total de 600,000 personas

Profesionales del libro: 17,000 inscritos hasta el momento (se esperan otros cuantos más)

Se esperaría crecer un 1% o 2% en cuanto a ventas con respecto al año pasado

Se contará con 550 presentaciones de libros, 50 más que en 2010

En Fil niños, se recibirán más niños por la cuantiosa prescripción de escuelas

Se tendrá la presencia de 43 países

Se contará con la presencia de más de 2000 casas editoriales

La FIL en voz de sus protagonistas

2011-11-24T09:26:00.000-08:00

Un milagro. El evento cultural más importante en México. Una cita comercial indispensable. Una gran plaza pública para hablar sobre literatura. Esto es la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL) para algunos de sus protagonistas. Veamos a detalle.

México se desmorona pero la FIL se sostiene

Para Carmen Boullosa "la FIL es una especie de milagro en el contexto del México contemporáneo. Mi certeza es que mucho se desmorona -instituciones, proyectos, sueños, deseos-, y que la FIL, a contrapelo, ha levantado una institución, la realidad de un proyecto, el sueño de muchos, los deseos comunitarios de lectores, editores y escritores".

Por su parte, Sergio González Rodríguez afirma que se trata del "acto cultural de mayor importancia en México. Su vigencia durante 25 años se debe a la tenacidad y agudeza intelectual de Raúl Padilla y su equipo de colaboradores, que ahora encabeza Nubia Macías. En sus 25 años, quisiera celebrar el espíritu de tolerancia de la FIL y solicitarle que, en el futuro, mantenga su atención a las críticas de los jóvenes".

Sin dejar de lado la parte económica de la FIL, el editor de Páginas de espuma, el español Juan Casamayor, comenta: "Desde hace 10 años viene siendo la cita comercial que cierra el año, que hace la valoración de año saliente y prepara el entrante con los distintos clientes".

El lugar para cumplir sueños literarios

Muchas anécdotas se producen en el interior de este evento. Repasemos algunas. Un joven y entusiasta Antonio Ortuño, quien ha asistido a todas las Ferias del Libro de Guadalajara, recuerda que durante toda su juventud temprana: "había buscado inútilmente las novelas policiales de Boris Vian, en cada librería de Guadalajara. Finalmente, en la FIL de 1994, la número ocho, tardé 20 minutos en dar con las cuatro novelas y hacerme de ellas. Tenía 18 años, pero me invadió la misma sensación de omnipoder de un niño de cuatro al que le amanece en Navidad el mono que pidió".

Hablando de Ortuño, Juan Casamayor recuerda que una vez saliendo de un acto en el que participó con Antonio, "una elctora me detuvo convencida de que yo era Fernando Iwasaki. No había modo de convencerla de lo contrario. Ni ayudaba que Antonio le alentara divertidamente en el equívoco".

Sergio González también nos platicó un momento especial: "Recuerdo mi encuentro con el escritor italiano Roberto Calasso en un acto de la FIL, en el que tuve la fortuna de presentar uno de sus libros traducidos al español: pocas veces un lector tiene el privilegio de expresar en persona su gratitud al escritor admirado. Para mí fue el cumplimiento de un deseo que se remontaba a muchos años atrás. La FIL sirve también para cumplir este tipo de sueños literarios: el encuentro personal con los escritores".

Dentro de 25 años

Como un ejercicio literario, imaginativo cercano a la Ciencia Ficción, Sergio González y Antonio Ortuño nos comentan cómo se imaginan la FIL cuando llegue a su edición número 50, en el año 2036:

"En 25 años más, se vivirá plenamente una época post-literaria y post-libresca. El concepto del libro tradicional será ampliado a interconexiones múltiples con otros medios electrónicos, y el libro en papel perdurará como algo excepcional. Por fortuna, la lectura continuará como un acto humano por excelencia, que la FIL deberá honrar como siempre lo ha hecho", dice el escritor chilango.

Su colega tapatío más joven es menos optimista: "Tendré 60 años y habrá pasado lo que sea que tenga que sucederme. Si sigo vivo y cuerdo, si hay país, si hay FIL, espero que todos mis amigos sean autores consagrados y mis enemigos estén sentados entre el público, con el hígado en la garganta", dijo.

Recomendaciones para la FIL

Carmen Boullosa: Herta Müller con MarioVargas LLosa: son polos estéticos distintos. Me interesa sobremanera ver qué sale de ahí. No porque sean dos premios Nobel, sino porque quiero ver cómo dialogan. Los dos son tan brillantes que sé que saldremos enriquecidos.

Antonio Ortuño: Iré a ver a Peter Stamm, Marcos Giralt, Etgar Keret, Ari Volovich, Carlos Velázquez, Andrés Neuman, Guillermo Fadanelli, Leonardo Da Jandra y Guadalupe Nettel.

Sergio González: Me encantaría estar en los actos donde se presentarán figuras en lengua alemana como Herta Müller, Rudiger Safranski y Peter Stamm.

Juan Casamayor: Sin duda el Encuentro Internacionald e Cuentistas que dirige Ignacio Padilla. ¿Cuentan las fiestas nocturnas?

"El problema son los hombres": Javier Sicilia

2011-11-23T14:52:00.000-08:00

Al ahora activista social propone rescatar modelos sociales de la periferia pues la modernidad fracasó

"No tengo problemas con dios sino con los hombres por su incapacidad de amar, por su imbecilidad", comentó ayer el poeta Javier Sicilia en una charla que sostuvo con periodistas y algunos de sus lectores, en donde habló de poesía, de sistemas económicos y también de política, y presentó la colección de la revista Conspiratio, publicada por la editorial Jus.

Sicilia recordó a su hijo asesinado hace unos meses, evento que fue el punto de quiebre para su silencio poético y que lo enfiló a liderar el Movimiento por la Paz con Justicia y Dignidad, del cual reconoció ser la personalidad más visible pero no la más importante. Al respecto, mencionó al cura Miguel Concha y al sociólogo Emilio Álvarez Icaza, como unos de los más brillantes.

Sicilia no evitó la pregunta y la enfrentó directo: "Yo entendí hace mucho tiempo que dios no es todo poderoso. Si lo fuera sería un hijo de la chingada. Entendí que si algo revela Cristo (como encarnación divina) es que dios es absolutamente impotente. El amor no puede nada. Como ejemplo está mi hijo. Pero el símbolo que lo comprueba es este: Dios se vacía de su poder y se encarna en lo más inerme, un niño pobre", añadió el activista.

AMLO se confunde. Gandhi sí entendía el amor

En la charla mencionó que el aspirante a la Presidencia de la República, Andrés Manuel López Obrador, se confunde cuando habla de una "república amorosa", porque "no es posible pensar en el amor cuando se habla del poder".

"Uno es generoso o amoroso porque sí, no por imposición. No puede haber una república amorosa, sino justa, de paz, igualdad y fraternidad", acotó.

Al hablar de los líderes políticos recordó a una figura que a él verdaderamente le cambió la vida: Mahatma Gandhi, un personaje ejemplar para Sicilia.

"Uno no se vuelve generoso porque le digan que sea generoso. La primera base sí es la cortesía pero en realidad uno quiere ser generoso cuando ve a alguien generoso. En ese sentido, hablamos de una práctica que hay que ejercer para poder transitar a nuevos modelos. Yo cuando vi a Gandhi dije: 'quiero ser como ese hombre, y si no, mínimo, acercarme lo más posible', me impresionaba lo fuerte que era este hombre aparentemente frágil", dijo aunque reconoció que India fue hacia otro lado.

Los comentarios de Sicilia fueron a algo más general: la crítica al sistema de producción capitalista: "Hay que pensar en otro mundo por este mundo del progreso, del contrato social hobbesiano ya tronó. México tiene características muy terribles pero esta crisis del Estado y del Mercado es un fenómeno mundial. El capitalismo es inmoral. Marx fue un capitalista burgués que intentó domesticarlo pero moralizar al demonio está duro", comentó.

Imaginando otros modelos recordó experiencias de solidaridad en los pueblos que recorrió con su caravana hace un par de meses, y también ejemplos más concretos como las juntas de buen gobierno zapatistas y la organización de sus comunidades autónomas en los denominados caracoles.

"Ese otro mundo está en el entendimiento, en las formas de fraternidad que se elaboran al margen del Estado. La economía es el cuidado de la casa. No siempre ha triunfado el modelo rapaz de escasez. Esas experiencias de solidaridad que recolectamos son el amor del que hablo, pues no se organiza conforme al poder. Esto es lo nuevo", concluyó el escritor mexicano.

Anuncian Encuentro Internacional de Arte y Sustentabilidad 2012

2011-11-22T12:20:00.000-08:00

Convocan a conciliar arte y "emprendurismo"

Con la consigna de "no volver a empezar de cero nunca más", Lucina Jiménez, directora de ConArte, lanzó la convocatoria a todos los emprededores y gestores culturales del país para participar en el primer Encuentro Internacional Arte y Sustentabilidad 2012. Arte, Emprendurismo e Innovación social, que se realizará el 17 y 18 de febrero del próximo año.

En conferencia de prensa, la directora de ConArte (Consorcio Internacional Arte y Escuela) mencionó: "¿Por qué no hemos de poder vivir del arte? Si el arte es una inversión de las familias mexicanas. Son las familias los primeros en apoyar los estudios de los artistas. Entonces, es urgente un cambio de mentalidad con respecto a la importancia que tienen los artistas y la creación dentro de la maquinaria social. No tienen por qué estar peleados los artistas y el emprendurismo", dijo la impulsora de esta ambiciosa iniciativa, quien acotó que el lugar donde se anunció la convocatoria es simbólico pues resguarda un antiguo generador de energía y hub, precisamente, alude a esa parte central de una rueda que genera energía.

Esta iniciativa está muy ligada con el trabajo de las Hub, una red de espacios de encuentro, aprendizaje conjunto y tejido de redes de colaboración entre artistas y sus comunidades, los cuales generan vínculos, nuevas capacidades y relaciones entre los artistas, creadores y gestores culturales. Existe Hub en muchas ciudades, unas de ellas son Sao Paulo y Londres.

En México existe un Hub, en Oaxaca, y a partir de este evento se fundará el Hub ConArte, en La Nana, Fábrica de las Artes, espacio cultural donde se desarrollará el Encuentro anunciado y que otrora fuera el famoso Salón México a espaldas del Museo Franz Mayer, en el Centro de la Ciudad de México.

Mirar al futuro, compartir y desentralizar

Alfons Martinell, director de la Cátedra Unesco de Políticas Culturales y Cooperación Internacional de la Universidad de Girona, en su turno dentro de la conferencia lanzó una crítica a los antiguos modelos de gestión cultural, urgiendo a cambiar la mentalidad:

"El hub es compartir centralidades, implica el protagonismo de la ciudadanía. Es importante que exista un cambio profundo en los acercamientos culturales. El sector cultural necesita tiempo pero los tiempos hoy son tan rápidos que necesitamos cambiar los modelos de gestión. La formulación: 'participar en la vida cultural' tiene que tener una lectura contemporánea que integre como agentes activos a la sociedad civil", dijo Martinell.

"Somos un sector que no produce imágenes de futuro. En la cultura siempre prevalece la mirada hacia el pasado. Y eso es preocupante. Al hablar de emprendimiento hablamos de alguien que mira hacia el futuro. El reto es muy importante porque implica un cambio de mentalidad. Por eso es importante atender la inovación que aquí se propone como eje", añadió.

A lo dicho en la conferencia, se añadió en un comunicado que, gracias al esfuerzo de los organizadores e interesados, México contará por vez primera con un mapeo de los modelos de gestión de las empresas que han creado, contra viento y marea, artistas y promotores culturales en nueve ciudades del país, y con un diagnóstico de necesidades de formación en emprendurismo. Las ciudades son el Distrito Federal, Guadalajara, Jalapa, Oaxaca, Mérida, Monterrey, San Cristóbal de las Casas, Tijuana y Veracruz.

En el anunció se contó con autoridades de los organismos convocantes: Hollaran Philantrophies, Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, Secretaría de las Culturas y las Arte de Oaxaca, Dirección General de Vinculación Cultural y Fonoteca Nacional, estas dos por parte de Conaculta, Cátedra Unesco de Políticas Culturales y Cooperación Internacional de la Universidad de Girona, Laboratorio Iberoamericano de Investigación e Inovación en Cultura y Desarrollo, Hub Oaxaca y British Council.

La convocatoria

La convocatoria está dirigida a los artistas y promotores que hayan logrado mantener, durante un lapso mínimo de tres años, algún emprendimiento con dimensión social, legalmente constituido. A partir de este 22 de noviembre, los interesados podrán solicitar su formato de participación al correo electrónico huconarte@gmail.com, el cual deberán regresar contestado junto con una carpeta digital sobre su trabajo. La fecha límite de recepción será el 7 de enero de 2012, a las 19 hrs. Las iniciativas seleccionadas se darán a conocer directamente a los interesados el 28 de enero de 2012.

Veinte propuestas serán seleccionadas para participar, con todos los gastos pagados, en el Encuentro Internacional Arte y Sustentabilidad, integrándose en una red virtual de iniciativas de arte y sustentabilidad que recibirán asesoramiento metodológico y en torno a sus planes de negocios, desarrollo de públiocs y/o marketing, por parte de destacados especialistas nacionales y extranjeros.

En honor al gran Daniel Sada

2011-11-20T14:34:00.000-08:00

Un artesano de la oralidad

El Premio Nacional de Ciencias y Artes 2011 llegó casi a destiempo, como casi nunca o como casi siempre. En hora buena, para José Agustín, el más importante de los escritores de la Onda, a quien le debemos gran parte de la educación literaria y estética de muchos mexicanos. Pero tarde, en el caso de Daniel Sada, quien falleció el pasado viernes a causa de diabetes y disfunsión renal, mismo día en que se anunció el galardón.

Sada falleció a los 58 años, convertido en uno de los narradores más importantes en lengua castellana, con un estilo único que es imposible reducir al "barroquismo", creador de una personalísima preceptiva poética que incluye la entraña y la oralidad, materias para generar relatos de una calidad notable que inauguró nuestra atención en la narrativa del norte del país, en donde se destaca la experimentación y el neologismo y no los clichés de hoy.

Contó con el reconocimiento de todos sus pares literarios, de la generación que sea u sin importar su nacionalidad. Uno de ellos fue el fallecido escritor chileno Roberto Bolaño, quien unos pocos años antes de morir (en 2003), dijo en una entrevista por televisión:

"De mi generación admiro a Daniel Sada, cuyo proyecto de escritura me parece el más arriesgado". Sin duda lo fue. Riesgo que se combinaba con una claridad manifiesta en el uso correcto de la lengua y en una postura franca, sin medias tintas. En una conversación que este reportero sostuvo hace poco más de un año con el escritor norteño, dijo: "Vivimos una guerra. Lo que nos queda a nosotros, en lo que podemos, es provocar una revolución literaria", dijo, sentado en la cómoda sala de su hogar, la misma donde el gato de su hija reposaba a sus anchas y donde recibía a amigos para tomar una copa o jugar una partida de ajedrez.

Sada nació en Méxicali pero su familia era de Coahuila y trabajó varios años en Sinaloa. Fiel a su llamado huyó de todo aquello que lo alejara de escribir hasta convertirse en uno de los grandes, en un autor imprescindible. Casi nunca, obra que ganó el Premio Herralde de Novela 2008, en este mundillo demandante de premios, significaría su confirmación hacia afuera, en el mercado, confirmación que para la gente de letras ya había ganado hace años.

Sergio González Rodríguez, quien trabajó durante años como editor, considera "toda una revelación temprana" la lectura del manuscrito de la primer novela de Daniel Sada, Lampa vida, cuya publicación promovió González Rodríguez, aunque a esta obra su autor no daría mayor importancia en el futuro.

En México incluso trabajó en un banco, como el personaje José K, de El Proceso. Pero antes de verse devorado por la confusión y ser tragado por el paso del tiempo, tomó la vida por los cuernos de la escritura. Necesitaba el aire, como nos platicó aquella vez, aunque en sus últimos meses la enfermedad lo obligó a guarecerse en su departamento en la colonia Condesa, en la Ciudad de México, a dejar de frecuentar los bares, el Covadonga uno de ellos (lugar donde conminó a un joven Fadanelli para que le cambiara el nombre a su novela. El le hizo caso y esa novela se llama Lodo), incluso tuvo que cancelar desde hace un años los cursos de escritura creativa que impartía fervientemente en la Casa Refugio Citlaltépetl, en la misma colonia. "La narración debe ser circular, sin perder los tiempos verbales de los hechos", recordaba una y otra vez a sus jóvenes pupilos.

Su primer éxito llegó con Una de dos, publicado por Alfaguara en 1994, en la que unas gemelas idénticas comparten un novio que no atina a descubrir el engaño en el que vive. En 1999, Tusquets edita Porque parece mentira la verdad nunca se sabe, obra que lo consagra como un escritor del lenguaje, un narrador a la altura de José Lezama Lima.

Sada se ha ido pero, como casi siempre, los buenos escritores nunca mueren porque viven en sus libros. Anagrama ya anunció la publicación de la novela El lenguaje del juego y en el mercado anglosajón la traducción de su novela Casi nunca. En el fondo, los escritores pertenecen a sus lectores no a sus promotores. Sada, como dice Antonio Ortuño, se merece como nadie ese cielo de los escritores que es la lectura. No oremos. Leámoslo.

Cuerdas / Colio + Viqueira = Garantía teatral

2011-11-20T14:06:00.000-08:00

Cuerdas, una metáfora sobre los lazos y la sangre

Richard Viqueira es un director que sorprende. Es capaz de generar la imágenes más abyectas emulando el close-up del cine pero también, siendo fiel a su hábitat: la escena, recurre a la imaginación más sensual y contundente, esa materia que deslinda al teatro de la cinematografía y que significa su sublimación artística: el engaño.

Perteneciente a una joven generación de jóvenes creativos, arriesgados y con propuesta que integra a sus pares Hugo Arrevillaga o Alberto Villarreal, Viqueira presenta este martes y miércoles la obra Cuerdas, original de Barbara Colio, en Teatro de las Vizcaínaz como parte de la programación de la Sexta Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México.

Cuerdas fue merecedora del Premio Nacional Mexicali de Dramaturgia INBA y se ha presentado este año en la Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia 2010 y también en breve temporada en Teatro El Milagro, además de dar una pequeña gira por otras ciudades del país.

La anécdota es sencilla: un trío de hermanos (Peter, Paul y Prince), después de 25 años de no verse y de no tener comunicación con su padre, deciden viajar a una ciudad del norte para volver a encontrarse con aquel convertido ya en el más famoso funambulista. Su padre los invita a verlo realizar el mayor acto de su vida: cruzar sobre una cuerda en el aire las dos torres más grandes del mundo, sin cuerdas de por medio. Es imposible no remitirnos al documental Man on Wire, dirigido por James Marsh y que ganó el Oscar en 2010, el cual trata sobre la historia del funambulista Philippe Petit quien en 1974 cruzó las Torres gemelas de Nueva York eludiendo todas las medidas de seguridad existentes. Del documental, la obra de Colio parecería recuperar la fuerza simbólica sobre la grandeza del espíritu y el pesado tránsito del tiempo.

En el camino los tres hermanos se enfrentarán con los demonios de la infancia y con los asuntos pendientes inherentes a toda relación familiar. El viaje se convierte así en una especie de camino de sanación y de reconciliación con ellos mismos y con sus orígenes. la salvación ofrecida por un hecho simbólico (artístico y circense a un mismo tiempo) ofrece poder poética a un texto que es certero, veloz y próximo, aunque predecible.

El tono de la pieza es melancólico y nostálgico. Por eso es fácil anticipar que se trata de una pieza trágica y, por lo mismo, el final no es tan duro (y tan revelador) como se antoja. Sin embargo la reflexión que propone el texto de Colio es conmovedora y valiente. Como dice Viqueira, Bárbara Colio se mete en la psique del hombre para hacer una acrobacia de altura. Es impresionante la fuerza de los diálogos y la verosimilitud del mundo del macho con todo y sus problemas. La fuerza de las imágenes y de la narrativa escénica camina a la par del texto. Los actores: Viqueira, Antonio Zúñiga, Felipe Cervera y Ángel Enciso, son como esos personajes: domadores de una cuerda consistente.

Tres maletas y una cuerda de gimnasia rítmica roja son todos los recursos escénicos que propone Viqueira, más un personaje externo, un testigo, que funciona como comodín y manipula de un modo sumamente imaginativo la cuerda roja para generar espacios y ambientes diversos.

Podría o no ser casualidad que la cuerda sea roja, pero simboliza ese lazo sanguíneo ineludible del cual somos resultado. La muerte es una metáfora central sobre el acto más importante de la vida. Hacia el final, el perdón pero sobre todo el olvido (que es más un "dejar pasar") sintetizan la vibración poética de este drama: vibran las cuerdas de la vida que hemos sido siempre, aunque nosotros seamos incapaces de poner atención. Vibran y nos hacen caer.

Anatomía de la gastritis

2011-11-17T06:22:00.000-08:00

Sobre la ausencia y la enfermedad

Se presenta emotiva obra teatral de Itzel Lara

Revisar lo humano desde el dolor, la ausencia y la enfermedad, es la propuesta de fondo que ofrece la obra teatral Anatomía de la gastritis, de la joven dramaturga mexicana Itzel Lara, pieza que actualmente se presenta en el Foro la Gruta y que cuenta con un afortunado y arriesgado montaje por parte del director Agustín Meza.

Anatomía de la gastritis fue finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo del Castillo” 2009, y en julio pasado contó con una medular lectura espectáculo, dirigida también por Agustín Meza, en el marco de la novena Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia que se realiza anualmente en Querétaro. En aquella ocasión, consignamos en El Economista que Itzel Lara es una de las jóvenes autoras a las cuales hay que seguirle la pista, con este montaje, tenemos la oportunidad en la Ciudad de México de ver una pieza teatral que a la usanza posmoderna más crítica, se dirime entre la pausa y el vértigo.

La Mujer (Genny Galeano) es el personaje central. Ella tiene un gato y sus relaciones personales son conflictivas, tanto con su pareja, su padre y hasta con el animalito, se trata de una mujer insegura, dominante y posesiva. Su novio, El Vegetariano (David Espinosa Ángel), es un individuo frío cuya principal preocupación parecen ser las cebollas. Su padre (Orlando Scheker) es un enfermo en fase terminal, con él mantiene una relación amor-odio. El Gato, es trasunto de un vacío, de esa relación con el padre que no sana y que, asimismo, se padecerá durante toda la vida como resultado de nuestra incapacidad consustancial para comunicarnos y para hacerlo a tiempo.

Como su autora lo ha mencionado, no importa tanto en Anatomía de la gastritis la anécdota como el desarrollo de los personajes. Un logro doble y quizá triple. En principio porque el texto es muy cuidado y va poniendo acento en el uso del lenguaje para develar poco a poco, con tiento y cuidado, lo que entraña cada uno de los personajes. Por su parte, el trazo de la dirección trabaja con talento cada escena, y los actores están a la altura de ese dominio del tiempo que solo se alcanza con un atemperamiento y delicadeza en el trabajo con los detalles.

En cuanto a la escenografía esta resulta muy bien lograda en su estructura circular, pues permite el tránsito de escenas las cuales tienen diferentes ámbitos: la clínica, la cocina, la recámara, el sueño y la memoria de un campo con una vaca simpática y atenta. El ritmo lo indica la escritura: va de lo pianissimo, in crescendo hasta la saturación que incomoda intencionalmente, una interferencia requerida y necesaria en el lengua artístico de nuestro tiempo.

Con esa sutil aceleración, la pieza se detiene en la clínica, en el tratamiento de la enfermedad y, por ende, en el desentrañamiento del mal. La obra representa un ciclo trágico y dialéctico que se compone de sanación y enfermedad, y esta última es lo normal y lo necesario. Todos estamos enfermos. La pregunta que emerge es una: ¿existe cura? ¿Podemos sanarnos de todo el mal que somos capaces de generar? La obra no dialoga con las liberaciones luminosas del pensamiento religioso sino que es una refriega carnal que tunde el espíritu. No hay cursilerías ni lecciones. Sí encontraremos fragmentos, expansiones, imágenes, sueños, pero sin perder la coherencia.

Es por cachos que la obra cuenta la historia de una mujer ante un mundo que padece lo que ella nombra "la peste del siglo": inanición, irritación, ardor e inflamación. En contraparte, su novio, que parce más un hermano malcriado, tiene un remedio: la cebolla, metáfora de las capas y los velos que tenemos los seres humanos en nuestras relaciones con los demás, con la realidad y con nosotros mismos, impedidos la mayoría de poder regresar al origen porque lo rechazamos. Es por eso que la protagonista sufre en su intento de sanación, porque no puede emerger realmente para sanar, porque rechaza su pasado y porque es incapaz de mirar su presente. Lo mismo ocurre con los demás personajes. Nadie se salva. Ni siquiera el gato.

Ecos de Elena Garro, Ximena Escalante, Anton Chéjov o Marguerite Duras se filtran en esta propuesta escénica. La prosa y la poética de Itzel Lara alcanzan una cima en su resolución dramática. Son por eso tan impresionantes los grados de potencia y espontaneidad de su escritura dichos en voz de los actores.

Un secretario de Gobernación - (menos)

2011-11-16T06:36:00.000-08:00

Caso Blake, una ventana a nuestra desconfianza

Coinciden pensadores en que es resultado de la manipulación gubernamental

La muerte del secretario de Gobernación José Francisco Blake Mora, el pasado viernes, coincidió con una fecha que para los supersticiosos era profética o apocalíptica: el día 11 del mes 11 del año 2011. Algo "malo" (irremediablemente iba a pasar). Hubo incluso quienes aseguraron que la aeronave que conducía al funcionario había caído cerca de las 11 de la mañana. El mayor sospechoso que detuvo la PGR fue un usuario de Twitter, como si un twett pudiera tirar un helicóptero. No es la primera vez que el "pensamiento mágico" atraviesa nuestras interpretaciones sobre los hechos. Podríamos decir que se trata de una reacción cultural resultado de una doble vía: la culpa cristiana o el fuerte sustrato indígena y sus mitos. Nuestras narrativas son testigo de ello, una fundamentalmente, Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez.

Hemos preguntado a pensadores preocupados por lo social si estas lecturas son resultado de la superstición o de la magia o más bien de unas condiciones reales que obligan a la incredulidad de los ciudadanos. He aquí las respuestas.

Los ciudadanos deben ejercer su derecho a la "duda razonable": Sergio González

1. ¿Cuál es la razón fundamental para que emerjan tales "hipótesis" en la opinión pública?

En primer lugar, una desconfianza generalizada en la "versión oficial" que se deriva de la tradicional manipulación y falsedad informativa de índole gubernamental mediante voceros diversos en los grandes medios de comunicación.

2. ¿Qué dice de los mexicanos y que dice de nuestro contexto?
Las personas tienen derecho a expresar su desconfianza ante la información pública, ya que el estándar de "duda razonable" se admite en el derecho, ¿por qué no habría de usarse también en la opinión pública?

3. ¿Cómo se ordena y disecciona la dialéctica Descreimiento-Superstición-Conspiración?
La dialéctica del Descreimiento-Supertisción-Conspiración sería la respuesta a la santísima trinidad del Interés-Conveniencia-Mentira del poder económico, político y criminal y sus socios comunicativos. En cuanto a la "conspiración", conviene recordar también que, en términos jurídicos, la conspiración criminal, asociación delictuosa o crimen organizado tipifican conductas en complot, y nadie descalifica estos términos por ser "teorías de la conspiración".

4. ¿Qué indica la narrativa "bélica/épica" que promueve el oficialismo? ¿Se puede contrarrestar?

La conversión de funcionarios en héroes patrios es un lenitivo simbólico de propaganda gubernamental, y está hecho para los partidarios y adherentes a tal causa. Para contrarrestar esto, los ciudadanos pueden ejercer su desconfianza, su derecho a la duda razonable y a la crítica. Al ejercer su derecho, nadie debería acusarlos de conspirar y caer en la dialéctica del Descreimiento-Superstición.

"En México no es conspiración, es un hecho": Fausto Alzati

1. ¿Cuál es la razón fundamental para que emerjan tales "hipótesis" en la opinión pública?

Faltaría agregar la lectura de que fue un mero accidente, o de menos la posibilidad de que no significa nada en particular. Un mero hecho. Ahora bien, son de todos conocidos los factores históricos y socioeconómicos, además de las tendencias al entretenimiento, y el goce en la especulación. A eso se debe.

2. ¿Qué dice de los mexicanos y que dice de nuestro contexto?

Con sucesos que se siguen uno a otro tan rápido, quién sabe. Es decir: Blake ya pasó... y más allá de lo obvio (que la traemos bien ensartada), no sé qué más indica. Pero el tema de la disposición a ceder libertades individuales por una sensación de seguridad, bajo un estado de excepción ronda esta pregunta.

3. ¿Cómo se ordena y disecciona la dialéctica Descreimiento-Superstición-Conspiración?

"Conspiración" sería el nombre de algo menos evidente, de la sospecha de que te están chingando como ciudadano. Pero aquí, en México, no es sospecha: es un hecho verificable, día a día.

4. ¿Qué indica la narrativa "bélica/épica" que promueve el oficialismo? ¿Se puede contrarrestar?

Se puede aspirar a generar zonas autónomas temporales donde no necesariamente operen sus paradigmas como totales. Se puede aspirar a expresar desde otra retórica. Se puede comunicar con claridad que no son narrativas naturales y totales, porque eso buscan: parecer naturales y totales e, incluso, sentido común...

Entrevista a Hugo Arrevillaga

2011-11-09T13:20:00.000-08:00

Con Litoral el director mexicano vuelven al origen

En 2012 cierra el ciclo La sangre de las promesas

Uno de los sucesos más interesantes de los últimos dos años han sido los montajes de las obras Incendios y Bosques, que forman parte de la tetralogía La sangre de las promesas, del dramaturgo libanés Wajdi Mouawad, piezas que han removido los sentimientos de cientos de espectadores. En esta ocasión, en el marco de la Sexta Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México, que inició el día de ayer, Hugo Arrevillaga, emisario en la labor de difundir la obra de Mouawad en nuestro país, presenta el día de hoy el estreno de la obra con la que inicia esta serie: Litoral y confirma que en julio de 2012 se montará la última parte, Cielos.

Afuera del Teatro de las Vizcaínas en el Centro Histórico, un teatro fabuloso que hoy se encuentra en ruinas y que sería preciso recuperar, Arrevillaga nos confiesa que si bien Litoral fue la primera obra que montó de este dramaturgo ahora se trata de un reestreno que es jy simbólico, muy personal y muy vital para el y para su compañía Tapioca Inn:

"Todos hemos tenido una pérdida, todos vivimos con una ausencia a cuestas, como una especie de soledad que está ahí. Podemos ser profundamente felices pero siempre hay algo que estamos buscando. Como dice Mouawad: 'buscando el camino de regreso a casa', y tratamos de buscar ese origen para entender de dónde venimos y cuál es el sentido de nuestra existencia. Esta búsqueda es la que nos llevó a la Compañía a querer regresar a Litoral que es el origen porque nos parecía lo más coherente: encontrar nuestro origen como Compañía, como artistas, como lectores y promotores de esta dramaturgia. Nos fue inevitable volver a la obra de donde todo salió, de donde todo partió. Es el inicio de La sangre de las promesas. Y es un estreno porque le hemos dado una nueva lectura y es un nuevo montaje", comenta Hugo.

No solamente Tapioca Inn se dedicó a revisar el texto, incluso el autor lo revisitó hace un par de años. En esta ocasión Arrevillaga nos comparte un breve texto que Mouawad escribió para un remontaje de sus obras que le encargó el Festival de Aviñón (Francia) hace dos años, 15 años después de que el autor elaborará la primera versión. Nos platica Hugo que eso fue un reto para Mouawad, quien en el nuevo escrito se pregunta: "cómo no traicionar a quien fui en aquel momento, cómo releer una obra que a mí me detonó tantas cosas y en la que yo creí tan profudamente hace 15 años, cómo volver a verme al espejo y volver a ver a aquel que fui hace tanto tiempo, y darle una lectura y hacerla poderosa", dice Hugo.

"Esa posibilidad de revisar una obra y por lo tanto revisarse uno mismo y también revisar el contexto del país para nosotros ha sido maravilloso", añade.

Conocimos la guerra

En 2006, cuando Hugo montó Litoral por vez primera, para nada nos imaginábamos que en 2011 hablaríamos casi con toda naturalidad que en un sexenio se han contabilizado 50,000 muertos, números que se enmarcan en una guerra. "Una guerra en la que participamos sin querer participar", dice el director.

"En aquel momento algunas escenas de Litoral nos demandaban una especie de responsabilidad profunda porque nos parecían mera ficción, no las veíamos tan de cerca. Entonces, ahorita, hablar de las historias de las que se habla en Litoral es profundamente desgarrador y terrible porque basta revisar un periódico para encontrar esta relación. Por eso creo que ahora el público tendrá una cercanía más profunda y más orgánica con el discurso que propone esta obra", comenta quien tuvo un primer acercamiento a la obra de Wajdi como actor.

En 2002, Boris Schoemann lo llamó para una lectura con base en la primera traducción de Litoral que le fue encomendada por Luis Mario Moncada, entonces, director del Centro Cultural Helénico. Boris lo invitó a una lectura en La Capilla y a Hugo le tocó el papel del protagonista, Wilfred, un joven de 25 años que justo en una noche en la que, literalmente, está teniendo "la cogida de su vida", con la mujer más increíble en su historial, justo cuando llega al orgasmo, recibe una llamada telefónica con la cual se le notifica que su padre ha muerto. Wilfred tenía muchos años de no verlo. Como si esto no bastara, la madre de Wilfred murió cuando lo dio a luz.

Obviamente, Wilfred se siente desconcertado. Y ahí inicia toda una búsqueda."Este autor tiene un gran talento para hablarnos de la vida a partir de la muerte y viceversa", añade.

Entre la muerte y el consuelo

Arrevillaga nos comenta que el aspecto más vital y desgarrador de su relación con Mouawad se reveló unos meses después: "Yo, evidentemente, no sabía que unos años después, en 2004, me esperaba la mayor pérdida que he sufrido: la muerte de mi madre", relata. La muerte de su madre retrasó el proceso de montaje de Litoral porque, dice Hugo: "yo no podía explorar un discurso sobre la muerte estando tan cerca de ella".

"En ese momento vino una amiga muy cercana de Francia, Raquel Urióstegui, ella es la traductora de Bosques, Pacamambo y Cielos. Llegó y me dijo: toma este texto (Pacamambo, que también forma parte de la Muestra), es lo mejor que te puedo dar en este momento. Y sí, porque Pacamambo, también de Mouawad, es una historia de amor, de amistad, de muerte y de consuelo tras la pérdida. Corre de manera paralela con Litoral. La leí, me fortalecí, hice el montaje de Pacamambo, y este me dio mucha fuerza para decir, ¡sí!, ahora quiero hacer Litoral. Ya tiempo después supe de la existencia de Incendios y la devoré y me devoró", platica Hugo.

La última parte de la tetralogía, Cielos, la montarán el próximo año: "es un desafío muy particular porque contradice todo el discurso que se presenta en las tres anteriores quebuscan alentar a ahondar en las raíces para encontrar un sentido a la existencia. Cielos contradice todo lo anterior pero por lo mismo lo fortalece, lo desafía, lo violenta, lo transgrede y lo completa. Amor/odio, Eros/Tanatos. Si no hay contradicción no hay vida. Cielos lo que nos viene a decir es que no es necesario regresar al pasado, ahondar en la memoria, buscar en la sangre, para entender el sentido de nuestra propia existencia", concluye el director.

Entrevista a Cecilia Appleton

2011-11-09T06:52:00.000-08:00

"Solo saboreamos cuando vamos a un escenario"

Estrena Contradanza La danza de los cisnes

La coreógrafa Cecilia Appleton se preguntaba hace unos meses, entre los ajetreos de la vida moderna: ¿qué había sido lo que la impulsó a hacer danza? Ella se recordó como una niña de 9 años, en el interior de un foro viendo a una mujer que hacía "magia", la bailarina que recuerda portaba un vestido larguísimo, impresionante.

"Y ahí descubrí otro mundo más cercano a lo que hay dentro de mi, a mis fantasías, a mis sueños. Y pensé que el mundo te demanda algo muy medio extraño, el deber ser está que yo no lo aguanto. Pero no podemos contra él porque vivimos una época de mucha ansiedad. Todo rápido. Es impresionante cómo estas máquinas han hecho más fácil mi vida y si se tardan un minuto me pongo de un humor terrible. Y me pregunto: ¿cuándo se sienta uno a saborear? Cuando uno va al escenario", dice la directora de Contradanza, que en el marco de la Sexta Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México, estrenará la pieza La danza de los cisnes, de inspiración plenamente feminista.

En la propuesta se trabaja con multimedia, participan ocho bailarines -seis mujeres y dos hombres- y se bailan piezas musicales de diferentes autores, en un cuento que linda la fantasía pero que no es lineal sino intuitivo, emocional.

LO que a Cecilia le interesó explorar fundamentalmente es la relación de los sujetos -hombre o mujer- con los roles en una sociedad acelerada e histérica, enmarcado en una reflexión desde la perspectiva de género.

"La mujer y el hombre cómo conviven con el deseo. El título tiene muchas connotaciones. Por un lado, alude a El lago de los cisnes, en donde las mujeres son encantadas por un mago, y para poder deshacer el hechizo tienen que encontrar a un hombre que las pueda reanimar como mujeres. Esa idea me pareció siempre muy seductora e interesante. Y quise actualizarlo en la perspectiva de género sobre todo por los cambios que a nivel social y político que las mujeres hemos ido conquistado, y ahora podemos pensar si realmente somos seres encantados que esperamos un hombre que nos libere".

Pero no todo es miel sobre hojuelas. Cecilia también advierte un cambio simbólico: "Sentí que estos cisnes seguimos siendo encantadas no por un mago pero si por una magia social. No lo hice para hacernos víctimas, sino más bien para pensar que todos hemos sido cómplices. Asimismo, veo que también los hombres están intentando comprender a las mujeres pero también les está tocando una situación compleja debido a que los roles mismos están cambiando. El hombre entonces se descoloca, en una dualidad muy fuerte. En la obra se muestra esa complejidad", dice la bailarina.

Entrevista a Cristóbal Jodorowski

2011-11-08T05:54:00.000-08:00

"El psicoanálisis fracasó. Lo importante es el acto poético"

El psicomago ofrece los miércoles de noviembre lecturas gratuitas de tarot

El apellido Jodorowsky determina a una especie de estirpe de creadores. Ninguno tan extravangante y conocido como el papá, Alejandro, lo cual no reduce el apellido a una serie de películas "raras" o algunos perfomances de escándalo en los 70. Ese apellido representa una genealogía que busca la sanación, un estilo de vida. No es difícil darse cuenta de ello, si uno se sienta a platicar un rato con alguno de los representantes de esta bandera, ya sea Alejandro, Adán o Cristóbal. Adán un conocido y recurrente cantante de rock en México, que experimenta el desarrollo de personajes, y Cristóbal un consistente practicante de un sistema creado en familia: la psicomagia.

Aprovechando que Cristóbal se encuentra en México realizando talleres, conferencias, "viajes iniciáticos", lecturas gratuitas de tarot, promoviendo su libro El collar del tigre -que ha puesto al servicio de los internautas interesados, los cuales ya suman 300,000 descargas gratuitas- y realizando otros trabajos artísticos, le preguntamos sobre su modelo de pensamiento, esta propuesta familiar de terapia que une dos conceptos Psicomagia y Genealogía. Cristóbal comenta:

"La genealogía es el estudio del ego, del yo, de esa bandera. Te muestra cómo nosotros somos el resultado de un pasado genealógico, que a veces nuestros conflictos son el resultado de situaciones no resueltas cuatro generaciones atrás. Y eso es un lenguaje, es como hablar inglés. Entonces, estudias, te comprendes y luego actúas porque no basta con saber intelectualmente. Eso ya lo sabemos. El psicoanálisis ya fracasó: no sana. Las terapias verbales tampoco ayudan", comenta el artista nacido en México pero radicado en Francia, donde imparte y lee, junto con su padre, enseñanzas del tarot de Marsella, fundamental en su sistema de pensamiento.

"La psicomagia está basada en el acto y te permite liberarte. Además, es muy interesante porque no niega los impulsos. En la psicomagia, como en el sueño, no hay imposibles. Puedes hacer todo. El que hace la psicomagia en lugar de negar el impulso, lo realiza. Si el impulso es fracasar fracasas y sales a la calle vestido de mendigo y dices: 'fracasé porque mis padres querían que fracasara', y luego entierras eso, porque una vez que el inconsciente comprende que ya lo realizó puedes pasar a otra cosa", añade Cristóbal.

Una familia de freelance espirituales

En esta familia, arte y espíritu van muy ligados. Sabemos que Alejandro Jodorowsky vivió en México y aquí convivió con chamanes, como también lo hizo con magos de otras regiones del mundo, siempre interesado en conocer el funcionamiento del hemisferio derecho del cerebro, zona donde se ubican las intuiciones. Cristóbal es amable y transparente. Sin tapujos nos cuenta que proviene de una familia de "artistas místicos" o "freelance espirituales", artistas que buscan, a pesar de las neurosis humanas, la salud humana, "los niveles más amplios del ser humano", dice.

Desde niño acompañó a su padre a toda clase de talleres, sanaciones, operaciones, viajes, experimentos. A los tres años le regalaron su primer tarot de Marsella. El día de esta entrevista lo guarda en la bolsa superior izquierda de su saco azul marino, luego lo extiende sobre la mesa. "Todos los días lo estudio, siempre encuentro un detalle nuevo", confiesa. Con la psicomagia se dio cuenta, como el dice, de que "la magia existía pero no como uno lo pensaba, con superstición, sino que nuestro cerebro era mágico: soñamos. Me metí con el alma desde que era niño, asistía a talleres, y talleres, fui masajeado, tocado, medité a los cinco años, mi casa era universidad paralela, un hervidero cultural". En Cristóbal el tema es más vital. Si su padre juntó las bases de la psicomagia, fue Cristóbal quién lo propuso como terapia:

"Mis padres viene de una crianza salvaje. Los dos, huérfanos. El papá de mi padre perseguía a mi papá con un cinturón pensando que pegarle a los niños era bueno para la salud y le pegaba todos los días. Entonces mis padres me marcaron a mí de niño, porque yo nací en su época salvaje, eran artistas pero salvajes. Entonces yo salí de la adolescencia neurótico y decidí aplicar la psicomagia a mi mismo. Se creó pero había que ver si funcionaba porque era algo totalmente nuevo. Y les dije que la aplicáramos en familia. Llegué a la casa y comencé a hacer actos y actos y actos, a llorar, a vivir cada trauma, a recrearlo teatralmente y me fui liberando de muchos traumas de la infancia, de los fundamentales", la ha aplicado durante 30 años y ahora comparte esos actos poéticos con aquellos a quienes lee el tarot. Los interesados pueden acudir los miércoles por la tarde al Cafe Beganic (Álvaro Obregón 153, colonia Roma).

"Yo la he aplicado, luego lo apliqué a mis hijos, se convirtió en mi forma de pensar, es como convertirse en un pianista, es un arte también porque parte de los sueños pero no es así como así proviene de la numerología, del tarot. Todo está estudiado, viene con la genealogía, con la psicología. Es psicomagia. Claro que sigo viajando por todo el mundo visitando chamanes.

Más piezas sueltas de esta entrevista

Cristóbal se encuentra en México realizando unos talleres y conferencias, cada miércoles lee el tarot gratis, está preparando una exposición de pintura que se montará a finales de noviembre, está preparando un largometraje que se filmará en México y editando un mediametraje que es la primera parte de una serie de películas sobre psicomagia, cine de conciencia, cine sanador.

"Todo lo que pueda para ayudar. Yo pienso que el ser humano tiene una conciencia muy reducida, él en tanto que conciencia no está suficientemente revelado, despierto. Nuestros cerebros están muy poco conectados y lo que yo intento hacer es que nos conectemos mejor. Estar en estado de conciencia es cuando tu cerebro está completamente conectado. Estamos muy desconectados. Para qué contarse cuentas. Estamos como primitivos, creemos que somos muy racionales pero somos realmente primitivos, con estructuras muy viejas. Yo ayudo a que esas estructuras poco a poco se vayan convirtiendo en abono y uno pueda vivir de forma más amplia. Hay gente que tiene buena intención, sí existe. Yo soy una segunda generación de esa clase de gente. Tengo mi neurosis como todo ser humano, existe, sin embargo hay algo en mi que es ese sentimiento de pertenecer a la raza humana, sentir que es mía, como cualquiera es mío, no considero a la gente como un extranjero, no en un sentido de posesión sino en un sentido amoroso. Si yo pudiera me haría cargo de ti de alguna manera. Me gustaría ayudarte para que vivas mejor. Es un sentimiento que aparece cuando uno descubre lo transpersonal, que sobre pasa su ego personal. Mientras uno se va transformando ayuda a transformar a los otros.

¿Es complicado no?

Es laborioso no complicado. Te pide trabajo. Te pide todo el día. Luego uno cae, se levanta, cae, se levanta y comienzas de nuevo. Yo pienso que para tocar ese punto hay que ser muy libre interiormente, tener el coraje de soltar los condicionamientos y verse desde otro lugar, que de ese punto de vista que está impuesto por la familia, la sociedad, la historia y la educación. Fuera de eso. Uno cree que tiene que ser para ser aceptado. Tiene que soltar y trabajar porque no solo son ideas sino son conexiones en tu cerebro y ahí están muy pegadas, como con cemento, entonces también hay que ir poco a poco y ahí es cuando aparece el trabajo de la psicomagia porque va directamente a eso. Nuestras conexiones no entienden el racional, no les importa que tú entiendas, ellas siguen ahí pegaditas, tienen un instinto de conservación muy fuerte, y nos impiden salir de nuestra prisión. Esas conexiones de alguna manera representan una bandera de clan, es como un dibujo en tu cerebro, es como si con esas conexiones mantuvieras vivo a tu clan y se va transmitiendo de padres a hijos. Entonces soltar esa bandera implica matar simbólicamente para tu mente a todo el pasado, te sientes culpable y por eso te cuesta trabajo y luego sientes que si desaparece te encuentras solo y si te encuentras solo te pueden matar los otros clanes. Es una mente muy primitiva.

Nosotros tenemos varias miradas. En este momento tenemos cuatro conversaciones, una física, una emocional, una más intelectual y otra completamente instintiva, más una completamente espiritual que ya no es una conversación sino una unión.

El Mandala es una especie de espejo que le muestra a tu cerebro cómo conectarse. Tenemos neuronas espejo copian el mandala en la mente y le dan una estructura para que durante un momento se conecte de otra manera. Te muestra otro estado de conciencia. El alma es perfecta. Lo que hay que reconstituir es el psiquismo.

Hay que tener una visión clara, quien no la tiene no puede avanzar. Nosotros somos creadores de realidad, esa es tu verdad y luego todo responde a eso. Si cambias tu visión el mundo se abre. Entonces tienes qué elegir, con qué te metes. Tu creas la realidad que más te convenga.

Mis pinturas son una mezcla de emociones, intento de unir culturas porque hay cultura japonesa, mexicana, francesa, hindú, alquímica. Mi pintura proviene de mi inconsciente, para mí el cerebro es como un mercado de Sonora, está lleno de símbolos, están todas las culturas dentro. No somos de ninguna cultura, somos de todas. Se inspira de esa condición unificada del ser. A veces hago collages y uso comics pornográficos que compro en Garibaldi y pongo imágenes de la Virgen o policías, voy a la identificación alegre de todo.

El collar del tigre es un koan zen

Cuando la muerte se aproxima, Arnoldo Kraus

2011-11-02T11:22:00.000-07:00

"Si contagiamos la ética podremos sanar a México": Arnoldo Kraus

Charla sobre el libro Cuando la muerte se aproxima

En 2009, la Secretaría de Educación Pública sacó del plan de estudios de primaria y secundaria los estudios de ética, filosofía y civismo. Ese mismo año, en México cundiría el pánico de una pandemia de influenza. Un par de años después, el Doctor Arnoldo Kraus, tomando el pulso a un país enfermo como el nuestro, propone el contagio de la ética como una posible solución a nuestros males, idea que desarrolla en el libro Cuando la muerte se aproxima (Almadía, 2011), compuesto por breves ensayos que discurren al respecto de las formas en las cuales la medicina contemporánea afecta nuestra relación con la vida y la muerte.

"Lo que hago con este libro es una invitación a pensar la ética como una opción, quizá la última, para tratar de sanar un poco a la condición humana y a nuestro país. En México, han fracasado todos los modelos que nos han impuesto, los modelos económicos, los modelos políticos, los modelos religiosos. México está en quiebra y pienso que si contagiamos un poco de la ética, entendida como dos cosas: la política del mal menor y el tratar de ver al otro como un yo mismo. Si logramos contagiar un poco de la ética quizá logremos subsanar un poco tantas carencias que tenemos en el país.

"Desgraciadamente en 2009, la Secretaría de Educación no sé en qué trasnochada decidieron quitar de primaria y secundaria las materias vinculadas con la ética y la filosofía, posteriormente dijeron que las volverían a introducir pero no lo han hecho. Hay que construir una ética laica, no religiosa, en la que se piense que el de enfrente es muy similar a uno mismo y tal vez así logremos salir del inmenso bache en que estamos", opina el médico mexicano.

"Vindico la clínica: el espacio de conversación con el paciente"

"Yo soy médico y he escuchado a la gente. He tenido interés en ocuparme un poco del tema y encontrar cuáles serían las vías idóneas para acompañar a los enfermos en fase terminal. La inquietud, que luego se convirtió en necesidad, es el hecho de que buena parte de los enfermos terminales son pacientes a los cuales no se les dedican espacios grandes ni se ocupa mayormente de ellos la ciencia médica, de ahí nació este libro", comenta el articulista, quien lleva años escribiendo sobre temas relacionados con la muerte digna, la eutanasia, y problemas vinculados con la ética, aspecto que sobre el cual discurre el escritor mexicano Guillermo Fadanelli en el prólogo del libro.

"La ética médica y la bioética es una disciplina un tanto marginada, poco fomentada en las universidades y poco cultivada por los médicos, pero debería ser una de las disciplinas fundamentales en qué ocuparnos para así brindar un servicio completo a los enfermos", comenta Kraus.

En el libro revisa varios asuntos ligados con la muerte asistida, el problema del suicidio introducido como central desde hace 100 años por el filósofo francés Albert Camus, entre otros. No intenta moralizar ni dar fórmulas sino particularizar problemas tan complejos como la eutanasia y abrir una discusión pendiente en nuestro país que pasa por la moral: el interés o desinterés con respecto a temas de alcance social.

"En mis clases, trato siempre de vindicar mucho, darle un gran lugar a la relación entre médico y paciente. Se trata de escuchar al paciente. Permitirle que decida junto con el médico lo que más le conviene y que no sea el médico quien decide. Luego, darle instrumentos a los enfermos para que ellos vean por dónde seguir. Esto no aplica solo a los pacientes terminales", dice Arnoldo Kraus.

"La salud es un derecho humano", afirma en entrevista el médico. Pero en su revisión, crítica y propuesta no pierde de vista la complejidad de la relación civilidad-salud: "En México una de cada dos personas viven en la pobreza o en la miseria. Si no se tiene acceso a la salud muchas cuestiones que uno quisiera ver desde la ética se vuelven insignificantes. La pobreza y la salud no se llevan bien. Cómo hablar de ética cuando la supervivencia es el tema central. Hay mucho qué hacer", concluye el médico.

Clausura de Telecápita : Sergio González Rodríguez

2011-10-30T09:33:00.000-07:00

"Nuestra narrativa es muy convencional"

Clausura con conferencia el Encuentro Telecápita

"No hemos reflexionado seriamente sobre el tipo de escritura que realizamos"

¿Cuáles son los límites de la escritura? ¿Cómo es posible identificar lo literario dentro del amplio espectro de posibilidades editoriales que se ofrecen en los estantes de novedades? ¿Es acaso necesaria una ética escritural creativa que conteste a los grandes imperativos comerciales que figuran escritores mediáticos pero muy pocos productos literarios verdaderamente vitales? Ante estas y otras preguntas, el escritor y periodista mexicano Sergio González Rodríguez, propuso en la Clausura del Encuentro Telecápita, la teoría del oneirograma, un método de trans-escritura que se coloca fuera de lo convencional.

"Es un modo de romper con los elementos tradicionales de la narrativa que suelen obstruir mucho la creatividad, la causalidad, la explicación, la coherencia del relato convencional, la unidad tiempo y espacio. Creo que las narrativas contemporáneas de muchas partes del mundo, sobre todo por la influencia del cine, están rompiendo todo esto, ya desde hace muchas décadas, pero en la tradición literaria mexicana es algo que aún no se ha hecho: seguimos teniendo una narrativa muy convencional", comenta el escritor.

"Tenemos unas tradiciones muy formadas en la preponderancia de cierto canon que triunfó y esto ha impedido que prosperen otras formas. Somos una sociedad muy sólidamente fundada en cuanto a sus principios culturales. Esto viene del nacionalismo posrevolucionario, y no se ha establecido una crítica a fondo de todas estas influencias que siguen siendo muy importantes", y que, a juicio de Sergio, coartan la libertad y el genio.

González Rodríguez comenta que por tal motivo le parece increíble que un libro como Batallas en el desierto, de José Emilio Pacheco siga siendo un libro de lectura obligada en las escuelas, cuando ya pasaron 25 años de que se escribió, y ha transitado ya una generación que podría estar siendo borrada.

"Es preciso empezar ya a buscar los nuevos productos, la nueva generación literaria tiene que estar siendo leída de otro modo por los pedagogos, por los profesores, por la Academia", añade Sergio.

Trans-escritura: de vuelta a la oralidad

"Tengo la impresión de que no hemos reflexionado suficiente sobre el tipo de escritura que realizamos. Durante el transcurso del tiempo la escritura giró en torno del respaldo o soporte analógico (papel, pluma tinta, papiro, pergamino, etc) hacia cumplir un ciclo que culminó con la escritura dactilográfica, en máquina de escribir, todavía escritura analógica. Justamente, a partir de la revolución tecnológica de los últimos años, la escritura se ha configurado como una post-escritura porque ya el soporte no es analógico sino digital y esto cambia completamente el concepto de escritura.

"Generalmente ocurre mediada por un teclado en esta primera fase que nos tocó vivir y posteriormente se incorporarán nuevas técnicas como la oralidad para escribir y ya se dejará poco a poco atrás el teclado en sí como lo hemos usado. De allí que mi primer punto es reflexionar sobre este cambio que implica no solo un cambio instrumental sino que ahora la propia instrumentalidad trastorna todo el proceso de pensamiento y lenguaje para llegar a una escritura, de modo que hoy vivimos una etapa de postescritura.

"Aplicado ya estrictamente este proceso de postescritura a una teoría que trata de explicar el sueño y la grafía del sueño, que es lo que me propongo, tenemos que entrar en otra consideración sobre la cual también ha habido otro cambio: Tradicionalmente la literatura ha tenido una participación muy directa con los sueños. Como sabemos, el origen de los mitos, de los relatos históricos, se originan en estricta relación de los hombres con los dioses a través del sueño, a través de la videncia, a través de la narcosis cuando se ingieren sustancias enervantes para tener visiones, pero con el tiempo esto ha derivado hacia una situación más compleja. El factor mimético que ha permitido el desarrollo de la propia literatura ha cambiado radicalmente porque ahora ya no es la realidad la que nos inspira, tampoco los sueños, sino el conjunto de ficciones que se interconectan entre sí mediante justamente la posibilidad cultural que se da en los tiempos ultracontemporáneos".

Esto que parece muy complicado, Sergio González lo explica de la siguiente manera: "es fácil si prestamos atención a las aplicaciones recientes del cine relacionadas con los sueños. Tenemos muchas películas que durante los últimos años han reflexionado sobre el fenómeno de los sueños (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, El origen, por mencionar algunas). A mí me interesa cómo se ha desplazado el eje mismo de la relación del hombre con los sueños, la mimesis se hace compleja y esto hace que los relatos también", dice el escritor.

Teoría del oneirograma: una intervención de los sueños

"Mi propuesta en la teoría del oneirograma es tratar de comprender cómo se dan estos fenómenos donde uno lo que guarda después de un sueño es la memoria del sueño. Muchos escritores han transcrito estos sueños como relato casi al pie de la letra, es el caso de George Perc, Walter Benjamin, y desde luego muchos otros. La modernidad tiene una gran historia sobre, ya no la interpretación de los sueños que es una teoría psicológica, sino sobre la narrativa de los sueños. En mi caso, lo que trato de proponer es que esa narrativa no es una representación literal o tal como quedó en la memoria al despertar, sino que uno interviene los sueños, así como hay intervención artística o estética en un edificio o una arquitectura, tal como se propone una arquitectura interior o elaborar un nuevo producto a partir de algo ya existente. Yo lo que propongo es que los sueños personales deben ser sujetos en una intervención artística-estética a una re elaboración narrativa.

"El sueño sigue teniendo esa configuración donde se explica la realidad a través del relato mismo, también se elaboran prospecciones hacia el futuro o se llega a conclusiones muy interesantes de un deber ser de la realidad a partir del sueño, ese factor seguirá vigente. Lo que ahora queda mucho más claro es la premeditación de intervenir un sueño como una forma de darles un tratamiento adicional al que habían tenido tradicionalmente, uno se configura como un interventor de sueños, en esta medida estamos transformando la relación que había anteriormente, en la que el escritor se enfrenta al sueño y el sueño es la materia que va a dominar su escritura, en este caso el énfasis recae en la intervención. Ya no es el sueño lo que pesa sino la responsabilidad que yo tengo frente al sueño para transformarlo en algo nuevo, desde luego puede tener un principio utópico, un principio de planeación de cosas distintas frente a la realidad. Pero lo más interesante es que ya no hay una sumisión frente al propio sueño, lo podemos ver como una elaboración estética sumamente más compleja de lo que antes teníamos.

"Por otro lado cuando surgen expresiones alrededor de la imagen como la fotografía, el cine, el video contemporáneo, nosotros tenemos respaldo sobre fantasías oníricas que son proyectadas a la narrativa fílmica. Esto nos va dando una interrelación muy puntual con nuestra trabajo con la escritura, recordemos la noción aquella del cine como la fábrica de los sueños. Actualmente estaríamos frente a algo semejante pero ya nuestro papel es configurar todos estos elementos complejos en una narrativa que nos incluya a nosotros mismos como personas y también a nuestro mundo. Por ejemplo, no podemos pensar en una dualidad con la idea del futuro sin remitirnos a películas como Blade Runner, por dar un ejemplo canónico. Digamos que la idea de futuro proyectada en esa fantasía fílmica nos está transformando nuestra propia realidad, de ahí que el trabajo de intervención con los sueños es sumamente múltiple, interdisciplinario, complejo, ubica diversos niveles de conocimiento y literario también.

"De este modo, a manera de conclusión, la trans-escritura serían los tipos de escritura que están más allá de lo moderno y lo posmoderno. Es una situación donde uno ya considera con cierto conocimiento del pasado histórico, del presente, esas posiciones hacia una situación que es más prospectiva, no se si exactamente futurística porque el futuro siempre guarda una relación con la realidad. Más bien es una escritura de tipo prospectivo, conjetural, con ciertas tendencias aproximativas, nada es definitivo, todo es elusivo, todo es conectable. Yo creo que estamos ante posibilidades de trans-escritura muy tangibles. Los sueños te dan muchas cuestiones que no te da de ninguna manera la realidad. Y esas dudas que hay en el sueño, esos quiebres, esos puntos de fractura, esos sinsentidos son justamente una propuesta literaria que hay que reivindicar manejándola conscientemente", apunta el escritor.

"La influencia onírica es un pretexto para elaborar una narrativa. No hay otra consideración. De modo que no pensemos que cuando sueñe uno algo, por la simple traslación de lo que sueña al papel ya es un producto literario en sí, sino al contrario, esa es la materia prima para elaborar una novela, por ejemplo. Los sueños te dan muchas cuestiones que no te da de ninguna manera la realidad. Y esas dudas que hay en el sueño, esos quiebres, esos puntos de fractura, esos sinsentidos son justamente una propuesta literaria que hay que reivindicar manejándola conscientemente. La narrativa de los sueños es muy prospectiva, no es muy literal, no es una representación realista. Es una reelaboración narrativa bastante más compleja porque cuando tú sueñas sueñas algo pero cuando lo reelaboras con una intención de desarrollarlo como materia literaria es un relato bastante interesante porque rompe las coordenadas convencionales de la escritura, y esto es lo que yo quiero estimular en los lectores, cómo los sueños pueden derivar a una escritura de sí mismos que no tienen nada que ver con los formatos convencionales de la escritura y de la narrativa literal", añade.

Entrevista a Guillermo Fadanelli, sobre Telecápita 2011

2011-10-25T12:04:00.000-07:00

Sin intermediaciones. Tal como lo dijo Fadanelli

La conversación, estar alerta y el buen oído son buenos medios para establecer reflexión y conocimientos. Parto de la literatura porque soy escritor y lector, en lo personal prefiero leer. Luego la ética, la relación de la literatura con la idea del bien y del mal y si es posible que las novelas son vehículos de conocimiento moral, si es posible que las novelas de Kafka, Dostoievski o Phillip Roth nos digan algo desde el lenguaje al respecto de la vida, del sufrimiento, de la muerte, etc. Además pienso que no hay literatura sin moral, la literatura no es un oficio que se domine a partir de la práctica sino también vía el sufrimiento, el conocimiento, el acercamiento, la pregunta, la confusión. Toda buena literatura es la apuesta de un espíritu, el darse desde el ser humano, desde la vitalidad y la experiencia personal.

Yo a todos los escritores cuando los leo les pido gracia y misterio, que no sea nada más la consecuencia de una práctica, porque ahora hay muchos escritores focas que nos muestran sus habilidades y gracias aprendidas pero creo que el buen escritor, por lo menos el que a mi me interesa, es aquel que no domina su oficio, que siempre está descubriéndose y en una guerra perpetua con el lenguaje. Y la otra es lodo, que de todos los relatos que he tenido la desvergüenza de publicar, que no de escribir, es la novela más leída y comentada. Lodo el título se lo debo porque una vez que estábamos jugando dominó con Daniel Sada, en el Covadonga, cuando todavía no era un centro de reunión comunal o el zoológico de moda, me preguntó que cuál era el título de mi nueva novela le dije: "¡Cerda, jamás vas a salir del lodo!" que Benito Torrentera, personaje principal y profesor de filosofía, le decía al oído a las prostitutas con las que se acostaba, me imagino que para excitarse o como manifiesto ético o filosófico, y Daniel me dijo que ese título era casi una historia y que a él le parecía que Lodo era el bueno. Y la idea de que el filósofo se tiene que ensuciar un poco las manos para no vivir solamente en el mundo de las ideas, tiene que forzar sus experiencias y obtener conocimientos del lodo y también del lado ideal.

Como escritor trato de ser honrado. Como no concibo la novela como un silogismo ni como una estrategia que tiene que ser cumplida, ni como un un proceso que tiene principio y fin, sino como un pasillo obscuro plagado de retruécanos con salidas inesperadas, como concibo a la novela así, d de esa manera escribo y trabajo, tengo nociones al respecto, tengo un bosquejo nunca un gran argumento, voy un tanto a ciegas, construyendo mientras avanza la escritura y nunca sé cómo va a terminar la escritura, siempre termino sorprendiéndome. Siempre es interesante para la novela encontrar quien la complete y la enriquezca. La novela va en busca de lectores cómplices. Por supuesto que si fuera exigente jamás hubiera escrito una novela. Decía Alfonso Reyes que uno publica para no seguir corrigiendo borradores, el exceso de edición o de cuidado puede llevarte a una profunda impostura porque te asumes como un dios que sabe exactamente cuál es el peso de los elementos químicos, cuál es la fórmula para impresionar a los lectores y esa es la mecánica de los best sellers y de los que yo considero un escritor secundario, ese que sabe exactamente quienes son sus lectores y que les ofrece un entretenimiento esperado, una masturbación literaria continua.

Como en México las instituciones de educación básica están tan deterioradas en realidad los buenos lectores no comienzan a hacerse desde niños y ni siquiera en la universidad sino ya mayores. Decía Herman Broch que una novela que no te revela espacios o atmósferas antes ocultas en tu vida no es una buena novela, entonces podemos decir que una novela te abre puertas claro, respecto a tu sensibilidad y a tu gusto, dotarte de un sentido de reflexión, no nada más entretenerte, y sobre todo que la novela misma no es un objeto acabado, esa es la buena literatura, nunca una novela es una entidad terminada o construida de principio a fin a partir de una mecánica terminada porque así se asemejaría a un objeto técnico, a una máquina, a una turbina. La literatura es abierta, sinuosa, de caminos empedrados, difíciles, a veces estimulantes. La capacidad de obra abierta es una de las virtudes de la buena literatura. Yo comencé leyendo mucha basura, incluso después escribí literatura basura, pero solo leyendo se puede llegar a escribir decentemente y un escritor te lleva a otro escritor y quizá no tengas los profesores adecuados o tal vez en tu casa no haya libros pero un libro te lleva a otro libro y así te puede ayudar a trazar tu camino. Digamos que no doy consejos para que no me den consejos a mí. Yo nunca podría escribir ebrio.

2011-10-24T10:44:00.000-07:00

América Latina, y las cultutas ibéricas hoy han dejado pasar la oportunidad dee, 2011, de la conmeoracion de la independencia y revolucion y no reflexionaron sobre algo muy elemental: no hubo revolución española y no hubo tampoco independiencia en hispanoamérica, en dos sentidos, ni como reforma intelectual, de la inteligencia, el pensamiento secular, científico, liberal, el concepto de la democracia, y tampoco en el sentido de configurar una realidad nacional soberana de los países latinoamericanos, las cartas de Bolívar lo comprueban al hablar de que se necesitaba la ayuda de los ingleses.

Esod dos momentos señalan dos límites de la llamada modernidad hispánica: jamás hubo una reforma filosófica en el sentido en que la entendió Hume, la encicloedia, Kant o Bacon, no ha existido en la filosofía española ni latinoamérica. Los testimonios intelectuales más radicales y más olvidados de este momento Simón Rodríghue y José María Blanco Waite, en España, son testimonios que claramente formularon el fracaso de la revolución española, el fracaso de la independiecia, y la incapacidad intelectual de asumir la reforma radical en el sentido en que la asumieron francia, inglaterra alemania y los estados unidos

Hablar de modernidad latinoamericana es una imbecilidad, hablar de una modernidades es una estrategia barroca de ocultamiento, de lo que se trata de hablar es de que no existen los fundamentos epistemológicos, ni éticos, ni políticos ni sociales de una sociedad verdaderamnete moderna, hay una mezcla, un hibridismo, una mezcla de barroco neocolonial, de teología medieval, mesianismo patético lascasiano mezclado con marxismo de gente intelectualmente irresponsable y un menjurgue de posmodernismo de algunos otros.

Si no se formula o se plantea una radical reforma del pensamiento, eso significa que la educacióny y las instituciones superiores de la educación y de la orientación a la filosofía, no se puede hacer nada. No se puede decir en rigor quién soy yo. Los países latinoamericanos están en esta difícil encrucijada y los intelectuales de esta área no dicen ni pío. Un mutismo absoluto.

Lo que la academia corporativa a predicado a través de sus misioneros como posmodernidad es una regresión, una neutralización de lo que constituye el espíritu crítico del esclarecimiento y el movimiento enciclopedista del siglo XVIII. En nombre de una crítica de los límites históricos de este esclarecimiento, cuya máxima concreción fue la Independencia de Norteamérica y la Delcaración de los Derechos Humanos, se ha criticado el proyecto mismo de emancipación, secularización, de una ciencia relfexica y de un proyecto social democrático en el mundo contemporáneo, hoy asistimos a esa debacle que el posmodernismo norteamericano anunció hace algunas décadas como la gran panacea, a su profunda verdad: la sociedad descompuesta, millones de pobres en todo el mundo, una crisis económica generada por la grandes corporaciones, un espacio militar sin fronteras y una perspectiva ecológica que pone claramente de manifiesto la amenaza capital de la humanidad. Frente a esta situación lo que necesitamos no son slogans sino una reformulación de la reflexión, en las humanidades, en las ciencias, en las técnicas y en la política.

La inteligencia latinoamericana critica al norte pero no formula donde está, qué es lo que quiere, de dónde viene y a dponde va, y en ese sentido puede vender cascabeles, posmodernismo, fast-foods y cualquier otra porquería. Vienen aquí los misiones y dicen ah, la nueva ola es la transsubjetividad, o los estudios culturales. Estamos en una situación no solo de vacío político sino también un vacío intelectual. que tiene que ser superado y solo lo será a través de una labor de esclarecimiento, de reflexión, de análisis para formular propuestas de futuro.

Los únicos seres que son capaces de pensar son las personas, los individuos. Es un problema de los cerebros. Las máquinas puede apoyar o impedir que se piense. Pero el problema es generar lenguajes, categorías, ideas, horizontes... pensar, pensar, pensar.

Cuando Prometeo robó el fuego a la corporación de los dioses del Olimpo lo hizo para emancipar al humano, es decir, para que pudiera concinar y desarrollar a partir del fuego, en el doble sentido de luz y de energía, pudiera desarrollar las tecnologías necesarias para aliviar su confrontación la naturaleza.

Prometeo que es el símbolo por antinomasia del esclarecimiento es también el símbolo por antonomasia de la emancipación humano, las condiciones de mejoramiento de las condiciones de desarrolo de la vida humana. Es el único de los dioses que defienden la causa de la tierra, que es su madre, y de sus hermanos, que son los humanos.

Es como robarle las fuentes de energía a los dioses de las corporaciones que mandan hoy en día.

Todos los saberes son ante todo saberes humanos, lo que existe es una apropiación corporativa, una privatización de los mismos para usarlos en objetivos genocidas o de enriquecimiento de una minoría social, y su ultima legitima función es la emancipación humana. La bomba atómica no es una tecnología prometeica, es una perversión.

Estamos en el laberinto y claro es peligroso porque podemos caer en las garras del minotuaro, hay que ir con cuidado pero hay caminos, y los que están diciendo que no hay caminos, son las corporaciones, que los únicos caminos son: la guerra, aumentar los presupuestos para los proyectos militares, y para los bancos. Quién está desde hace mucho tiempo diciendo que la historia ha acabado y que estamos en la era de los post son precisamente las corporaciones quienes constantemen afirman la necesidad del apocalipsis y la santa madre Iglesia. Existen en realidad todos los caminos. Debemos volver a reenergizar la confianza en la creatividad humana.

Lady Gaga en los Premios MTV 2011

2011-09-11T18:08:00.000-07:00

Bueno, esta presentación fue grandiosa

Yoü and I (Live)

www.mtvla.com

Embeberte de Lady Gaga

Entrevista a Damián Tabarovsky

2011-09-07T10:15:00.000-07:00

La contundencia de los medios nos exigen repensar la literatura

Damián Tabarovsky presenta en México La literatura de izquierda

Es un lugar común, apuntalado por la edición en español de la revista Granta que publicó una selección arbitraria con los 32 mejores escritores de habla hispana menores de 35 años, que Argentina, a parte de ser un polo geográfico en el mundo de habla hispana, es también un polo nodal en cuanto a la creación literaria de la actualidad. Lugar común que el escritor argentino Damián Tabarovsky viene a dilapidar de palmo palmo con la publicación en México de su libro Literatura de izquierda (Tumbona) publicado originalmente en el 2004 pero que no ha perdido un gramo de actualidad ni nada de su filo.

Cuando su autor habla de literatura de izquierda no se refiere a las convicciones políticas o partidistas de los diferentes escritores, sino a un tipo de literatura que se sale de lo normal, de los cánones y que estable una "suspensión de la creencia", y apunta hacia la ruptura de lo verosímil, en un momento en que la novela detenta el gran poder en cuanto a los géneros y mantiene un estilo convencional y reaccionario.

"Hoy en día, la literatura compite contra estos otros grandes relatos, en los cuales se incluye el mediático. La última vez que vine a México, el J. J. le pegó un balazo a Cabañas y eso es tan fuerte y tan directo que ningún discurso va a ser tan potente como lo que vi esos días en la televisión. Esto pasa igual en Argentina y en el mundo entero. Pero es un signo que obliga a la literatura a repensarse. Yo, por ejemplo, abomino de esas novelas realistas ramplonas y me parece más interesante la metáfora del arte abstracto porque rompe con lo verosímil y con la narración", opina Tabarovsky.

Contra el canon

Sea cual sea el estado actual de la literatura argentina, esta sin duda ha dado grandes escritores, novelistas imprescindibles. La tradición de la cual abreva Damián no son los canónicos o mainstream (Cortázar, Piglia, Fresán, por mencionar en una pasada varias generaciones) sino la que se compone por autores como Fogwill, Libertella, Aira, Lamborghini, Néstor Sánchez, Puig, Copi, Zelarayán o Pizarnik.

En la cartografía literaria de Tabarovsky hay poca consideración para los más mediáticos: Veamos algunos ejemplos:

¿Julio Cortázar?

"Significa un momento particular, el ascenso de las clases medias, y la idea generalizada de que después de leerlo se es más culto. Su obra literaria no me parece particularmente interesante."

¿Rodrigo Fresán?

"Uno de los jóvenes mediáticos de los 90, que me interesó con el paso del tiempo porque reifica una locura llevada al extremo: ser alguien que vive pensando y dialogando con el mundo norteamericano contemporáneo pero no escribe en inglés y vive en una especie de no lugar, Barcelona. Esa excentricidad lo hace interesante para mí. Sus novelas no."

¿Ricardo Piglia?

"No es sencillo contestarlo en pocas palabras pero Piglia generó buena parte de esta vanguardia académica que yo discuto en el libro."

La literatura latinoamericana en 100 metros

Cuando Damián Tabarovsky comenzó la redacción de este libro, Fogwill y Héctor Libertella vivían a 100 metros de su casa. Luego el pensó el libro como una intervención crítica que no llegará más allá de esos 100 metros. Como pensaba que al ser una intervención muy acotada no tendría demasiada repercusión buscó colocarlo en la editorial más pequeña de la zona, la editorial Beatriz Viterbo, en la colección El escribiente, en la que se publica uno o dos ensayos por año de crítica literaria hecha por escritores. El libro se publicó en 2004 y ese mismo año el diario Mercurio de Chile lo seleccionó como el mejor libro del año. Así que sin proponérselo el libro tuvo mayor repercusión de la que su autor buscaba.

"Las problemáticas literarias de esos 100 metros resultaron ser muy representativos para la literatura latinoamericana: las relaciones entre literatura y mercado, cómo pensar la literatura después de las vanguardias, los procesos de concentración editorial inmensos, la relación con los premios, los nuevos escritores que en los 90 aparecieron bajo la influencia del rock y del pop gringo. Todo esto se replicaba en Brasil, México y España, había correspondencias, solo cambiaban los nombres", comenta el escritor.

"En Argentina causó este libro mucha polémica. Pero en los últimos años han pasado varias cosas. Un cambio muy importante es la consolidación en toda América Latina de una nueva camada de editores independientes, entre las cuales se encuentra Tumbona y Sexto Piso o Almadía, por el lado de México. En cuanto a la escritura es aún prematuro. Sí hay una nueva camada de escritores que desconfían de los circuitos de reconocimiento mainstream como los premios, la aparición en los periódicos, y prueban nuevas formas como el blog u optar por un acercamiento de la ficción al hapenning o a las puestas de escena que ya había usado la poesía.

"Modos que han sido novedosos. Pero en muchos casos hay perdida de cierta densidad intelectual. Todo esto no debería redundar en que el escritor sea menos intelectual. Hay como una idea de correr detrás de la época y de confundir conocimiento con información. Hay una tendencia al pop un tanto sencillo olvidando el carácter corrosivo del pop, el pop no es tan sencillo como parece.

"Buena parte de los escritores que son políticamente de izquierda, en el caso de Argentina, que han militado, que apoyaron a las madres de Plaza de Mayo, tienen una escritura conservadora y no se cuestionan la praxis misma de la literatura: las novelas tienen que atrapar al lector, tiene que tener introducción, desarrollo y conclusión. El corazón de la literatura no es el contenido ni la historia que se cuenta sino el lenguaje, el lenguaje es al mismo tiempo el amo, por lo tanto está la lucha de clases, lo cual significa crear un lenguaje que intente perforarlo o por lo menos llevarlo al extremo.

"Y que además se pongan en discusión con los discursos y lenguajes hegemónicos: el lenguaje de los medios de comunicación, el lenguaje de los deportes: winner-looser, el discurso de la salud: sano-enfermo. Lo que exijo para la literatura es que se pregunte si tiene algo que decir, que sospeche de si misma. Mínimo de los 60 para acá, hay tres o cuatro grandes escritores por generación que han buscado una literatura excéntrica, subversiva, marginal, profundamente erudita. Pero, a su vez, hay otra línea totalmente reaccionaria y conservadora", comenta Tabarovsky.

El libro se presentará el día de mañana jueves a las 19:30 hrs en Casa Refugio Citlaltépetl, con los comentarios de Antonio Ortuño, Nicolás Cabral y el autor. El tiraje es de 1,000 ejemplares que ya circulan en las librerías del país.

Lo interesante es que algunos escritores hemos comenzado a ser publicados en España, que se ha vuelto a erigir como la metrópoli de legitimidad. Somos 10 o 12 escritores argentinos que publicamos ahí y lo curioso es que esta línea tan fragmentada y frágil sin embargo alcanzó a instalarse en la metrópoli pero no hay que olvidar que somos un grupo de escritores solos o frágiles que el día de mañana podremos dejar de publicar y no va a pasar nada y sin embargo la línea central de la literatura argentina seguirá siendo conservadora.

2011-09-06T00:59:00.000-07:00

Teatro prehispánico en el Festival Mundial de Shakespeare

Un soldado en cada hijo, única obra mexicana que se programa en el marco de la Olimpiada Cultural Londres 2012

La madre de Itzcóatl atiende un puesto de tamales en el mercado de Tacuba. El príncipe Ixtlixóchitl se va de farra con unos primos y amigos, ligan a una muchacha y se acuestan con ella pero resulta que es hija del señor de Tlalpan, quien indignado pero no tonto exige que la conviertan en una de las concubinas de Texcoco, el reino hegemónico. Tlalpan, Mixcoac, Azcapotzalco son reinos que se la pasan peleando unos con otros y lo hacen en el idioma de Shakespeare, el inglés.

Estas serán algunas imágenes que presentará la única obra de teatro mexicana que se formará parte del Festival Mundial de Shakespeare, enmarcado en la celebración denominada Olimpiada Cultural dentro de los Juegos Olímpicos del 2012, festival que fue anunciado el día martes en el Museo Británico de Londres.

La obra aludida lleva por nombre Un soldado en cada hijo - Una trilogía azteca (A Soldier in Eevery Son - An Aztec Trilogy) y fue escrita por el dramaturgo mexicano Luis Mario Moncada, quien nos comenta en entrevista:

"La gran herencia de Shakespeare es la noción de personaje, la noción de que el personaje es quien construye la historia y no el que está atrapado en ella. También consiste esta herencia en transitar de lo cotidiano, vulgar y prosaico a lo poético filosófico en una sola obra, yendo de un extremo a otro, por eso sus obras son tan populares y al mismo tiempo tienen varias capas de lectura", dice Luis Mario Moncada, quien trabajo 10 años en este proyecto y lo que comenzó como la revisión de un pasado nunca se imaginó que finalmente se convertiría en una obra de resonacia internacional, una historia prehispánica en Inglaterra, que es colocada dentro de la programación de un Festival que es ambicioso a más no poder y que casi a un año de que se realice ha anunciado la totalidad de su programación.

Como si esto fuera poco la obra se presentará en el emblemático Teatro Swan, en Stratford, localidad que es la cuna de Shakespeare y que se ubica a una hora de la capital inglesa. El Festival lo organiza la Royal Shakespeare Company (RSC) y es un proyecto que se ha preparado desde hace dos años que busca conocer la resonancia que este autor tiene en el mundo.

De México a Londres y de ahí al Cervantino

La directora asociada Roxana Silbert fue encomendada por la RSC para rastrear por Latinoamérica autores o proyectos que pudieran formar parte de este Festival. Ella, quien ya conocía a Moncada, lo contactó y así fue como surgió este vínculo. En enero, una comisión de la RSC vino a México para definir detalles con el dramaturgo y también se dieron el tiempo para establecer un vínculo son la Compañía Nacional de Teatro, lo cual facilitará que la obra se monte también en México, en el marco perfecto: como parte de la LX edición del Festival Cervantino en el 2012, con el mismo montaje y en la lengua del clásico.

En términos técnicos, la dirección de la obra correrá a cargo de Roxana Silbert y la escenografía a cargo de Jorge Ballina, quien tiene un gran reto porque el Teatro Swan tiene características isabelinas y por lo tanto no está facultado para el uso de maquinaria. Sobre la estética, Luis Mario nos cuenta que aún no han decidido lo que van a hacer porque por un lado sería raro ver a ingleses vestidos con taparrabos peor, por otro, si no se introduce aluna referencia estética evidente que remita a otra época los ingleses sentirán que ven una obra contemporánea de Shakespeare con nombres raros.

En apariencia el Festival Mundial de Shakespeare le vino a Moncada como anillo al dedo, ni mandado a hacer lograría tal puntualidad. Pero este proyecto originalmente surgió por un encargo no concretado, el cual consistía en adaptar La vida y muerte del rey Juan, de William Shakespeare en un contexto prehispánico. El encargo llevo a Luis Mario a las bibliotecas, donde encontró lo que el considera "todo un mundo maravilloso y desconocido".

En varios documentos históricos encontró un episodio que le pareció calzaba perfecto con la obra de Shakespeare: la usurpación del reino de Texcoco por parte de Tezozomoc, rey de Azcapotzalco, antes de la conformación de la Triple Alianza. Suceso que, en palabras de Moncada, es fundamental en la historia, pues a partir de esa Alianza se constituiría la primera idea de "nación" (aunque el término no aplique con la época) que se gestó en los pueblos originarios de México.

El mundo nuevo que descubrió Moncada daba para más, así que no conforme con una sola obra se planteó la realización de una trilogía, la cual escribió durante los últimos tres años. Son tres obras, cada una de ellas se centra en un personaje en específico: Ixtlixóchitl, Tezozomoc e Itzcóatl. Para el montaje del Festival de Shakespare se prepara una versión más corta que unifica las tres en una sola.

En la primera obra tomó como base El rey Juan, texto respetada escena por escena aunque cuenta otra historia, la de Tezozomoc. Para Ixtlixóchitl toma como modelo Enrique IV, no tanto la obra sino uno de los personajes: el príncipe Harry, quien se convertirá en Enrique V. "Shakespeare cuenta que, en su juventud, Harry era un príncipe muy dado a la bohemia y que producía muchas dudas, finalmente sería uno de los reyes más queridos y admirados. Esa es la parte que tomo para hablar de Ixtlixóchitl como un príncipe que de alguna manera es causante de la guerra por su indisciplina y falta de visión política. Para la última obra, con la que seguramente tendré algunas controversias históricas, toma como modelo a Ricardo III, símbolo de la ambición política a raja tabla, para contar la historia de Itzcóatl", dice Luis Mario.

En el centro lo humano, no la Historia

Así como lo entendió Shakespeare, también lo entendió Moncada: "en estas historias políticas siempre hay un gesto humano que desencadena todo", dice el mexicano. Helena fue en Troya. Tecpaxóchitl lo fue para el enfrentamiento que daría lugar a la Triple Alianza.

Los mexicas, explica Moncada, eran un pueblo mercenario de guerreros que se alquilaba para hacer guerra, pueblo vilipendiado y considerado como sumamente violento, que no tenía ninguna probabilidad aparente de prosperar en la zona. Por su parte Azcapotzalco era el reino más importante. Y Texcoco era el pueblo del linaje, los primeros que llegaron y quienes repartieron los territorios. Fueron ellos quienes le asignaron el suyo a Azcapotzalco.

"Este tema desataría una guerra futura, pues unos y otros se enfrascarían en una controversia sobre quién debería reinar en el territorio de Texcoco. La solución fue dirimirlo con una boda: casar al joven príncipe Ixtlixóchitl con la hija del rey Tezozomoc. En este punto es donde empieza el drama porque siempre en estas historias políticas hay un gesto humano que desencadena todo, y en este caso es el del príncipe Ixtlixóchitl que decide rechazar a la esposa.

"Eso es un misterio porque en ninguna crónica se explica la razón, lo único que se sabe es que esta misma princesa Tecpaxóchitl había sido anteriormente rechazada por otro señorío, quién sabe si era muy fea o qué. Pero ese rechazo genera tal encono en los tepanecas de Azcapotzalco que se desata la guerra. Tratando de mover sus piezas, Ixtlixóchitl se alía con los mexicas y se casa con la hija de Huitzilíhiutl, de cuyo enlace es fruto Nezahualcóyotl. De esa manera Texcoco tendría un vínculo directo con los mexicas.

"Durante estos 30 años, las alianzas se van moviendo: los aztecas de pronto están con los de Azcapotzalco, luego con los de Texcoco. Como el rey de los mexicas era nieto de Azcapotzalco estaba como entre dos aguas. Finalmente, Itzcóatl, siendo jefe militar de los aztecas sabiendo que Chimalpopoca, nieto de Tezozomoc, nunca se le va a enfrentar, decide hacer un golpe de estado, cosa que las crónicas oficiales no registran, solo estudios más recientes son los que dicen que el imperio azteca surgió de este golpe de estado y lo que proponen estas nuevas teorías es que Itzcóatl mata a Chimalpopoca para provocar el levantamiento contra Azcapotzalco. Esa es la historia que marca la tercera parte de la trilogía, hasta que se constituye la Triple Alianza", platica Moncada.

Poniendo la mirada en el presente, Luis Mario lee: "aquel mundo explicaría algunos aspectos de nuestras personalidad actual, de nuestra idiosincracia. Por ejemplo, si nos enfocamos al pasado de los aztecas como un pueblo sumamente violento y mercenario las resonancias con la actualidad son evidentes o, por otro lado, el verticalismo, la cultura del tlatoani, el mecanismo movible de los pactos, el silencio y la sumisión que tenemos frente al poder: cuando se rompe el pacto es dificilísimo reconstruirlo. Por eso los mexicanos aguantamos tanto tiempo realidades insoportables", opina el dramaturgo mexicano.

Más Moncada:

La misión ha sido traer a la actualidad una historia del pasado y que ésta nos sea cercana. Lo he intentado a través del diálogo, de derribar esas nociones del personaje de una sola pieza. Nezcahualcóyotl, por ejemplo, que lo conocemos como el rey poeta tenía un harem y una obsesión muy dura con las mujeres. De hecho estoy pensando si agrandar a una tetralogía para hablar sobre las mujeres de Nezahualcóyotl. Esas zonas las hemos tenido vedadas. Hay una sociedad oculta que se está moviendo ahí de la cual no conocemos nada. Me gustaría transmitir esa posibilidad de descubrir un nuevo mundo.

El fenómeno del Bicentenario fue toda una prueba de fuego que desgraciadamente no se pasó, salvo contadas excepciones, fue la primera gran celebración sin el peso del partido único.

A mí me parece que una de las claves las da Shakespeare, como lo refiere Harold Bloom en torno de la aportación del dramaturgo a la literatura: descubrir la dimensión de lo humano, crear el personaje contemporáneo.

Tomó una saga de 30 años. Las tres obras tiene en conjunto el título Un soldado en cada hijo - Una trilogía azteca. A Luis Mario no le gusta mucho ese subtítulo pero fue más bien una exigencia de los organizadores porque decían que sin ese nombre no se entendería. Se trata de tres obras, que por separado tratan tres figuras centrales del mundo prehispánico: Ixtlixóchitl, Tezozomoc e Itzcóatl.

Ixtlixóchitl fue emperador de Texcoco, padre de Nezahualcóyotl, quien fue asesinado en una emboscada planeada por Tezozomoc, rey de Azcapotzalco que era considerado un tirano según varias versiones mexicas. Itzcóatl sería quien se levantaría finalmente contra Azcapotzalco y al derrotarlos se formaría la Triple Alianza, que va a mantener su hegemonía durante todo un siglo, hasta la llegada de los españoles.

En México hay varias pistas de cómo entrarle a la historia. La primera la da Rodolfo Usigli, sus obras antihistóricas y sus comedias sin política, que toman a los personajes de la historia y tratan de articular la trama a partir de su dimensión más que del hecho histórico. Después de eso, el discípulo de Usigli que toma la estafeta con más claridad es Ibargüengoitia y cuya manera de acercarse a la historia es muy inteligente, trata de rehuir a los personajes principales y toma a personajes secundarios o ficticios dentro de un contexto histórico para abordar la historia con mayor libertad y sin el compromiso de tocar la historia oficial. A partir de ahí algunos autores contemporáneos que son referencia importante. Juan Tovar, Luis Enrique Ortiz. Para mi el primer reto o problema es hacer conocida una historia que es absolutamente desconocida, salvo especialistas. En un segundo plano ha sido romper este distanciamiento histórico respecto del mundo prehispánico.

Los paralelismos no son exactos, son bases que permiten muchas licencias para la creación de algo nuevo. Todas están pensadas de forma autónoma pero por cuestiones prácticas se unificaron en una sola versión. Todo queda en familia

>Los mexicas tenían un acuerdo porque Huitzilíhuitl se casó con la hija de Tezozomoc unos años antes y por eso tenía ciertas prebendas por parte de Azcapotzalco, con quien se asociaba en términos militares. De esa unión nace Acamapichtli, tercer tlatoani azteca.

la directora es Roxana Silvert, el escenógrafo va a ser Jorga Ballina, que tiene un reto muy interesante y complicado porque se enfrentará al reto de trabajar en un teatro con características isabelinas, una de ellas es que no tiene, tiene tres frentes y como el público está en diferentes ángulos no puedes hacer una escenografía que sirva para todos, básicamente tendrá que trabajar sobre el piso y sobre condiciones mínimas. La obra se va a montar en el teatro Swan, el teatro principal de Strafford, pueblo natal de Shakespeare, a una hora de Londres. Una obra que se hablará totalmente en inglés, con 15 actores ingleses y seis mexicanos. El vestuario es de Eloise Cassan.

El asunto de la estética es todo un dilema porque los creativos mexicanos han tenido un rechazo inicial hacia el taparrabo porque ver a unos ingleses así vestdos se van a ver ridículos pero los ingleses no quieren que sea algo más contemporáneo porque les va a parecen un Shakespeare contemporáneo con nombres extraños. Es un debate interesante porque Luis Mario Moncada la penso para ser vista por mexicanos.

A Soldier in Every Son- An Aztec TrilogyEl 5 de julio es el estreno oficial y presentará alrededor de 25 funciones, justo en el marco de la inauguración de las Olimpiadas de Londres.

obras de distintos países. El Festival tendrá una duración de tres meses.

Thousands of artists from around the world will take part in almost 70 productions, plus supporting events and exhibitions, right across the UK, including London, Stratford-upon-Avon, Newcastle/Gateshead, Birmingham, Wales and Scotland and online.

The World Shakespeare Festival is supported by the National Lottery through the Olympic Lottery Distributor, by Arts Council England and by BP, as Founding Presenting Partner.

The festival forms part of London 2012 Festival, which is the culmination of the Cultural Olympiad, bringing leading artists from all over the world together in a UK-wide festival in the summer of 2012.

Katy Perry, en el Palacio de los Deportes

2011-09-04T09:37:00.000-07:00

Katy Perry, la fantasía perfecta

El espectáculo en vivo de la cantante estadounidense Katy Perry representa la fantasía perfecta: el mundo de golosinas con resbaladillas de arcoiris, la compañía de un bello animalito la gatita Kitty; al final del camino un príncipe azul siempre dispuesto: un marco perfecto para una mujercita perfecta: linda, bien portada, de nobles sentimientos. Un muñecón.

La cantante estadounidense en su concierto en México

El escenario: helados, caramelos y pastelitos gigantes. Dulce por todas partes. La gran mayoría del público congregado en el Palacio de los Deportes se emocionó al ver en las cinco pantallas colocadas a lo ancho del escenario el rostro de Perry, minutos antes de que la presentación en México de su show California Dreams Tour diera inicio.

La oscuridad reina en el recinto. Miles de moñitos de colores pastel, que tilitan sobre las cabezas de niñas, adolescentes y chicas de distintas edades, iluminan el foro. Hace apenas unos minutos las personas que ahora se levantan de sus asientos impacientes por recibir a la cantante hacían la tradicional "Ola" como en los buenos tiempos de los estadios de futbol, cuando la experiencia era familiar.

Ahora, estamos en un concierto familiar: hay señores, amas de casa, niñas pequeñitas, adolescentes, hombres mayores que vienen solos y que al finalizar el concierto se compraran todo tipo de afiches de la chica de ojos grandes, jóvenes parejas que vienen más por iniciativa de la chica, aunque también está el caso de jóvenes parejas de otro tipo. Parece que aquí todo mundo cabe. Y la fantasía se expande a pesar de que es solo una la propuesta por los iconos del escenario.

Perry es la fantasía glotona de un mundo de cerezas; es también la fantasía coqueta de la perfección infantil, la zona idílica; la fantasía del escape (no en vano en el fondo de este espectáculo se presenta un cortometraje en el que continuamente vemos a una inocente Katy esclava de un malvado carnicero. Luego de probar un cupcake mágico ella es transportada a un lugar llamado "Dulcilandia" y así da inicio el concierto); es también la fantasía de la compañera perfecta (no es exactamente una fantasía sexual pero se ubica en la zona del erotismo, del juego): la que es modosa pero que es un enigma y en ello entraña su sensualidad, en ese engaño, en ese velo que hay que destapar.

"Teenage Dream" fue la canción con la cual la cantante apareció en el escenario levantando en su brazo derecho erguido una banderita de México, país sobre el cual dijo estar muy contenta de visitar en fechas cercanas a la conmemoración de su independecia. Por eso aprovechó la ocasión para gritar "¡Viva México!" a la mitad del concierto. Cayendo en clichés alabó la cocina mexicana, y si se la veía un poco panzoncita es porque, confesó, traía ocho tacos en el estómago y unos cuantos tamales. Como ayer domingo era su día de descanso prometió que lo iba a aprovechar para tomar mucho tequila. Es como una niñota pero quería un novio mexicano porque se encontraba "caliente". Severas disonancias. Un escenario repleto de dulces y ella quejándose de que al buscar un novio solo ve alrededor hombres muy jovencitos.

De la inocencia al juego. La propuesta del concierto da muchos saltos que así como el espectador puede sentirse en un espectáculo versión Región 1 de Tatiana (el dulce empalaga durante los primeros cuarenta minutos del concierto), luego, de pronto, transita hacia un expectáculo multimodal y fuerte casi como de negros rapeando (lado b del escenario, oscuro y consistente por una serie de lasers que se expanden a lo largo y ancho del foro y quizá la canción más fuerte de Katy, "Supernatural"), para luego convertirse o aterrizar en un concierto de pop con su canción más importante "Firework". El momento climático, en cuanto a su conexión con el espectador, que debería ser la canción con la cual terminara el concierto.

Katy Perry es una muy buena cantante, no desafina pese a lo alto de sus notas, y no se sale del guión. Improvisa muy poco. Por eso de repente el merengue parece de cartón como en aquella "épica" presentación en los Premios MTV LA que se realizaron en México hace un par de años, cuando al final dio un brinco a un pastel de merengue rosa que parecía tan duro como una piedra y que más de un espectador ha de haber gritado "auch!" cuando Katy cayó encima. No bastando con eso, luego ella intentó levantarse, una, dos y tres veces, incluso su guitarrista vestido de charrito le quiso ayudar muerto de risa pero no podía porque el merengue la hacía resbalar cada vez que lo intentaba.

Ahora Katy no metió la pata. Cumplió e hizo felices a sus fans en México. Pero salta una duda dado que en el mapa del pop ella es quizá la competidora más fuerte de la reina Lady Gaga: seguirá dependiendo esa imagen infantil que la hace llenar estadios con niños y adolescentes o se rasgará más ese atuendo de gatita que le sienta tan bien. Hasta la banda birtánica de rock Blur, liderada por Damond Albarn (Gorillaz) tuvo que crear un "género" como el britpop para tener seguidores aunque eso significara ver en sus conciertos cientos de niños de secundaria. ¿Katy estará a la altura para dar un giro interesante? Por ahora es un bombonzote.

Desierto bajo escenografía lunar, en El Milagro

2011-09-01T06:02:00.000-07:00

Nostalgia por la luna y olvido del ser

De entrada, una cursilería: las cosas que se hacen con pasión son las mejores. La generación 2006-2010 del Centro Universitario teatral (CUT) es muestra de ello al poner todo el sentimiento, el compromiso y la entrega de la que son capaces en la obra Desierto bajo escenografía lunar, del joven y consistente dramaturgo, Alberto Villarreal, que para este reseñista ha sido toda una revelación.

Esta obra, que se presentó originalmente en CU y que ha tenido representaciones en otras ciudades, la dominan en plenitud los jóvenes actores Esmirna Barrios, Raúl Briones Carmona, Sabina Cobos, Ana María Aparicio, Miguel Pérez Enciso, Abril Pinedo, Mariano Ruíz, Carla Soto y Yiosahandi Vega.

Ellos logran una contundente presentación que se refuerza por la precisión rítmica, la libertad como juego, y la sencillez como postura. Esmirna Barrios, Miguel Pérez Enciso y Sabina Cobos se destacan como actores a los que habrá que seguir de cerca. Sin duda alguna, los actores han comprendido en su profundidad un texto que es duro, como suelen ser las obras de Villarreal, y que pone en duda los estatutos artísticos y de socialización modernos: el arte con propósito, la narrativa lógica, la valorización exacerbada del "artista" o de la "estrella", engaños que rozan la banalidad; del buen decir y el buen hacer, y de la normalidad.

Todo comienza en un salón de baile, que no es cualquier salón de baile pues aquí hay puros perdedores, que lo son más por deseo que por destino, pues acostumbrarse a ganar es peligroso. Es mejor ser un perdedor porque uno deja de estar obligado a cumplir con determinadas expectativas. Luego, reluce la crítica y la burla hacia las estrellas opacas parecidas a las luciérnagas porque son estrellas secundonas, y el caso de una actriz que gesticula de formas imposibles e insoportables. Al final una coreografía que parece infinita.

Coreografías afiladas que producen musicalidad desde la nada (los actores deslizando los pies sobre el piso o dando pasos muy puntuales que tamborilean); dislocaciones temporales, espaciales y de personalidades (de repente estamos en una sala de baile, luego un personaje es una actriz o una perdedora, luego estamos en la Luna y alguien comete un crimen, el crimen de la inspiración); proposiciones verbales entre el proverbio y el aforismo; un tono lúcido y envolvente (equidistante entre la lentitud y el vértigo) que convierte a esta obra en una pieza muy entretenida.

Si bien la apuesta estética de Villarreal es compleja, él es práctico, crea un espectáculo en movimiento, además de todo, muy divertido, mismo que no podría entenderse sin la colaboración de Amalia Olvera, la asesoría vocal de Tania González Jordán; la asesoría corporal de Lorena Glinz; la asesoría para bailes de salón y coreografías de Irma Montero, y la asesoría monociclo de Raúl Kaluriz.

Al explorar lo lejano olvidamos lo íntimo

En el fondo, no hay una premisa fundamental ni una lógica cerrada. Existe la proposición de repensar el ser desde la posibilidad de explorarnos como entes lejanos. Telefísica aplicada. Antes existía la metafísica y el peso del individuo se sustentaba en conocerse a si mismo. Hoy en día, el hombre ha abandonado su órbita personal y ha creído conquistar todos sus sueños, la naturaleza y su propio cuerpo. La telefísica significa un engaño: el de nosotros mismos pensando que somos capaces de conquistar galaxias, de llegar tan lejos como nos lo propongamos, hemos perdido de vista nuestra propia esfera íntima y privada, nos desconocemos aunque creemos saber quienes somos y hasta a veces estamos seguros de ello.

La propuesta poética no podía ser más bella y más atroz: si la inspiración se ha acabado en la tierra eso supone que debemos invadir otros planetas para encontrarla. Para terminar del mismo modo. En un engaño, en un salvaje y voraz juego de seducciones y trampas, eso es la civilización, el mundo de las apariencias en donde jugamos a ser alguien, jugamos a conquistar una identidad y luego conquistar personas para convertirlas en zombies ignorando que nosotros ya lo éramos.

El teatro que propone Villarreal parte de la honestidad sin mediaciones y sin objetivos, ya luego surgen sobre el papel las situaciones extremas o ridículas, las frases crudas, cínicas y punzantes, o los problemas e ideas vitales, que después caen sobre los actores quienes a su vez las expanden y a continuación las inyectan como dispositivo de dudas e incredulidades en la mente del espectador.

Más allá, los aplausos. Pero permanece la nostalgia. Una nostalgia que obedece quién sabe a qué pero que nos recuerda que siempre nos falta algo y que siempre hemos perdido algo. La duda y la pregunta se proyectan como resoluciones concretas de los propósitos de este autor, pues si bien Villarreal nos ha comentado que estos son inexistentes, finalmente sus ideas, sus situaciones, su uso del espacio se filtra en el público como un arrebato sutil, tal vez invisible pero innegable. Un teatro que sacude e interfiere. Un teatro que es arte y espectáculo. Un teatro que no hay que perderse.

Fotos: José Jorge Carreón

Entrevista Kyzza Terrazas

2011-08-31T16:30:00.000-07:00

De la Filosofía al Festival de Venecia

El cineasta mexicano Kyzza Terrazas presentará El lenguaje de los machetes

La interdiscplinariedad o la transdisciplinariedad son un aspecto básico para los creadores y los profesionistas hoy en día. "Para mí es imprescindible, no sabría cómo operar de otra manera, y creo que es algo hasta necesario hoy en día porque la sectarización, la especialización, es algo que resulta más estéril y poco interesante en nuestros días", afirma uno de los cineastas jóvenes más peculiares de la actualidad, Kyzza Terrazas, quien la próxima semana parte a Venecia para participar en el Festival de Cine de la ciudad italiana con su película El lenguaje de los machetes.

El joven cineasta mexicano en entrevista. Foto: Mario Hernández

Filósofo de formación temprana, escritor de vocación natural, y cineasta por convicción vital, Kyzza Terrazas ha publicado libros y también escribe y dirige películas pero se siente cada vez menos filósofo. Sin embargo, rasca en su pasado y nos platica:

"Yo creo que una de las razones por las que estudié filosofía fue que esta me permitió encontrar herramientas de reflexión más agudas y profundas y eso después me permitiría echarme un clavado ya sea en literatura o en cine y desarrollar ahí cuestiones que me interesan. Creo que si me hubiera metido a estudiar cine a los 18 años probablemente no hubiera tenido nada que decir, o tal vez muy poco", comenta el cineasta mexicano.

Ahora presenta El lenguaje de los machetes, una cinta con la que, asegura, "lo único a lo que aspiro es que no deje indiferente a la gente. No hay como medias tintas en esta película, no es sutil, sino bastante gritona".

Por otro lado, Kyzza confiesa: "Tengo muchas ganas, y va a ser muy difícil, de hacer una película con una presencia de argumentos filosóficos importantes y obvia. Será difícil que encuentre su público pero sí que me gustaría hacerla en unos años".

Testigo de un colapso

El 9 de septiembre de 2001 el mundo cambió, o más bien, un mundo se vino abajo junto con las Torres gemelas de Nueva York. Kyzza llevaba dos semanas radicando en la Gran Manzana cuando ese evento ocurrió. Se había mudado para estudiar cine, tenía alrededor de 23 años, y cargado de ilusiones fue testigo de un hecho que cambiaría no solo la historia de la humanidad sino su historia personal. Es a partir de este punto, desde el cual Terrazas ha decidio explorar una pregunta: ¿qué lleva a un individuo a cometer un acto criminal de esa índole, que sea tan contundente, planificado y letal para conducir a la muerte a miles de personas, incluido el mismo?
Cuenta Kyzza que la pregunta que se hizo a partir de la tragedia es el fondo de la historia que desarrolla en El lenguaje de los machetes, su opera prima.

El lenguaje de los machetes narra la historia de Ray y Ramona, una pareja joven que odia la injusticia del contexto social del que son parte. Cada uno desde su nicho: ella, desde la música (la actriz es la cantante de rock Jessy Bulbo) y él, desde el activismo, luchan por un mundo más justo. Entregado al autosabotaje, Ray fracasa en su rebeldía y arrastra a Ramona en una espiral descendente que culmina con un acto poético-terrorista.

Sobre el título, Kyzza explica que esa frase, "el lenguaje de los machetes" la acuñó Diego Fernández de Cevallos, cuando era Senador de la República, en el 2005, refiriéndose al movimiento de Pueblos Unidos en Defensa de la Tierra (los ejidatarios de Atenco que protestaron con machetes durante varias ocaisones para detener la construcciòn de un nuevo Aeropuerto en Texcoco), cuando los denostó diciendo que ellos solo hablaban el lenguaje de los machetes. Para la película, el cineasta recupera esa idea y la desplaza a una relaciòn de pareja en descomposición: "es el tipo de lenguaje y diálogo que se da en este tipo de parejas, un lenguaje hiriente, sangrante, en el que cada paso lo que se busca es destruir al otro", opina Kyzza.

"El título me permitía hacer referencia a estos distintos ámbitos personales, y también puede aplicarse a como pueden entenderse los movimientos sociales frontales, radicales, con un lenguaje que es violento".

"Muchos de los sentimientos que expreso en esta película tratan con la realidad que vivimos, con una injusticia que se vive en este país pero de manera general en todo el mundo, los abismos entre la gente que tiene dinero y la que no. Ahora, sobre la violencia, yo no creo que el problema sean las bandas de criminales malos, evidentemente existen en una primera lectura, pero está clarísimo que es un problema social que tiene raíces históricas muy profundas que son las mismas que generan otro tipo de problemas sociales que padece el país", apunta.

El lenguaje de los machetes formó parte el año pasado de una selección de proyectos no terminados en el Festival de San Sebastián. Luego se establecieron vínculos y negociaciones para que finalmente se colocara en el próximo Festival de Venecia. Que se presente en un ámbito como el de la Semana Internacional de la Crítica en Venecia, siendo éste un espacio para operas primas, "es un lugar natural para que se muestre por primera vez al público. Después se presentará en México en el Festival de Cine de Morelia y ya veremos cómo nos va", dice el cineasta mexicano.

La clase muerta, de Mario Bellatin

2011-08-29T13:02:00.000-07:00

En busca de lo humano
El más reciente libro de Mario Bellatin ubica en la decapitación un símbolo de nuestros tiempos

Mario Bellatin es uno de los escritores más innovadores y necesarios que existen en nuestra lengua. Posee un talento inigualable, que con una prosa sencilla y movediza da rienda suelta a una imaginación que se sale de toda norma. Su literatura es una transfusión delirante de sentidos que se dislocan y se confunden, de historias que ocurren en diversos planos de realidad y que distienden todo aquello que alguna vez pudo considerarse humano.

Portada del libro editado por Alfaguara, 2011.

Todo lo anterior hace sentido una vez que leemos el último libro del escritor mexicano editado por Alfaguara y que lleva por título La clase muerta. El libro se compone de dos relatos que siguen una pauta parecida a la que el autor ha aventurado en sus últimos textos pero principalmente en el libro también de relatos editado por Sexto Piso, de nombre Disecado.

En La clase muerta, Bellatin se anda por las ramas como todo un buen artista que es capaz de fundir su estado vital natural con los ecos que provienen de sus lecturas, de sus deseos, de sus miedos, de sus sueños y sus pesadillas. En tiempos en los cuales reina la novela en cuanto a formato y reina el realismo en cuanto a estilo Bellatin es un rebelde que preconiza el siguiente paso que la literatura debe dar sobre todo cuando la realidad se nos presenta cada vez más moldeable, menos sólida, más oblicua.

Los relatos de este libro, Biografía ilustrada de Mishima y Los fantasmas del masajista orientan a Bellatin en una cartografía de lo inminente, un discurso sin orden en el cual se escalonan identidades desdobladas, mentes que transitan por diferentes bardos hacia otros niveles de conciencia, conversaciones con entidades divinas, universos paralelos que dialogan por medio de fabulosas interferencias, y en todas esas posibilidades los vestigios, los ecos y las posibilidades de seres humanos cuya consistencia gravita entre la sequedad de una piel desangrada y la humedad de un cuerpo decapitado. Si el mundo ha perdido la cabeza no menos se puede decir de los individuos que andamos sobre este territorio.

La clase muerta obedece al epígrafe del libro, una frase de Tadeusz Kantor que a la letra dice: “cualquier intento de representar una forma imposible, es de por sí una clase muerta”. ¿Qué otra cosa si no esa es la literatura? La representación de una forma imposible. ¿Qué otra cosa si no esa es la identidad humana? La vida misma es una forma imposible.

Desde la amputación traumática

En el primero de los relatos, Biografía ilustrada de Mishima, no importa tanto el argumento como las metáforas, las descargas de ideas y las existencias que se sugieren: Mishima vivo después de la muerte busca una cabeza adecuada porque es insoportable cargar con esa oquedad, ese vacío que, al final de cuentas, se dice en el libro, es lo único que existe: un hueco.

Bellatin juega e ironiza pero también guiña. Juega del modo más serio como aconsejaba Cortázar, como lo hacen los niños. Por eso, el relato se divide en dos partes: el texto y una serie de imágenes que parecen sacadas del álbum personal de Bellatin pero a las cuales el autor otorga puntillozos pies de foto que resultan humorísiticos, sarcásticos y hasta paródicos.

En el segundo texto del libro, Los fantasmas del masajista, el relato habla de Joao, el masajista, que trabaja en un sanatorio que se especializa en dar alivio a las personas que han perdido algún miembro del cuerpo: un brazo, una mano, una pierna, una oreja, un dedo. La amputación es una metáfora de la propia vida de Joao porque cuando su madre muere le queda un vacío difícil de llenar. Por una extraña razón cree que su madre ha reencarnado en un loro.

En ambos textos, las obsesiones y las pasiones de Bellatin se desbordan a cada frase. Por el lado de las obsesiones: el cuerpo despedazado, la persecución del vacío y la proximidad de lo escatológico. Por el lado de las pasiones: el mundo de los animales, la reelaboración narratológica de sus propios textos, la vida como un continuum insondable.

No es novedad decir que Mario Bellatin cuenta con una voz poderosa y neutral en las letras hispanas. Pero sí es necesario repetirlo. Acercarse a sus textos es una sorpresa constante pues la incomprensión y la descalificación son fantasmas que sin duda perseguirán sus experimentos. Y eso son sus obras, resultados de laboratorios, a veces inacabados, porque en realidad de eso se trata, de renunciar al sentido lógico y no hacerlo por moda.

Bellatin utiliza la palabra como un conducto y no como un fin en su escritura, un ducto por el cual la imaginación se destila en oraciones que se construyen con base en una técnica sublime y espontánea, una técnica más bien orgánica porque respira, palpita, siente y también refleja las motivaciones y los desvaríos de una mente atormentada y honesta, una mente que es capaz de formular sus sueños y sus ocurrencias con tal de indetificar lo humano, lo que aún puede llamarse así.

Si nos dejan, de José Manuel López Velarde

2011-08-25T11:02:00.000-07:00

"El Cine de Oro es un invento y por eso es bello"
José Manuel López Velarde presenta el musical Si nos dejan

"El imaginario del Cine de Oro Mexicano no existió en la vida real pero en nuestra imaginación sí. Si nos dejan es como un chile en nogada, un platillo mestizo, y por eso va a ser controversial: habrá gente a la que le guste y otra a la que no. Pero mi propuesta fue sorprender al espectador", comenta el director José Manuel López Velarde, director de un musical que se perfila para ser uno de los espectáculos del género más arriesgados e interesantes.

Después de montar La línea del coro y antes de echar la casa por ventana, como lo ha prometido su productor Morris Gilbert, con el montaje el próximo año de un clásico de Disney, Mary Poppins, la División Ocesa Teatro presenta su musical número 21, Si nos dejan, el cual es un paseo audiovisual por las grandes canciones mexicanas, se detiene en los 40, en la época del Cine de Oro Mexicano, y desde ahí le da voz a personajes que emergen desde aquellas canciones que nos acompañan en los exilios y en las borracheras: Paloma, José Alfredo, El Rey, Doña Lola, Eufemia, La llorona, por nombrar algunos.

En la obra se integran 50 canciones, 200 videos y muchos cambios de vestuario, por eso el director y autor de esta puesta menciona que se trata de una obra barroca.

"Pero sobre todo es una obra de las del tipo que a mí me gusta hacer: un teatro en el que la gente tiene que imaginar, pues aquí damos espacio para que la gente le dé significado y complete lo que está viendo ahí enfrente. Si la obra incluye lo cinematográfico lo hace de una forma creativa y teatral. El público tiene que poner de su parte, no va a ser alguien que se sienta y recibe así sin más", opina el director mexicano, quien también es creador de uno de los musicales más exitosos de esta compañía productora, el musical con música de los 80, Mentiras.

Un acto de esperanza enorme para salir de la oscuridad

El domingo pasado el elenco de Si nos dejan tuvo su primera prueba y la pasaron con buenas calificaciones, luego de ofrecer una función a la que se invitó exclusivamente a amigos y familiares. Al finalizar dicha función, el productor Morris Gilbert, mencionó que en el contexto que mancha de sangre a nuestro país el teatro es una alternativa necesaria. Y dijo: "para aquellos que crean que México son balas y sangre, nosotros les decimos que México es sus canciones y su gente".

López Velarde comenta que aquel fue el momento más emotivo de la noche. "Sí y sobre todo porque hay un dolor por México por la situación en la que estamos que cada vez se está poniendo más difícil. Y en ese sentido hacer teatro es un acto de esperanza enorme", comentó.

A juicio de su creador, Si nos dejan es una obra que te sorprende a cada minuto, una obra en la que lloras, te ríes y recuerdas, una obra en la que confluye un lenguaje clásico del cine de oro mexicano que al mismo tiempo es muy actual por su narrativa, su estética y por los recursos que utiliza. También es una obra artesanal porque los actores mueven todos los elementos de la escenografía. Y es también una obra en donde los protagonistas, Leticia López y Mariano Palacios, garantiza López Velarde, sorprenderán al espectador.

"Es una obra totalmente innovadora en cuanto a lo que se ha hecho en teatro musical en nuestro país, también es algo necesario en este momento en el que todo se ve tan oscuro sobre lo mexicano, de tal forma que hoy México funciona como sinónimo de muchas cosas negativas. En ese sentido esta obra es una buena manera de voltear a mirar otro México que también existe: el México que habla del amor, la música. A lo mejor sun México que solo existe en nuestra imaginación pero nuestra imaginación es muy poderosa y tal vez podría hacer que revirtiéramos lo oscuro que se está volviendo este país", dice el autor.

Al servicio del amor

Si bien mucho se ha puesto la atención en los rasgos identitarios de lo mexicano que puedan extraerse de esta obra, el director menciona que el foco es la historia de amor que surge de las canciones, "una historia de amor de dos personas a quienes no los dejan estar juntos, ya sea el entorno, la corrupción, el interés, esas son las cosas que no los dejan: todas estas cosas terribles de nuestra cultura que se encarnan en el personaje de El Rey", comenta López Velarde.

"Yo me puse al servicio de esas canciones, fui como un medio en el que confluyeron estas canciones y tuve que ser muy repestuoso con lo que ellas me contaban para no imponer una historia sino extraer las historias que ellas mismas me dieron. Yo simplemente las fui acomodando", dice el autor de la obra.

"Después, el reto fue no hacer lo típico que se hace cuando la cosa trata de canciones rancheras: hacer uso de los clichés del caballo y el maguey. A mi juicio se trata de una forma muy innovadora de contar una historia que nos habla de méxico a partir de sus canciones", del méxico con minúscula, el que no es el país sino su gente.

López Velarde ya tiene la mira en otros proyectos. Este fin de semana, otra obra que dirigió Casi, un pueblo finaliza su exitosa temporada. El autor comenta que después del estreno de Si nos dejan solo quiere descansar.

SI NOS DEJAN se presenta en el Teatro 2, del Centro Cultural Telmex, los jueves a las 20:15 horas, viernes y sábados a las 17:45 y 21:15, y domingos a las 13:30 y 18:15 horas.

Civilización, de LEGOM

2011-08-24T10:34:00.000-07:00

La cultura bajo radiografía

Segunda llamada. Las personas que acuden al teatro se apresuran para ocupar una butaca. Estamos en el interior del Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural Universitario (Ciudad Universitaria), y, en el suelo reposa un hombre de rasgos indios con el torso desnudo, al lado de la escultura de un monolito prehispánico de utilería, sobre una alfombra verde, color que nos remite al pasado, cuando no existía la cultura.
La gente acude al estreno del primer montaje realizado en la ciudad de México, del texto dramático Civilización, que hiciera a Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio (LEGOM) acreedor del Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera Castañeda, de Querétaro, en 2006, texto que puede interpretarse como una reelaboración tardía (porque se ubica en nuestros tiempos tardíos y en nuestras regiones retardadas de la historia) de las preocupaciones sociales en torno del poder y la creciente burguesía nacional de los 40, que el insigne y hoy marchito Carlos Fuentes, espresó en su novela La región más transparente hace más de 50 años, una de las narrativas más importantes que elaboró una interpretación de la presunta modernidad mexicana en los años del Milagro.

La gente espera. Algunos curiosos, al entrar al foro, detienen su vista en el cuerpo y luego se ocupan de lo importante: ganar un lugar. Otros tantos, lo ignoran o no le dan tanta importancia, pues, "¿para qué?, se preguntan, si la ficción todavía no ha comenzado".

El problema es que sí, que ya comenzó la obra, que la ficción se rebobina desde el principio para incorporarnos en ella aunque nosotros ni cuenta nos demos de ello. La obra comenzó desde antes. Quienes han leído la dramaturgia de Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio (LEGOM) y los autores de su generación saben que sus pautas escénicas suelen ser una trampa por donde la tradicción parece que se conserva cuando en realidad es manoseada por debajo de la falda. De la misma manera como han sido manoseadaos esos volcanes que aparecen en el fondo de la escenografía, un mural en donde se presenta a esta región, otrora la más transparente del aire.

El mural al fondo de la escenografía ideada por Edyta Rzewuska no es una casualidad o un fácil recurso, de la misma manera que tampoco lo es la aparición del hombre del torso desnudo que antes de la segunda llamada reposaba en el suelo para acto seguido ponerse una ropas "civilizadas" y un delantal ante la mirada indolente del espectador.

Cuando se da la tercera llamada sabemos que el hombre del suelo es el indio, testigo del olvido sistémico de su raza, hijo de la violación y explotación centenaria a la que se le ha sometido, sobre todo en los tiempos de la "civilización", un concepto que este individuo no conoce y que como personaje es un gran acierto de Alberto Lomnitz, director del montaje.

Un edificio de ligero cristal y pesada cantera

La obra cuenta la historia de un empresario en el tramo final de su vida que quiere irse de este mundo con la tranquilidad de haber creado algo grande: un edificio. "Las cosas grandes no tienen una razón, simplemente se hacen porque sí, porque son grandes", dirá el personaje interpretado de forma magistral por un deslumbrante e hilarante Héctor Bonilla.

El problema es que para que valga la pena el numerito, le pide al alcalde, primo hermano suyo y aspirante a la gubernatura del estado, interpretado de forma muy convincente por un experimentado Jua Carlos Vives, que ejecute sus artimañanas para que el edificio pueda construirse en el centro de la ciudad, un trasunto colonial de nuestro país que ha sido declarado patrimonio de la humanidad por la Unesco.

El edificio será una torre de cristal con apariencia de cantera (para que no desentone con el paisaje colonial) de 20 pisos que se financiaría con dinero público. Como resistencia, surge un tercer protagonista, el cual es un ingeniero responsable de otorgar los permisos de construcción y que encarna el actor Mauricio Isaac, personaje que funcionará como un equilibrio emotivo y diferencial para sostener una crítica tridimensional en torno del poder: la seducción del dinero, la racionalidad engañosa de la política y la fragilidad del individuo.

Lo civilizado: el engaño

Con uno de los más finos sentidos de la ironía y el juego, la obra de LEGOM se construye como un edificio entre el peso y la levedad, (alude al hundimiento y a la inconsistencia e inmoralidad política y social), y registra con mucho tino y humor la estupidez sistémica de la oligarquía nacional.

Pero también representa ese escalonamiento posible que es más bien una institución fundamental de nuestra sociedad: la corrupción, el verdadero subterfugio de nuestro país simulado y constituido a base de cimientos movedizos y con planos y estrategias formulados desde la pura improvisación, en sentido lato y estricto.

A todo esto, ¿por qué Civilización?, nos preguntamos al ver esta obra en la que no paramos de reír cada vez que al "indio patarrajada", interpretado por un valiente y honesto Salvador Velázquez, tanto el empresario y el político se refieren a él como "Juan Diego", "Xóchitl", "Huanzontle", etc, etc, etc, pero nunca con un nombre en específico. Mínimo se nos ocurren dos sentidos: primero porque nos habla del difícil proceso de modernización que en países como el nuestro apenas alcanza el grado de caricatura y que se muestra en la disparidad insultante de la repartición de recursos y por la perpetuidad de un sistema de esclavismo, marginación y racismo que es consustancial a nuestra cultura. Segundo, porque la obra se detiene en distintos momentos de negociación, en donde el poder oscila entre una y otra mano, momentos en los cuales la seducción y el engaño muestran su desnuda contundencia, su centro de calculabilidad para destacar en el proceso de ciudadanización, anulando así la posibilidad de civilización.

El montaje de Lomnitz añade peso simbólico a un texto a todas luces impecable y añade también una pregunta: ¿Existe algo que podamos llamar civilización cuando a los sujetos no se les permite hablar, se les trata como esclavos o se les usa para conseguir cargos públicos y luego se les ignora? Este montaje refleja una verdad: México no es un país de ciudadanos, aquí no hay civilización. México es un país devastado por la mentira y el engaño.

Entrevista Enrique Singer

2011-08-18T15:23:00.000-07:00

"Al final de mi vida me imagino actuando": Singer

Prepara Teatro UNAM obras de LEGOM, Shakespeare y Schimmelpfenning

Su pelo ya refleja algunas canas. De hecho, para algunas de sus compañeras de generación (no decimos quienes para no ser indiscretos) la madurez le ha sentado bien al director y actor Enrique Singer, quien está al frente de la Dirección de Teatro UNAM, y que ahora presenta con mucho ahínco el estreno de tres montajes de teatro pesado y muy diferente: un clásico y dos obras contemporáneas.

Singer se siente bien en esta etapa de su vida. Platicando en su oficina en el Centro Cultural Universitario, entre serio y sonriente, siempre a la espectativa de los movimientos del interlocutor, siempre directo, Singer comenta:

"Hay un momento en la vida de cualquier artista en donde madura todo el esfuerzo que uno ha hecho durante muchos años. Siento que como director he dado un paso en esa escalera y se han juntado trabajos con repartos excelentes", platica Enrique Singer.

"Hay un goce en actuar casi infantil porque es un juego. Pero me gusta más dirigir, visualizo mejor las cosas dirigiendo. Y lo seguiré haciendo mientras el tiempo me lo conceda. Sin embargo, sí me imagino al final de mi vida actuando", comparte con nosotros el director que a pesar de la carga de trabajo que significa estar al frente de Teatro UNAM, ha seguido dirigiendo.

El año pasado estuvo al frente de varios de los montajes más importantes llevados a escena: Juegos siniestros, Oleana y Natán, el sabio. Recientemente dirigió Cocinando con Elisa y próximamente estrenará otras obras, una de ellas con el protagónico de la actriz Marina de Tavira.

En esta temporada, Teatro UNAM se alista para estrenar tres nuevos montajes que pretenden ser toda una provocación al espectador: Civilización, de Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio, El dragón dorado, de Roland Schmmelpfenning, y el clásico La tempestad, de William Shakespeare. En el centro la drmaturgia y luego viene el trabajo para el montaje. Los tres textos de los montajes son garantía, a decir del director:

"El primer colaborador es el dramaturgo, aunque esté muerto. Si hay comunicación entre los dos vamos por buen camino", añade Singer.

Tres estrenos que hablan del presente

El primer estreno de esta temporada será Civilización, de LEGOM, con la dirección de Alberto Lomnitz y la participación de los actores Héctor Bonilla, Juan Carlos Vives y Mauricio Isaac. La obra se montará en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural Universitario (CCU), y es un retrato ácido e ingenioso que aborda la corrupción del sistema político nacional.

El dragón dorado, de Roland Schimmelpfennig se presentará a partir del 28 de agosto en el Teatro Santa Catarina, y es una obra que relata la vida de diversos personajes que viven, trabajan y mueren en un restaurante de comida china. Este proyecto es una coproducción de Teatro UNAM y Por Piedad Teatro Producciones, A. C. La obra estará bajo la dirección de Daniel Giménez Cacho, y contará con las actuaciones de Arturo Ríos y Antonio Vega.

Por último, el estreno del clásico de William Shakespeare La tempestad iniciará su temporada el jueves 8 de septiembre en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón. Esta obra relata la historia del duque Próspero, quien tras años de exilio debe enfrentarse a la disyuntiva de vengarse o perdonar a quienes lo obligaron a partir de su patria, y es uno de los relatos clásicos de la modernidad occidental.

Esta obra fue traducida y adaptada por Alfredo Michel, bajo la dirección de Salvador Garcini, y contará con las actuaciones de Ignacio López Tarso, Luis Couturier, Rafael Inclán y Juan Ignacio Aranda, entre otros.

Cada año se levantan dos temporadas, primavera y verano, en las cuales se levantan como mínimo tres obras de teatro para los diferentes foros de la UNAM.

Thomas Heise, retrospectiva en la Cineteca

2011-08-18T10:12:00.000-07:00

Un cineasta de espírtiu romántico

Thomas Heise (Berlin del Este, 1955) es un cineasta de espíritu romántico, en el sentido alemán de la formación de la personalidad y en el sentido de la libertad creadora. También porque cuenta con una sensibilidad radical que usa para reconstruir el mundo con imágenes, en su caso con películas y obras de teatro.
"Uno de mis intereses primordiales es la gente", dice Heise una mañana de sol en la ciudad de México, donde se encuentra actualmente porque, en el marco de la 10ª Semana de Cine Alemán, organizada por la Cineteca Nacional en conjunto con el Goethe-Institut Mexiko, se presenta la Retrospectiva Thomas Heise, conformada por 14 largometrajes del realizador nacido en la ex Alemania Democrática, que se presentarán del viernes 19 al domingo 28 de agosto en la Sala 4, Arcady Boytler, de la Cineteca Nacional.

"Es decir -continúa el cineasta-, lo central en mis preocupaciones es pensar cómo podemos lograr relacionarnos con las demás personas de un modo en el cual no nos destruyamos unos a otros: eso es lo básico, lo decisivio. Podemos observar que la manera en cómo nuestra economía ha organizado el mundo tiene un desenlace evidente: nuestro tiempo como especie en este planeta es limitado y lo estamos cortando todavía más. Creo que tenemos que tenemos que hacernos responsables", opina el documentalista alemán.

Ruptura y continuidad

Thomas Heise, cronista de las rupturas y las continuidades que marcaron la Alemania dividida, y discípulo del destacado dramaturgo y poeta alemán Heiner Müller, pertenece a la generación que creció después del levantamiento de junio de 1953, generación que sobrevivió a los tanques soviéticos, a la construcción del Muro en 1961 y al paso de las tropas hacia Checoslovaquia para dar fin a la Primavera de Praga en 1968. En 1975 inició su carrera de asistente de director en la DEFA (Estudio Cinematográfico de Largometrajes de Potsdam Babelsberg), y de 1978 a 1983 estudió Cine y Televisión, habiendo realizado en 1983 su primer película, ¿Para qué una película sobre estas personas?, con materiales que encontró en el mercado negro. A partir de entonces ha trabajado como escritor y director de teatro, radio y cine documental.

"Yo que viví en la antigua República Democrática de Alemania y ahora vivo en la República Federal de Alemania puedo decir que han sido dos cosas totalmente distintas, y en las dos he hecho películas. Por eso la idea de mantener cierta continuidad. Esta ruptura que fue la unificación de Alemania es algo que cambió bastante mi vida", comenta en entrevista.

Heise ha hecho sobre todo teatro y documentales por su interés particular en explorar la historia. No evade que hay algo de ficción en el documental pues muestra un solo punto de vista. Para Heise lo decisivo es lo que surge entre el público y lo que sucede en el escenario o la pantalla: "la historia es el diálogo que se desarrolla entre estos dos espacios", comenta.

Encontrar a personas reales es lo que más le emociona: "A veces cuando hago una película, me encuentro con frases que dicen las personas y suenan como si las hubiera expresado un artista en escena. Son cosas increíbles. En la película Patria (que se exhibe en la programación de la Retrospectiva) una muchacha de un pueblo dice: 'estoy contenta de estar aquí' y eso suena como a Chéjov. En muchos casos me encuentro gente muy sensible y sencilla que es capaz de decir verdades poéticas muy significativas a la hora de hacer documentales", precisa el creador, quien es conocido por su osadía para colocar su cámara en lugares incómodos para el régimen comunista, lo que lo hizo en su momento víctima de la censura oficial: sus primeras obras no pudieron ser vistas hasta hace muy pocos años. La mayoría de ellas forma parte de la programación en la Cineteca.

Lo crítico y lo puntilloso no se le quita. Por eso apunta: "El problema de Alemania es que siendo uno de los países en los cuales la educación depende mucho del status económico de los padres y no existen muchas posibilidades de salir de ese estatus. En este aspecto Alemania no es muy moderna: con toda la calidad que existe tendría que aprovechar de mejor manera sus condiciones y a mediano plazo esto nos va a traer muchos problemas", opina.

Como cuenta el historiador y filósofo Rudiger Safranski en el importante libro Romanticismo. Una odisea del espíritu alemán, recordando al filósofo y poeta Heider a finales del siglo XVIII (cuando todos los poetas eran filósofos), comenta que dicho escritor es un pilar del romanticismo, en su actitud: lanzarse a los mares en búsuqeda de aquello que es lo folclórico, el espíritu del pueblo, el descubrimiento de los hombres. No del Hombre.

Esa misma búsqueda es la que llevó a Heise el año pasado a Argentina para rodar su más reciente documental, Sistema solar, que trata sobre una etnia olvidada en la periferia de Buenos Aires.

"Este proyecto fue muy lento, y simplemente surgió del deseo de hacerlo. Una condición previa para hacer un documental es tener mucha curiosidad, que tengas muchas ganas de conocer algo. Si empiezo la película en realidad no sé cuál va a ser el resultado. Más bien, salgo, intento ver lo que hay, trato de entablar contacto con las personas y comprender las situaciones.

"En este caso, quise hacer una película sobre la pequeña etnia de los coshas en el marco del Bicentenario de las independencias americanas. Y me interesó hacer un descubrimiento como lo había hecho hace 500 años Cirstóbal Colón, obviamente con otros motivos, pues nosotros intentamos entender algo de lo que no sabíamos nada. En ese sentido esta experiencia fue un poco fue el intento de educarnos al acercanos a ellos. En el fondo, queríamos transmitir el mensaje de que ellos existen aunque son una comunidad muy pequeña, alrededor de 1,500 personas, pero que a nadie le interesa que existan. Por eso es importante que se sepa de ellos porque realmente es gente genial, y eso hay que saberlo", comenta Heise.

Entrevista Alberto Villarreal

2011-08-15T15:20:00.000-07:00

"Si te crees la fama, estás muerto"

Presenta El Milagro residencia de Alberto Villarreal

Es un artista aunque no le guste mucho el término. Dirige obras de teatro y ha escrito algunos textos cuyo fin es convertirse en acontecimientos escénicos, sin embargo no se considera un dramaturgo: "Soy alguien que hace obras de teatro, nada más", dice. Alberto Villarreal, un joven hombre de teatro, ha desarrollado en los últimos años una estética muy particular y actualmente Teatro El Milagro lo presenta en una residencia artística, la cual consiste en la representación de tres de sus obras de teatro, la presentación de un libro y el reestreno de la obra De bestias, criaturas y perras, original de Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio (LEGOM) y que Villarreal ya dirigió en el pasado.
No es una ocurrencia que se haya organizado esta residencia. El nombre de Villarreal suena bastante en el medio teatral desde hace tiempo, pero él descree de la fama y vomita los egos superlativos que se dan de forma frecuente entre los teatreros, como apunta:

"He visto gente muy destruida por eso. Es tal la presión para los nuevos dramaturgos con talento, que luego los inmovilizan y si su siguiente obra no tiene esa espontaneidad de la primera, lo crucifican. 'Ah, qué lástima, en realidad no eres quién creíamos que eras', le dicen. Y uno no puedes escuchar eso. No puedes ser tan cruel contigo. Pero si en algún punto te crees esa imaginería del éxito, la fama, el reconocimiento, 'soy un artista y tengo algo que decir', 'soy importante', caíste en la ficción y realmente estás muerto", afirma Villarreal .

"Si tú te mueves con perspectivas, te arruinas porque creas un marco mental en el que defines lo que quieres conseguir y tu obra se convierte en una suerte de chantaje a la vida o al mundo para lograr tu objetivo. Pero si la obra no te lo da, crees que tu obra falló. Eso es muy infantil: si no eres capaz de deshacerte de toda expectativa y realmente entrar al teatro a ver qué sucede"... Villarreal deja en el aire la frase que completa la condicional. Nosotros agregaríamos: no podrás conmover a nadie, hacer arte.

Dos de cuatro

Actualmente se encuentran en cartelera en Teatro El Milagro dos de las obras de Villarreal: Más sutil que el espejo y Ensayo para débiles. El lunes pasado se presentó el volumen Siete años en ensayos en donde se recoge su obra. El próximo 27 de agosto se reestrena Desierto bajo escenografía lunar y una semana después la obra ya mencionada de LEGOM, De bestias criaturas y perras, que contará con las actuaciones de Beatriz Luna y Rodolfo Blanco.

Con oportunidad hemos reseñado en estas páginas la primera obra que inauguró esta residencia: Más sutil que el espejo, una pieza con textos que se componen de imágenes e imágenes que se manifiestan como poesía, sonido y ruido. La obra es un sutil alegato contra las convenciones sociales y tetarales, contra el malestar radical de la condición humana, y al enfocar en el mapa a los aún no nacidos, propone al asistente la asunción de la culpa, todo un reto a nivel emocional y moral.

Por otro lado, Ensayo sobre débiles, que se estrenó esta semana, es una de las experiencias teatrales más gozosas y gratificantes que podrán encontrarse en cartelera; es también una proposición abierta, un juego encendido que parte de las venas o de las raíces: desde la vida. Un hecho escénico con un final que es un ritual inédito, el cual desnuda sin obligación al visitante de ese espacio experimental que es la escena, y la cual se propone ya no cerrada sino abierta, relacional.

Una obra dura y bella que tiene imágenes letales: una actriz expulsada por el público como en un reality show; un actor azotado a jitomatazos por sus compañeros; un viejo tundido por otros más jóvenes que aborrecen sus arrugas; una par de esposos que se ofenden de la manera más sutil, con la verdad no dicha en el pasado. Imágenes profundas que adquieren mayor contundencia a la luz de las propias explicaciones de su autor.

"Uno no existes como su trabajo. Por eso, toda idea que se formen de ti es falsa. De hecho toda idea que te formas de ti es engañosa. Este negocio parece trabajar por personalidades y no por personas, porque lo que vende es la personalidad. Pero toda personalidad está equivocada porque solo es una pescie de instantánea de alguien. No pueden entender el trabajo artísitico de una persoa por su personalidad.

"Una defensa de la subjetividad"

Este par de piezas de Villarreal sintetizan de un modo contundente la estética del autor (categoría de la cual también desconfía Alberto), porque no se sujetan a una historia ni a una finalidad pero sí a unos principios: fincar una conexión a partir de emociones, apelar a la empatía desde una defensa de la subjetividad, como dice el teatrero.

"El teatro siempre es una especie de acto contra la idea de civilización y de evolución, la civilización pensada como un marco de seguridad que nos contiene a todos y que nos plantea una moral de lo correcto y lo incorrecto. Y porque mucha de la estética y el arte se pone al servicio de reafirmar las ideas imperantes, de verticalidad, de discurso racional, discurso claro, de necesidad de centro, de la idea de evolución, yo digo que el teatro tiene que ser un ejercicio constante de oposición para poder abrir un marco en donde podamos ver lo otro, mirar de un modo que no lo hemos hecho antes. Me interesa mucho más la vía negativa, de la depuración, del quitar; la vía de casi dejar un espacio vacío donde puedan aparecer otras cosas, más que la idea del discurso cerrado, del orden lógico, de la crónica, de narrar historias predecibles".

"El teatro es una gran defensa de la subjetividad y esta no necesita argumentarse. Tu puedes decir el mundo es así y eso es muy subjetivo y luego mostrármelo a través de una obra. Y amí lo que me parece apasionante es poder entrar un poco en una maquinaria de tu mundo que al mismo tiempo comparte fibras con el mío. Porque un teatro que sirve a un propósito inmediatamente queda enajenado por ese propósito.

"El teatro no tiene utilidad, y cuando la tiene inmediatamente se muere. Yo creo que realmente hay que cuidar que las obras no tengan utilidad, no tengan finalidad, no tengan un sentido, ni un espacio comunicativo. Eso es trabajar contra todo aquello que nos dice la estética sobre lo que debe ser el arte. Y por eso habría que trabajar contra la misma estética y arte para poder trascender todos esos candanos que se nos han impuesto. Pensado así, el teatro es una utopía de cuerda, como me gusta llamarla, un pequeño espacio con un grupo de gente que funciona durante unos minutos y se acaba y después no queda nada, afortunadamente, y si acaso queda algo, en el mejor de los casos es una buena conversación", dice Villarreal.

Residencia Alberto Villarreal
Teatro El Milagro (Milán 24, col. Juárez)

Más sutil que el espejo
Del 18 de agosto al 4 de septiembre.
J y V 20:30 hrs, S 19 hrs; D 18 hrs.

Ensayo sobre débiles
Del 15 al 31 de agosto
Lunes, martes y miércoles, 20:30 hrs.

Desierto bajo escenografía lunar
Del 27 de agosto al 4 de septeimbre
S y D 13 hrs.

De bestias, criaturas y perras
Únicas dos funciones: 3 y 4 de septiembre
S 19 hrs; D 18 hrs

Otra vuelta de tuerca, ópera en la UNAM

2011-08-14T13:17:00.000-07:00

Claroscuros de Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten

Una orquestación musical sublime y una historia que no espanta

Samuel Boden, tenor inglés, roza la perfección vocal al interpretar a un fantasma en el estreno en México de la ópera Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten. Su ejecución del pasado fin de semana en la Sala Miguel Covarrubias, del Centro Cultural Universitario (UNAM) le mereció las ovaciones más exaltadas, palmadas contundentes y ensordecedoras por buena parte de la concurrencia y una que otra ovación de pie.

Joven, alto y apuesto (como el fantasma de Peter Quint, rol que interpreta), Boden dio muestra de su talento acompañado por una ejecución de primer nivel por parte de los también jóvenes cantantes: la soprano Fflur Wyn (en el papel de Institutriz) y el pequeño Leopold Benedict, quien con sus 15 años impresionó a los mexicanos, y de los músicos del Ensamble Filarmonía, dirigidos por el maestro Jan Latham-Koening.

La ópera de Britten, permite a un tenor de presencia despuntar, al ser el único capaz de ejercer un tono que concilia y camina con aquel tono que es eje primordial en la construcción de la obra, un tono orientado al desajuste, al contraste, a la emisión de lo terrorífico, al ruido, la furia y la interferencia.

La obra no es contundente e su cometido estético, el cual tiene en su centro plantear una historia que estremezca. El público difícilmente podía espantarse, sobresaltarse o mínimo sorprenderse. Si pensamos que esas son minucias, habría que preguntarnos, más bien, qué es la ópera hoy en día, y si no será que se trata de una manifestación so pretexto de mantener en su pedestal la belleza y esplendor del arte y sus fieles y devotos defensores.

La historia

Escrita en 1898, la novela de James se desarrolla en un caserón en una campiña inglesa unos años antes, a mitad del siglo XIX. La acción inicia cuando llega una nueva institutriz (Fflur Wyn), con la misión de cuidar a dos niños: Miles (Benecit) y Flora (Erin Hughes). La Institutriz va descubriendo poco a poco que en esa casa algo se esconde: susurros y pasos en los tejados la ponen en alerta, hasta que una noche ella misma observa la figura de un hombre apuesto, de cabello rojizo con aspecto fantasmal que la observa del otro lado de la ventana.

Ella narra lo sucedido a la Sra. Grose, ama de llaves (Encarnación Vázquez), y cuando aquella le describe el aspecto que tenía el hombre, la Sra. Grose lamenta que sea el espíritu del antiguo sirviente, Peter Quint, quien murió en condiciones extrañas y desde entonces su alma ronda por los pasillos de la casona. Enterada de esta noticia, la ingenua Institutriz, como se la describe en el Prólogo de la ópera, asume la misión de proteger a los niños. Pero al final descubrirá que su misión es muy complicada, en principio porque los chicos parecen seguir las recomendaciones de los espíritus del Sr Quint y de la antigua Institutriz, la señorita Jessel.

Britten y la ópera de hoy

Un argumento de terror basado en un tema y una estructura musical de 12 notas, que Britten manejaba a la perfección, en su representación en la Sala Miguel Covarrubias dejó un agridulce sabor de boca: grato por el preciso trazo escénico con que se dirigió la puesta y por la ejecución instrumental impecable de los concertistas. Pero amargo porque dejó una incógnita: ¿esta pieza musical arriesgada no merecía una escenificación más acorde con el riesgo y sobre todo con nuestros tiempos?

Si bien el libreto de Myfanwy Piper y la partitura de Britten son documentos que por si solos tienen una fuerte carga estética, la escena exigía algo más que sobriedad y elegancia. El vestuario es impecable, las luces se manejan de modo muy interesante para reacomodar de forma visual los espacios, incluso funcionan como efectos especiales. Pero no hay terror ni miedo ni sorpresas, elementos que se han fortalecido con los avances tecnológicos aplicados a una narración dramática.

En suma, la puesta en escena de la ópera de Britten pone en la mesa un planteamiento: si la ópera quiere seguir subsistiendo tiene el gran reto (como lo exige su raíz: ser el arte de todas las artes) de aglutinar en si todas las herramientas artísticas que se tenga al alcance. Ballina lo comprendió en 2009 y propuso una estética multi-radial e interferida, con su versión de Muerte en Venecia, también escrita por Britten. Michael McCaffery, en cambio, y quienes levantaron este proyecto presentaron un espectáculo de finales del siglo XIX. La UNAM también lo tiene que comprender.

Ternura suite, de Edgar Chías

2011-08-11T15:00:00.000-07:00

No hay ternura pero sí mucho snuff
Toda una provocación, la nueva obra teatral de Edgar Chías

Aquello que durante siglos fue conocido como Teatro (un espacio en el que un animador y un público concertaban un pacto ficticio a manera de entretención, juego o relación y que luego se dividio en tres unidades, y más adelante se acotó a un espacio vacío con actores y público) ha dejado de existir. Existe el teatro y sus múltiples formas experimentales. Esta formulación verbal que puede parecer atrevida, vista con profundidad, es algo que ya se ha anunciado desde hace algunas décadas. La razón por la cual volvemos a ella es porque actualmente se encuentra en cartelera tanto un festival (Transversales) que pone en duda los valores canónicos de la escena, y una obra de teatro que se sale del molde tradicional: Ternura Suite.
La más reciente obra de Edgar Chías es, sin duda, una texto dramático; es decir, escrito para ser representado; es también un hecho escénico que sin la escena pierde toda su fuerza y es también una provocación que roza los límites de lo espectacular, un acto que sin la influencia de los medios de comunicación masiva (incluidos el cine y la televisión), sin el impacto de la aceleración de la vida (síntoma de nuestro tiempo trans-histórico) y sin la estética más abyecta jamás imaginada (la verdad contada desde su lado más cruento, aquel que es imposible maquillar), no podría entenderse.

Ternura suite, como lo ha dicho su autor, es una obra que hay que ver como se mira Anticristo, de Lars von Trier. Porque la obra maestra del cineasta solo puede ser entendida si somos capaces de salirnos de nuestros moldes. La obra de Chías solo puede ser vista si somos capaces de salirnos de nosotros mismos y nos metemos en los cuerpos de la Anfitriona (Beatriz Luna) y el Visitante (Emmanuel Morales). Una tarea difícil. La provocación de Chías es redonda, es cruel, y es cínica.

No apta para cardiacos ni para estilistas del arte. No apta tampoco para defensores de las buenas conciencias. Tampoco apta para alguna liga protectora de animales. Mucho menos para cualquier mente infestada de fervor religioso, ideológico o feminoide. Ternura suite, de todo lo que muestra, lo que menos tiene es ternura. Sino todo lo contrario: escozor, odio, barbarie, infamia, turbiedad.

La anécdota es lo de menos (una mujer es asaltada y violada en su propio departamento y, por azares del destino, tiene la oportunidad de vengarse y aprovecha la ocasión), lo que importa es la sensación de extrañamiento y hostigamiento con la cual el espectador forzosamente saldrá al termino de la función. Cómo lograr esta sensación, era un reto mayor que se impuso el dramaturgo, pero para lograrla no solo el texto fue importante, sino sobre todo el papel y el compromiso de los actores que son de primer nivel.

Ternura suite no es Anticristo, esta última se detiene en la belleza de lo horrorífico humano. Aquella primera se detiene en lo horroroso de la naturaleza humana. Basten como ejemplo dos imágenes sumamente gráficas: el rabo de una rata viva la cual se agita en la garganta de uno de los actores; un recto humano perforado por un taladro encendido.

Con simulacro incluido (en el sentido literal y en el teórico), la pieza propone un paso más cercano al gore (videos de hiper violencia real) y sobre todo al snuff (asesinatos filmados) y no tanto a la pornografía (aunque hay desnudos, en esta pieza vemos con nítidez las partes del cuerpo que siempre se evaden -el ano, el clítoris- y no vemos aquellas que resultan más eróticas -los senos, el pene), justo en un momento en que la realidad es imposible atraparla en una secuencia de ficción. Ninguna secuencia de cine de terror es más aterradora que un video colgado en Youtube en el que un grupo de hombres le cortan la cabeza a otro individuo con un cuchillo de cocina.

Con esta pieza, Edgar Chías confirma que es uno de los dramaturgos más importantes y arriesgados de la actualidad. Lo mismo que el director de esta obra, Richard Viqueira. Tal vez se acabaron los tiempos del teatro lógico. Ternura suite se asienta en el lado light de nuestra relación con la realidad (el video) para sacudirnos las tripas, para invadirnos y para violarnos con la palabra y la imagen. No es teatro de formación. No es teatro político. Tampoco es Teatro. Para bien o para mal, estas categorías ya caducaron. Ternura suite nos toca desde la interferencia, desde la incomodidad, y nos concierne porque es sucia y cruel.

El viaje inmóvil

2011-08-11T09:06:00.000-07:00

Murmurante Teatro explora los motivos del suicidio

Presenta compañía yucateca El viaje inmóvil, una obra comprometida

La península de Yucatán cuenta con el mayor índice de suicidios en el país. Cada 48 horas alguien decide quitarse la vida, la mayoría de ellos son varones de origen maya. ¿Será que el suicidio está incorporado en la estructura mental de los yucatecos o más bien hay otras razones que orillan a las personas a optar por esta vía como un escape a la insatisfacción personal? Con esta preocupación, la compañía yucateca Murmurante Teatro visita nuestra ciudad con una obra de teatro experimental, El viaje inmóvil, pieza escénica que se encuentra a medio camino entre la crítica y el dolor, entre la exasperación y el reencuentro.

En entrevista con el director artístico de la Compañía, Juan de Dios Rath y el director del montaje, Jorge Vargas, este último indica que el problema tiene una dimensión profundamente social: "el problema está arraigado en el sistema económico, en la explotación y en el clasismo que impera en la región, estos problemas son caldo de cultivo para que Yucatán sea la entidad con el porcentaje mayor a nivel nacional de número de suicidios y, paradójicamente, el lugar donde menos crímenes violentos suceden", menciona Vargas, quien también es director de la Compañía Teatro Línea de Sombra y del evento Transversales.

Según Juan de Dios Rath, hay muchos factores que inciden en estos datos, por ejemplo, el cultural: "había una diosa que prometía un bienestar a aquellos que se suicidaban. La gente lo ve con cierta naturalidad, casi siempre lo justifican: ya estaba grande, ya para qué seguía viviendo", comenta el director, mano derecha de la actriz y productora Ariadne Medina, quien ha levantado en Mérida esta compañía.

En el proceso de investigación para elaborar esta obra, los creativos se apoyaron en un experto en el tema, el Dr. Gaspar Baquedano, quien comanda un grupo de autoayuda para suicidas en el Hospital Psiquiátrico de Yucatán. Baquedano ha sostenido reiteradas ocasiones que el problema grave se ubica en la marginación y la xenofobia que existe en la sociedad, pautas que obedecen a un modelo económico neoliberal, pues, "en este tipo de esquemas no hay espacio para la cultura maya. Quien se cuelga, ya estaba muerto. Lo único que hace con la soga es culminar el proceso de autodestrucción que se está construyendo gradualmente y en la que participa toda la sociedad", ha dicho el Doctor.

La realidad es cada vez más apremiante

Para Jorge Vargas, la escena tiene un sentido muy específico: aludir a la realidad: "Para mí el sentido del hecho escénico solo cobra dimensión cuando está ligado específicamente a lo real. En la actualidad cada vez más se interroga el arte sobre lo real y abre toda una serie de fisuras y caminos de tal manera que lo real irrumpe, cuestiona, relativiza o pone en crisis todos estos aparatos de artificio que son el teatro, la ficción, los sistemas de producción, porque, parece ser, que la realidad está volviéndose más urgente que antes, más imperativa que antes.

"Por lo menos ante la mirada de un gran sector de la población que ya no encuentra en el entretenimiento una manera de transformar su realidad. Yo pienso que el artista no puede desdeñar eso, no puede mirar para otro lado y hacer como que no pasa nada. En este caso podíamos haber hecho un texto sobre el suicidio en Noruega, de un autor europeo, y tocar tangencialmente el asunto. Pero si el asunto y los materiales están ahí, ¿por qué no tomarlos?", indaga el director.

En la obra, el espacio aturde al espectador desde el principio. La desesperación, el confinamiento, mediático (14 pantallas nos observan desde las alturas) y la saturación (el ruido y la imagen) son el encuadre desde el cual la actriz Ariadne Medina presentará acciones o aludirá a imágenes inspiradas en el quebranto, antesala del suicidio. Al fondo, una gran mesa es un personaje que construye la acción, la filma y luego la reproduce. El confinamiento lleva a la enajenación. El suicidio se presenta como una solución operada desde el adoctrinamiento mediático.

El texto es duro y veloz. El problema es que a los chilangos nos pega más como artificio que como referente concreto. En Yucatán la obra es un éxito. En México la gente no sabe cuándo aplaudir.

En cada escena algún aspecto del suicidio es puesto en tela de juicio. Se cuestiona la validez de nuestras creencias religiosas, de nuestras certezas respecto a eso que llamamos salud mental. También, mediante la metáfora del descenso a lo más oscuro de nosotros mismos, se evocan experiencias vitales: ya sea en la superficie, o en el interior de un cenote, la experimentación actoral abre la posibilidad de abatir mitos y formular preguntas a propósito de aquello que Albert Camus consideraba el único problema filosófico verdaderamente serio: el suicidio.

Entrevista Lena Lauzemis

2011-08-10T09:39:00.000-07:00

El terrorismo y el idealismo son posturas muy humanas

Charla con Lena Lauzemis, protagonista de la película ¿Quién si no nosotros?

Alemania Occidental, principios de los años 60. Bernward Vesper inicia sus estudios en Tubinga: el quiere ser escritor. Hace 15 años que terminó la guerra, los viejos nazis vuelven a hacer carrera y no se habla de crímenes de guerra. En este telón de fondo, Bernward conoce a Gudrun Ensslin, compañera de estudios, y juntos se incorporan a la tarea ética de aquel momento: cambiar el mundo. Este es el argumento que da pie al primer largometraje del cineasta alemán Andres Veiel, Quién si no nosotros (Wer wenn nicht wir), cinta que fue estrenada en la 61a Berlinale 2011, y en la que su protagonista, Lena Lauzemis, fue aclamada por la crítica como el descubrimiento actoral más importante de la muestra.

Fotograma de la película ¿Quién si no nosotros?

Por su representación de una joven de ideales que después se convierte en terrorista, Gudrun Ensslin, Lauzemis fue nominada para el Premio de Cine Alemán 2011, y el jueves pasado acudió a la inauguración de la 10 Semana de Cine Alemán en la Cineteca Nacional, cuando se proyectó la película de Andres Veiel.

Lauzemis aclara: "Para mí fue importante no representar a una idealista o a una terrorista, sino una mujer que actúa de manera muy humana y que a través de eses idealismo que va desarrollando llega a grandes dificultades", comenta la actriz.

"La historia alemana de los 60 y 70 siempre fue muy importante para mí por la familia en que crecí. En los años 60, uno experimentaba vivir en comunas; a los niños se les educaba en una visión antiautoritaria, lo cual creo que los desorientó gravemente. Mi medio hermano creció de esta forma y eso provocó que durante mi infancia y adolescencia me planteara continuamente muchas preguntas al respecto".

"Mis padres fueron muy activos políticamente y hubo ciertos puntos en contacto con el movimiento del Dos de junio que se desarrolló con personas de una generación después de la RAF (Fracción del Ejército Rojo, una de las organizaciones terroristas de izquierda radical más activas de la República Federal de Alemania en la posguerra) y uno tenía que decidir participar en el uso de la violencia o en contra de la violencia; mis padres decidieron en contra de la violencia, pero el tema llegaba también a mis abuelos que crecieron en el fascismo, y saber cómo actuaron, qué había en su mente, ya que tenían muy inculcado el nazismo, fueron asuntos que ocuparon mi mente desde que tenía 13 años", dice Lauzemis.

Un momento clave

Los antecedentes de la formación de la RFA se remontan a las protestas estudiantiles de finales de la década de 1960. En Alemania, las protestas se convirtieron en disturbios, cuando el 2 de junio de 1967 el Sha de Irán, Mohammad Reza Pahlevi, visitó Berlín Occidental. Después de un día de violentas protestas de exiliados iraníes, apoyados por estudiantes alemanes, el Sha acudió a la Ópera de Berlín. En el curso de los eventos después de la función, el estudiante alemán Benno Ohnesorg murió luego de recibir un disparo en la cabeza por la policía alemana.

Este hecho, junto a otros actos de brutalidad policial durante otras protestas, sumado al amplio rechazo a la guerra de Vietnam, motivó la unión de Thorwald Proll, Horst Söhnlein, Gudrun Ensslin y Andreas Baader, tras lo cual decidieron incendiar varias tiendas alemanas. Poco a poco se convirtieron en terroristas radicales hasta que fueron detenidos en 1972.

"Por mi familia, este tema me interesa desde diferentes ángulos, es algo que me afecta y me importa. Por eso desde que tengo 17 años trabajo de manera muy intensa este periodo. Y también por eso mi actuación en esta película es algo que me salió de corazón", continúa la actriz.
Lena Lauzemis se dio a conocer cuando tenía 15 años y representó un pequeño rol en la película Sonnenallee (El callejón del sol, 1999).

Después de participar en la televisión optó por enfocarse a trabajar en el teatro. Hace 7 años participó en la película Hitlerkantate (La cantata de Hitler) en la cual interpretó a una chica de la Asociación de Chicas Alemanas (TDM, por sus siglas en alemán), que quería ser pianista y estaba profundamente enamorada del Führer. Para preparar ese papel leyó más de 100 cartas dirigidas a Adolfo Hitler, escritas por mujeres con problemas mentales que estaban enamoradas de él.

La película no le gustó así que decidió pensarlo mejor en futuras propuestas. Hasta que llegó a ella el libreto de ¿Quién si no nosotros?, guión en el que trabajó durante más de un año, pues le exigía algo que le es muy difícil: mostrar su cuerpo.

"Me exigió atender mi sexualidad, porque ese aspecto fue muy importante en los años 60. A mí mostrarme me causó grandes problemas. Desde un principio yo no estaba dispuesta a mostrar mi cuerpo en esta película pero en esa época la desnudez era un posicionamiento político: '¡aquí estoy, así soy!' Entonces yo me preparé durante un año con este guión, y el camarógrafo, el director y mis colegas me apoyaron muchísimo para esas escenas", indica.

Una mujer de ideas

A una mujer como Lena, los conflictos políticos no le son indiferentes. Lauzemis se considera a si misma una mujer de ideas. Actualmente, trabaja con un grupo de jóvenes en Munich con quienes discute sobre asuntos que son centrales para ellos. Ella los acompaña en su reflexión como adolescentes que quieren ser partícipes de los asuntos de su sociedad.

El fin de semana pasado, Lauzemis, quien visita la ciudad de México acompañada de sus padres, acudió al Centro de la ciudad de México. Ella y su familia entraron a una cafetería y les llamó mucho la atención una imagen impresa sobre las servilletas del local, en la cual se leía la frase: "Ni uno +(más)". Un mesero del lugar les explicó a qué se refería esa imagen: "ya no más muertos". Luego fueron al Zócalo y al ver una marioneta del Presidente pensaron que México es un país muy politizado. Al preguntar a la gente, les dijeron que las cosas han cambiado mucho desde la salida de los militares de los cuarteles para combatir a las bandas del narco y que en lo que va del sexenio ha habido alrededor de 40,000 muertos.

Lena piensa en la película para responder a la frase de la servilleta: "antes que preguntarnos ¿quién si no nosotros?, hay que pensar cómo: ¿Como ellos? ¿Con más muertos?"
La película alemana que habla sobre los inicios del terrorismo alemán y relata historias de un gran amor fracasado, de la destrucción y de la autodestrucción, es una alternativa interesante para un país violentado como el nuestro.

"day&night"

2011-07-29T00:00:00.000-07:00

Son dos bailarines de Lady Gaga: Víctor Rojas y Amanda Balen.

Me parece increíble la intención de esta breve pero linda coreografía.

Revisión Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia

2011-07-24T10:00:00.000-07:00

En México, el teatro nuevo es sólido y prometedor

Aporta propuestas interesantes 9a Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia

Luego de cinco intensos días de actividades, la 9a Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia (9MNJD) llegó este sábado a su fin y los resultados saltan a la vista: en el marco de un relevo en su dirección (Luis Enrique Gutiérez Ortíz Monasterio-LEGOM deja su lugar en la organización y se incorpora a los trabajos Mario Cantú) se pudo comprobar que esta Muestra va por muy buen camino y da cuenta de que el teatro en México (la dramaturgia, la dirección, el pensamiento en torno del teatro) es sólido y abierto en una búsqueda que se dirime en pleno siglo XXI.

La 9MNJD dio cuenta de una sólida propuesta artística en la cual resaltan nombres como los de los jóvenes escritores Itzel Lara (Ciudad de México, 1980) y Raúl Valles (Ciudad Juárez) ; una fiel y joven comunidad de seguidores que creen en la renovación del teatro acompañado por el importante y envolvente trabajo logístico de Alejandra Serrano, y con un noble propósito pensado por los fundadores de esta Muestra, LEGOM y Edgar Chías. El propósito: ofrecer un espacio para levantar los primeros borradores físicos (visibles, de carne y hueso) de la joven dramaturgia, y promover un diálogo entre quienes conforman el colectivo teatro: desde los directores, autores y actores hasta el público y los críticos.

Raúl Valles, durante la lectura de su obra Magnetar

Después de nueve ediciones es claro que el evento tiene algunos asuntos pendientes por mejorar y otros tantos sueños y propósitos por cumplir de cara a la 10 edición que se realizará el próximo año. Tomando algunas líneas gruesas, mencionamos algunas asignaturas pendientes de la Muestra: 1. mejorar la claridad en los criterios con que se decide la programación; bastaría hacerlos públicos; 2. que la Muestra funcione como un catalizador para resolver el desencuentro entre escritores, directores y críticos, ya que el diálogo se podría enriquecer si cada grupo intentara salir de sus propias trincheras; 3. que los estados apoyen este importante espacio que a pulso se ha ganado la consideración de nacional pero necesita coproducciones a nivel estatal para crecer; y 4. definir el espectro de lo "joven".

En el centro la Dramaturgia Joven, no inmadura

Que sea una muestra de la Joven Dramaturgia no implica que sea inmadura o incompleta. En la Muestra existe una clara intención por dar peso a los dramaturgos aunque en la crítica se les consiente o, mínimo, se les apapacha más que a los directores. Sin embargo, al centrarse en los dramaturgos la Muestra funciona como un primer examen. Si el trabajo de los directores no es bien valorado, ellos se escudan en que se trató de un simple experimento. Es por eso que quienes quedan expuestos a la posibilidad de que se "quemen" sus propuestas son los autores.

La crítica también cometío varias fallas de procedimiento porque llegó a juzgar los trabajos escénicos como si se tratara de montajes cerrados cuando en su mayoría se trata de lecturas que son ensayos. Una grave falla, fue la que cometió el director Uriel Bravo, al incorporar textos de su autoría que interrumpían al texto del dramaturgo Pablo Iván García, en la lectura espectáculo de la obra Micro-dermo-abrasión, ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Baja California 2010, cuyo texto fue valorado junto con la incorporación del director.

En este sentido, llama la atención que varios de los autores no terminaban del todo convencidos con la propuesta del director. Y es curioso también señalar que uno de los rasgos generales formales que se pueden ubicar se centra en el nulo uso de acotaciones en el texto. De acuerdo con la experiencia que vivimos en estos cinco días, habría que reconsiderar esta moda o repensar las consecuencias de dejar libre el texto. La asignatura pendiente que queda a los dramaturgos se abre en dos sentidos: no llevarse por la moda o renunciar al apego que tienen sobre sus textos. Ya lo mencionó hace varios años el filósofo y escritor francés Roland Barthes: "el texto es huérfano". Y en el teatro, más que en ninguna otra disciplina.

Confusión, Anomia, Devastación y Posibilidad

Las propuestas, en su mayoría, fueron notables (exceptuando un experiemnto con cuatro jóvenes dramaturgas con el que lo único que se logró fue "exponerlas" en sus parcas propuestas dramáticas y en sus excesivas poses) y muy diferentes entre una y otra, no obstante, se pueden identificar algunos rasgos en común: 1. la devastación suspendida en un fragmento de vida; 2. el tono salvífico o sanatorio como una avetura posible aunque difusa; 3. la anomia como estado de exploración vital ante la confusión reinante.

Magnetar (Raúl Valles), quizá el experimento más interesante de la Muestra, es una mirada oblicua cargada de ironía, humor y violencia, que aborda con sagacidad el tema de los narcos (anomia pura): incorpora en su relato a científicos locos, mujeres drogadas, cadáveres que caen del cielo, soldados con retraso mental, psicosis coletiva y así hace una crítica tridimensional: 1. la dimensión intermedial de las grandes empresas tecnológicas y de información; 2. la dimensión maravillosa del pensamiento supersticioso y atávico, y 3. la dimensión crítica sobre la paranoia colectiva: el terror y el pánico. Pero lo hace con mucho ingenio y un humor único.

Imagen del montaje de Anatomía de la gastritis, de Itzel Lara

En Anatomía de la gastritis (Itzel Lara) y Viaje de tres (Jorge Fábregas) se propone la revisión de lo humano desde el dolor, la ausencia y la enfermedad. La mirada abyecta es sublime sobre todo en Anatomía de la gastritis que se enfoca en un ciclo trágico de sanación y enfermedad: esta es una condena, la piedra de Sisifo, la enfermedad se ubica al nivel de la necesidad de compañía y su constante rechazo. En Viaje de tres la enfermedad del otro es el vehículo para la sanación personal; el relato coquetea con una crítica de redes como infencción viral (mental) de nuestro tiempo. La mirada de Fábregas libera. La de Lara, por eso es tan potente, parece que libera pero en realidad solo nos muestra una radiografía de nuestra propia descomposición.

Jesús Hernández (don Yayo, me recordó al Sr Friederichsen) y Mauricio Cedeño (Emilio) extraordinarios actores, más Guadalupe Ortíz (Irma), en la lectura de la obra Viaje de tres, de Jorge Fábregas

En Fuera de Límites (Alejandro Román), Reliquias sobre la carne que parece diatriba (Ivi May), Umbral de sueño (Mariana Chávez) y Siete (Imanoll Martínez) la anomia y la devastación se hacen evidentes en los tonos del lenguaje, en la aproximación a los contextos o situaciones y en la construcción de los personajes: en la primera, se aborda a tres mujeres que pasan por encima de la ley en una narración delirante que las conduce a su muerte; en la segunda, el desajuste con la realidad social se convierte en un viaje que es tanto experiencia mística como violenta; en la tercera, el verdadero crimen es la pérdida de bordes (un relato sobre niños migrantes entre el sueño y la realidad) que conduce a la muerte de la inocencia; y en la cuarta, los fragmentos se entraman en un lamento apocalíptico incomprensible.

Una Muestra Nacional

Que esta sea una Muestra Nacional no es una mera casualidad sino una cuestión que habría que separar en partes para valorar la importancia de su adjudicación: en primer lugar la muestra es exitosa porque es capaz de atraer la atención de los dramaturgos de distintas zonas del país.

Segundo, por la apertura que se tiene para integrar una programación representativa regional. Tercero, por la precisión que se tuvo desde un principio y que se ha respetado para ubicar una problemática concreta (falta de espacios) y lanzar una propuesta de interés generacional, que ahora (con el paso del tiempo) se ha convertido en transgeneracional.

Cuarto, por ser una respuesta a una problemática de mayor calado: el abandono sistemático de la educación en el arte y la cultura y la nula generación de políticas culturales radicales más el desencuentro que existe desde hace tiempo entre los diversos niveles de interrelación teatral: creadores/artistas (dramaturgos, directores y actores) con el público y con la crítica.

Esta Muestra es necesaria. Es necesario acompañar su proceso, aprovechar el espacio y poner la atecnción en su renovación paulatina. De lo contrario la banalidad, el amiguismo y el interés económico estarán al acecho.

Viaje de tres, Jorge Fábregas

2011-07-21T13:55:00.000-07:00

Trae los pensamientos a escena

Viaje de tres, una reflexión sobre el sentido y la esperanza

Un viaje físico que se concentra en los pensamientos de los viajeros. Ese es el argumento de la obra de teatro Viaje de tres, del dramaturgo Jorge Fábregas, obra con la cual se hizo acreedor a Premio Nacional de Dramaturgia 2008 y que este viernes se presentará en una lectura dramatizada dentro del marco de la 9a Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia como una de las propuestas más recomendables a juicio de los organizadores.

En entrevista, el dramatugo cuenta que en esta obra le interesó mucho ubicar aquello en lo que estamos pensando: "tenemos un mundo muy poderoso en la propia mente. Esto suena lógico. Pero me refiero a que muchos de los actos que realizamos están contaminados por algo que pensamos siendo que estas cosas no ocurren", dice el escritor.

"Una mirada de otra persona basta para que yo haga una serie de asociaciones mentales, cuando , quizá, pudo ser que esa mirada de aquella persona ni siquiera era para mí. Yo ubico esta idea como una estrategia narrativa para explorar cómo influyen los pensamientos de las personas en su relación con el otro", dice Fábregas.

La anécdota es muy sencilla: Emilio viaja con su padre, enfermo de cáncer, y la enfermera de éste a un pequeño poblado para visitar a un chamán. Es la última oportunidad de encointrale una cura contra el cáncer, pues los métodos científicos han llegado a un límite. No hay nada más que hacer. Se van y regresan: esa es la historia.

Pero, a juicio de su creador: "lo importante está en el desarrollo de esta relación mental entre los personajes. Es una especie de viaje mental aunque sí hacen el viaje físico. Pero la clave se encuentra en la vulnerabilidad que les da el solo viaje.

"Tratar de encontrarle una cura a una persona, y que aparezca un sanador en el quinto cerro es algo que nos parecería increíble pero si estamos en ese viaje, en esa apuración somos más vulnerables" y por tal motivo necesitamos asirnos de una última creencia: "aunque sea una leve esperanza".

"Aunque estemos frente a un charlatán, no se pierde la fé y somos capaces de decir: y qué tal si sí", afirma el dramaturgo.

Entrevista a Alejandro Román

2011-07-20T13:21:00.000-07:00

Solitario en la hiperrealidad

Cambia de preocupaciones temáticas el dramaturgo Alejandro Román

No encuentra pares entre otros jóvenes o maduros dramaturgos, siempre que escribe lo hace sobre una "mesa de carnicero" y con dos whiskys en el espíritu; la crítica que se hace de sus obras le interesa poco menos que nada. Pero tiene muy claro que la palabra hay que buscarla, hay que ir tras ella e intentar atraparla, y que la realidad hoy aparece en capas que se combinan de forma extraña comop las vantanas de un ordenador.

Esta suma de cualidades, que muchos pueden poner en tela de juicio, le han granjeado al joven dramaturgo Alejandro Román una gran batería de premios, entre los que destaca el Premio Nacional de Dramaturgia Víctor Hugo Rascón banda 2010. No obstante, el escritor arguye que estos tampoco le importan tanto como, hace algunos años, la búsqueda de una voz personal y, hoy en día, el desarrollo de un estilo único que borde la línea de los géneros:

"Yo ando buscando, tal vez, mi propio género: la hiper narrativa: esta la entiendo más a la hora de acercarme a los medios tecnológicos de la actualidad, los medios informativos o redes, y que de repente puedes detener un fragmento de espacio y de tiempo en un solo cuadro", apunta el dramaturgo, quien el pasado martes asistió al estreno del montaje de una de sus más recientes obras, Fuera de Límites, con la que ganó el Premio Manuel Herrera 2010. La obra inauguró los trabajos de la 9a Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia, que desde el martes y hasta el sábado se realiza en la ciudad de Querétaro.

"Capturo poemas dramáticos"

"Yo voy detrás del poema dramático y no me interesa tanto registrar la realidad", dice el joven dramaturgo, cuya obra presenta a tres mujeres que desde un tiempo y espacio indeterminado narran de manera intercalada sus pesares y, finalmente, su propia muerte.

Pero la contundencia de sus intenciones en este drama se ubica en una escena de la realidad que conecta con su poética personal, la hiper narración: la historia de una mujer que acudiendo a un café Internet puede ver en tiempo real en una de las pantallas del local su propia muerte, pues lo que ella ve en la pantalla es un video que se transmite en una página de narcos (de las cuales dice Alejandro siempre tiene en su ordenardor alguna abierta) y que es filmado por los sicarios que la levantan.

El narco, la violencia de género y la narración de los espacios cotidianos, folklóricos coincidene en su propuesta. En entrevista, el dramaturgo platicó que su obra personal la puede dividir en tres etapas: una primera que es la etapa pop, muy ligada a su llegada a la Ciudad de México, donde encontró todo un nuevo mundo que devora y es cruel; una segunda etapa en la que abordó en 12 dramas el tema del narcotráfico y una tercera, la presente, en la que está embalado en la traducción artísitica del tema sobre la violencia de género.

Con esa pauta escritural, el dramaturgo afirma: "yo me asumo como un cronista: acudo como el reportero a las fichas, a los lugares. Eso hago en mis obras. Me interesa consignar la realidad que nos está avasallando".

"Por eso voy a donde está la palabra y las historias: el conflicto, el drama, la tragedia. En la tierra caliente la palabra es muy bonita, por ejemplo", dice el escritor, quien aclara que su estética la siente muy ligada a la pintura y a la gráfica. Y tiene razón: sus frases son muy poéticas y la poesía de estas ubica su acento en lo nítido de las imágenes que sugieren.

Fuera de Límites, de Alejandro Román

2011-07-20T12:24:00.000-07:00

Flojo inicio de la Semana de la Joven Dramaturgia

Echadas las campanas al vuelo, dio inicio este martes en el Museo de la Ciudad, la 9a Muestra de la Joven Dramaturgia con la puesta en escena del drama Fuera de Límites original de Alejandro Román, obra ganadora del Premio Manuel Herrera 2010, la cual no contó con un estreno afortunado.

De acuerdo con el perfil de la Muestra se antojaba que en esta primera puesta se presentara un espectáculo mucho más arriesgado. Pero esto no ocurrió debido al poco tiempo que se tuvo para ensayar un texto que se nutre del poder de la poesía (difícil de memorizar), más el hecho de que la producción tuvo que hacer piruetas para realizar un montaje con un margo presupuesto de 20,000 pesos, y que se cometieron diversas fallas técnicas como la proyección de un video que parecía más una ocurrencia que un detalle lógico en el entramado del montaje.

La obra Fuera de límites se presentó desbordada: sin unidad ni precisión. Si bien la obra parte de fragmentos para ofrecer turnos a una tercia de voces pertenecientes a mujeres de mediana edad vejadas o asesinadas (encarnadas en las actrices Niyura Delgada, Karla Blanco y Mariana Hartasánchez), quienes narran desde un sitio y tiempo indeterminado sus propios pesares, no aterriza en una propuesta o en un argumento redondo. La dirección de Román García queda a deber.

Quizá lo más interesante de la propuesta dramática de Alejandro Román: la narración hipermediatizada (que en el texto se desborda en capas como lo hacen las ventanas en nuestra computadora) vive por su ausencia en el escenario. Quizá es culpa del director pero quizá el texto carece de claridad y la intención del director no aterriza.

La escenografía es una especie de tapiz: un cuadro dividido que presenta rendijas y que atraviesan las actrices sin un orden aparente. Al frente de este mismo cuadro se ubicó, quizá, el elemento simbólico más redondo de esta propuesta: una especie de archiveros metálicos, de las cuales se pueden advertir algunas lecturas: esos archiveros fríos como las planchas metálicas que reciben a los muertos anónimos son a un mismo tiempo una metáfora del olvido de los cuerpos y también del olvido de los expedientes de tantas personas cuyos crímenes han quedado sin resolver en un país como el nuestro donde manda la impunidad.

Si unos de los grandes dones y objetivos de esta Joven Muestra son acompañar a una obra desde su gestación hasta su resolución escénica y, por otro lado, ofrecer la posibilidad de encuentro entre los creadores, los realizadores y el público, el efecto ha dado resultado porque la obra se montó y fue comentada. Pero la calidad, abre hacia el futuro otra asignatura: ser más exigentes y puntuales con los contenidos, las propuestas y sus traducciones en escena.

La Muestra apenas comienza y tiene la oportunidad de enderezar el camino en las lecturas dramatizadas programadas. En el papel suenan muy interesantes. Esperamos que así sea.

ARRANCA 9 MUESTRA DE LA JOVEN DRAMATURGIA

2011-07-15T11:44:00.000-07:00

La joven dramaturgia mexicana, en plena efervescencia

Hace 8 años, una generación huérfana de jóvenes dramaturgos tuvo las agallas para lanzar un grito con el que pronunciaban su existencia en el mapa teatral nacional, un grito como repuesta ante la indiferencia institucional y la falta de espacios para difundir su trabajo. Ellos se organizaron para programar sus propuestas dramáticas en un rellano del Museo de la Ciudad, en Querétaro.

En aquel momento, los jóvenes dramaturgos de la generación de Edgar Chías, Barbara Colio, Luis Saillón, Jorge Curi, Iván Olivares, Sair Abréu, Mario Cantú, Daniel Serrano o Conchi León, irrumpieron con una encuentro que hoy, con 9 ediciones en su haber, se presenta como la Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia (9MNJD).

El ingeniero de esta iniciativa es el dramaturgo Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio (LEGOM), quien dice con humor: "la creamos cuando éramos unos jóvenes prometedores antes de convertirnos en unos viejos decrépitos".

"Nuestra generación no venía en esta tradición de maestro-alumno: nacimos en la total orfandad, sin reconocer a un maestro en específico. Así que nos inventamos esta muestra para promovernos", comenta Luis Enrique, quien al término de esta 9a edición dejará la parte operativa procurando así que sigan siendo las nuevas generaciones quienes dinamicen este encuentro que hoy en día goza de toda credibilidad en el medio teatral mexicano.

"México es una potencia teatral": LEGOM

LEGOM no se anda con rodeos ni exagera: "Asistimos a una explosión de la dramaturgia. Las obras teatrales que se crean en nuestro país son cada vez más interesantes. México es una potencia teatral a nivel de la dramaturgia, a donde quiera que vamos nos reciben como de primer mundo. El problema es que en nuestro país se cuenta con muy pocos espacios. Por eso necesitamos que haya 4 o 5 más muestras de este tipo", dice el dramaturgo.

"Venimos de 30 años donde las figuras principales eran los directores y los escenógrafos; ahora ha habido un cambio muy importante donde la dramaturgia ha recuperado espacio, sobre todo el teatro de la palabra, teatro del decir, sobre el teatro de imagen.

"Y han pasado dos cosas: primero, una revaloración de la figura del actor en el espectáculo teatral, y segundo, asistimos a una vuelta de los públicos: las nuevas generaciones meten mucho público a escena", comenta LEGOM, quien dice de sí mismo que es "el más odiado" porque por cada uno de los espectáculos escénicos que se programan en la Muestra hay 10 que no, "y esos nos mientan la madre porque no los pusimos", añade.

La Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia comenzó en 2003, en el Museo de la Ciudad, en Querétaro. El programa incluyó lecturas dramatizadas a las que asistía un público de entre 20 y 30 personas. Pero desde aquella primera edición en 2003, cuenta LEGOM: "sucedió la magia: hubo dos o tres lecturas que nos dieron muy buena promoción y a partir de ahí la Muestra ha seguido creciendo. Ahora ya nos presentamos en un teatro en forma; a las funciones acuden alrededor de 300 personas, el quórum es tal que en muchas presentaciones mucha gente se queda afuera", comenta LEGOM.

"La dramaturgia nacional tiene muchas caras": Edgar Chías

El joven dramaturgo mexicano Edgar Chías es otro de los ingenieros de esta plataforma nacional para la promoción del teatro joven. Pensando en la ubicación transgresora de esta Muestra, apunta:

"Lo más interesante de la dramaturgia mexicana son sus temáticas, su diversidad técnica, su libertad pitorrera desde donde los autores abordan la posibilidad de producir un intercambio con el público. Y sobre todo, no tiene una cara sino muchas. En cambio, la parte más oficial fincada en la Compañía Nacional de Teatro insiste en que hay una forma de hacer teatro, y eso es un poco violento.

"Tal vez sí, ese teatro (el que hace la CNT) es el teatro de a de veras, y nosotros hacemos otra cosa. Pero, finalmente, es lo que nos gusta, y encuentra réplica en más espectadores y lectores y no tiene que alinearse. Estas propuestas están siendo lo que son y de esta manera confirman que están vivas y convocan.

"La crítica o enseñanza más importante que podemos rescatar de proyectos como esta Muestra y otras similares es que han sido iniciativas civiles. Cuando éramos más jóvenes tal vez lo más natural hubiera sido esperar nuestro turno pero luego nos dimos cuenta de que si esperábamos demasiado nunca iba a llegar. Si nosotros no creábamos los foros no iba a pasar nada. Y eso,ha hecho pensar a las instituciones su rol y la respuesta que deben dar a este tipo de iniciativas", comenta Chías.

Partidarios de la coproducción

En cuanto a la distribución del programa, la mitad son lecturas dramatizadas y la otra mitad montajes. En esta ocasión, uno de los montajes, la obra de Conchi León, La otra crueldad, es una coproducción de los estados Yucatán y Querétaro. La demás programación no es muy experimental ni muy académica, son propuestas muy cercanas al espectador.

Un aspecto diferencial de la 9MNJD es que se ha buscado promover entre los participantes el modelo de coproducción pero en el futuro es uno de los aspectos que se quiere reforzar para que sean al menos dos instancias estatales las que sostengan el desarrollo de un proyecto y, de esta manera, se pueda crecer en cuánto a número de montajes y de sus propias representaciones.

"Queremos volver concreto el diseño de las instancias productoras de teatro y dramaturgia mexicana: acompañar los procesos desde la gestión literaria de un texto hasta que se convierte en acontecimiento escénico para que luego se integre en un mercado", apunta Edgar Chías.

"Es triste que ni los textos ni las puestas tienen fortuna o plataformas de movilidad para salir de la localidad en la que se generan. Una de las virtudes y generosidades de esta Muestra es que sí ha podido insertar a las obras que presenta en una red de plazas y muestras", comenta el dramaturgo.

Violencia, comedia y juventud

En cuanto a las propuestas que integran el cartel de esta edición, LEGOM indica que en general "hay una tendencia fuerte hacia la violencia, lo cual es natural por lo que ocurre en el país, y en las obras prevalece un registro ligado a la comedia: es el género más recurrido por las nuevas generaciones, pero más que la comedia es el absurdo naturalista de Pinter: esta obra con los excesos fársicos en un tono muy naturalista. Fuera de límites es un melodrama. Magnetar es una comedia con un humor muy fino, de Raúl Valles, un excelente director", comenta el escritor.

"Siete, de Imanoll Martínez, un chico de apenas 19 años, es una obra maravillosa. Imanoll es un chico que tiene mucho por dar, y ya presenta una obra muy arriesgada y sólida. Para narrar una explosión narra los fragmentos, eso en el sentido formal. Su obra conserva los excesos de la juventud, tiene un espacio lírico afortunado y se vuelve una obra muy disfrutable. Este joven es un gran hallazgo, además de que juega de local pues es queretano", dice LEGOM.

Edgar Chías proyecta que en las futuras ediciones de la Muestra se lancen dos o tres coproducciones anuales y se refuerce el modelo pedagógico (los talleres), "dando la posibilidad de que haya residencias más extensas, y con los talleres se promueva una actualización" para críticos, dramaturgos, actores, productores, traductores, y escenógrafos.

La Muestra también se ha convertido en un espacio para hacer negocios porque acuden productores y promotores, gente que se puede interesar en contratar algún espectáculo y ahí mismo se firman contratos, aseguran los dramaturgos.

9a Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia

Del 19 al 23 de julio

Museo de la Ciudad

Querétaro, Qro.

Consulte la programación en: culturaqueretaro.gob.mx en Internet.

legom68@hotmail.com

La máquina de Esquilo

2011-07-14T13:58:00.000-07:00

El teatro en sus orígenes

Montan La máquina de Esquilo, en Chapultepec

El teatro es una de las pocas instituciones de la antigüedad que prevalece hasta nuestro tiempo. Esquilo (Siglo V antes de nuestra era) fue una máquina de escribir teatro, dejando un legado de más de 70 obras. Hoy en día, esa máquina esta activa y en el mundo entero, incluido nuestro país, el teatro vive de un gran momento de experimentación y de trabajo estético que hoy se practica de forma intermedial y transdisciplinaria.

Sin embargo, en México, este tipo de trabajos son poco visibles. No obstante, salvo algunas excepciones que poco a poco, sobre todo en la última década, han logrado acumular un cierto prestigio en la escena independiente, una gran parcela es desconocida. Por eso, desde este mismo rincón se han buscado nuevas propuestas que acerquen el teatro al gran espectador.

Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio (LEGOM) es uno de los autores montados en esta exploración. Autor de una basta cantidad de obras dramáticas, entre las cuales algunas de las más conocidas son Perros hinchados a la orilla de la carretera y De bestias, criaturas y perras, también ha incursionado en el teatro para jóvenes, de donde han surgido obras en las cuales su característico tono irónico, su irreverencia y su desparpajo en el uso del lenguaje, se mantienen, muy en contra de las convenciones.

Esto ocurre en la obra La máquina de Esquilo, que este fin de semana y el siguiente (16, 17 y 23 y 24 de julio) se presentará al aire libre en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque, con la dirección de Alberto Lomnitz y el talento de los jóvenes y audaces actores: Olivia Lagunas, Sonia Franco, Abril Mayett, Raúl Vallejo, José Cremayer, Guillermo Villegas y Ricardo Rodríguez.

La irreverencia y la originalidad de LEGOM se trasminan en el tono, el tema y la propuesta que Lomnitz lleva a cabo. Un tono paródico que se sirve del carnaval y el folklor léxico para lograr contundencia comunicativa; en ese sentido el texto no desdeña al público que va dirigido, los jóvenes, y por tanto se expande al mismo tiempo que es elocuente.

Un tema pertinente que se trata sin ninguna solemnidad: la poca cultura teatral de una mayoría significativa de ciudadanos se ve como una oportunidad para bajar del pedestal a Esquilo y ponerlo al nivel de las personas y así, dese ahí poder valorar su legado: dotar de teatralidad a la narratología de los primeros brujos y chamanes del mundo moderno.

Esquilo (Siglo VI AdC) fue un soldado griego que con el paso de los años se transformó en dramaturgo. Desde sus tragedias el teatro ha evolucionado. LEGOM encontró en esta manera de contar la historia de uno de los grandes pilares del teatro moderno, la manera de hacer de la teatralidad un acto en directo, cercano, hábil y divertido.

En este sentido, la propuesta estética se transforma en una propuesta ética: acercar al gran público a la experiencia del teatro. ¿Obstáculos? Ninguno más que las inclemencias del tiempo. Porque la estructura es sencilla: un principio que es un traslado al pasado (teatro desde fuera del teatro que se inserta en el alma de la anécdota, como en Jesucristo Superestrella) desde donde se comienza a contar la historia; una escenografía movible y muy precisa en la que se utilizan también instrumentos improvisados (botes de basura como tambores, mangueras de plástico como cornos); una experiencia horizontal que emula una de las grandes aportaciones griegas a las sociedades del futuro: el espacio del ágora, la asamblea; y un texto muy ingenioso que convierte a la tragedia en una gran comedia: ácida y fibrosa como las magnas comedias de la historia.

El montaje es una apuesta loable y una buena oportunidad para divertirse en familia, para ir a ver teatro muy bien realizado: un buen texto con un director preciso más una media docena de confiables y talentosos intérpretes. Si es maestro lleve a sus alumnos. Si es director de una escuela pida una cita con este ensamble y dele oportunidad al teatro que todos llevamos dentro.

La máquina de Esquilo

Plaza Ángel Salas (Centro Cultural del Bosque / detrás del Auditorio Nacional)

Sábados 16 y 23 y Domingos 17 y 24 de julio.

Entrada libre.

Más sutil que el espejo, de Alberto Villarreal

2011-07-12T09:24:00.000-07:00

Una sutil "presentación" dramática

Da inicio de recindencia de Alberto Villarreal en El Milagro

El dramaturgo y director de teatro, Alberto Villarreal es uno de los jóvenes artistas de la escena que entienden la necesidad de reflexionar sobre los problemas teatrales que afectan a dicho arte en nuestro país y, sobre todo, de convertir esas reflexiones en experiencia, es decir: en presentación y no solo en representación. Por eso a partir del miércoles pasado dio inicio en el Teatro El Milagro un periodo de residencia artística del dramaturgo con el estreno de la obra Más sutil que el espejo, de la que es autor y directo.

Textos que se componen de imágenes, imágenes que se manifiestan como poesía, sonido y ruido que se produce como manifestación emotiva, figuras simbólicas y metáforas de escena. Todos estos recursos son tomados por el joven dramaturgo para saturar con referentes audiovisuales y con la palabra como calzador de la memoria, una obra de teatro que nos mira de un modo tan o más sutil que el espejo.

Más sutil que el espejo presenta a cuatro personajes. Ellos en un principio portan máscaras de monstruitos y exploran el mundo de la infancia y del tacto. Luego, en una taquicardia escénica que se sirve de la parodia y el ridículo los personajes bailan alocadamente o componen coreografías a lo Michael Jackson. Es ahí cuando la obra cae en el centro: un cuento que un padre dice a su hijo en medio de una conversación familiar, una mañana. A partir de ese recuerdo vienen las preguntas y las interpretaciones, los puntos de vista, las miradas. Finalmente, la criba y la manifestación de las potencialidades de existencia.

El pasado jamás es asible, siempre es una versión o un lado b de nuestro presente. El hijo no puede recordar el cuento, así que reconstruye desde diversos puntos de vista o desde diversas perspectivas, aquella mañana. La anécdota alcanza nivel de metáfora escénica: pone de manifiesto los alcances y la importancia de la dirección y de la presencia artística. Es decir, con un simple cambio de planos (esta escena central se repite pero los actores dan un giro de 180 grados con respecto a su ubicación espacial) el espectador entiende la importancia del montaje y la trascendencia de la trama coreográfica que es dirigir a los actores. Pero también se juega con los símbolos del espacio. Uno de los fundamentales: atravesar la cuarta pared.

La obra es asimismo un alegato, sutil, contra las convenciones, contra el malestar radical de la condición humana, y en ese sentido se preocupa constantemente, no por los vivos ni por los niños, sino por los no nacidos: tantos y tantos por venir a este mundo en el que lo único seguro que les ofrece es dolor. La asunción de la culpa, a nivel temático, es la propuesta más interesante de esta obra de teatro. La asunción que proyecta asumirla.

Esta joven compañía (Teatro y más arte escénico S.C.), que nace a partir de este montaje pero que ya tiene un par de años elaborando contenidos web, elabora con pocos recursos una obra que roza el escándalo (podrá gustarle o no, eso es cuestión de enfoques) pero los actores Paulina Sánchez, Astrid Romo, Yara Guerrero y Luis Villalobos, jóvenes egresados de la Licenciatura de Actuación de La Casa del Teatro, ponen por delante el compromiso con la acción dramática. Y eso se agradece.

Poker Face, de Maureen Callahan

2011-07-11T14:15:00.000-07:00

Disecciona el fenómeno Lady Gaga

Circula en México reportaje sobre el rápido ascenso de la diva

Ocho meses convirtieron una pregunta sobre los orígenes de Lady Gaga en un amplio reportaje que echa luces sobre el gran mito que se ha construido alrededor de la cantante más importante del espacio simbólico transitorio entre las dos primeras décadas del siglo XXI. Ochos meses que abarcan el inicio de la Monster Ball Tour, en la ciudad de Manchester, Inglaterra, en febrero de 2010 y su presentación en Japón a finales del mismo año.

De la potencia a la realidad. Ochos meses en los cuales pasó de ser una estrella con un primer logro: irrumpir con firmeza en la escena musical internacional respaldada por un fuerte apoyo de la compañía discografíca Interscope, y mucha intuición y cálculo en el uso de las redes sociales. Y se convirtió en una diva, como lo apunta la periodista y escritora Maureen Callahan (que fuera durante siete años redactora en jefe del New York Post, diario que la propuso en 2009 para optar por el prestigioso Premio Pulitzer).

El libro de Callahan no es una biografía sobre Steffani Joan Germanotta, quien desde antes de convertirse en la famosa Lady Gaga, ya había tenido algunas brevísimas apariciones en TV (principalmente en una escena en Los Soprano y como víctima en uno programa de bromas de MTV).

Este libro, de acuerdo con el sugerente título, Poker Face (Ediciones B, 2010), que alude directamente a uno de los primeros éxitos de la cantante, y que significa algo así como "el rostro tramposo" indaga en esa primeras preguntas que asaltan a todo fanático de la cantante: ¿de dónde vino?, ¿quién es?, ¿es auténtica o una copia maquillada?, ¿quién estuvo detrás de tan tremenda maquinaria de publicidad?

Con base en una larga lista de entrevistados, Callahan hilvana algunas líneas: la visión e influencia del padre de Steffani, un agudo empresario de origen italiano, es fundamental para la disciplina de esta cantante; la personalidad voraz de la joven neoyorkina que se traduce en esa actitud echada para adelante que, en el camino, a muchos desesperó y a otros tantos puso de cabeza, más su audacia e inteligencia, la hicieron amoldarse a todos las sugerencias, sobre todo la primera: dejar de ser una gordita de cabello negro y convertirse en una mujer sexy y rubia; la estrategia de grandes marcas en el diseño de un producto que fuera comercialmente atractivo: mantener un sonido pop tradicional, en contra de los deseos adolescentes de Steffani: ser una cantante genuina, más decantada por el jazz.

Además, la disciplina que la ha hecho dar conciertos casi todas las semanas en tan solo un par de años, empezando por pequeñas presentaciones en bares gays con un discurso dirigido a dicho grupo, pero también apareciendo en fiestas neoyorkinas a las que acuden los grandes productores, o como telonera de The New Kinds On The Block y hasta del grupo femenino, hoy plenamente olvidado, a quien llegó a componerles canciones, The Pussycat Dolss.

En su largo reportaje, Callahan apunta un hecho contundente: Gaga ha sabido entender el funcionamiento de los medios de comunicación y las redes sociales, de tal manera que le ha dado la vuelta al fenómeno violento de la propaganda: los paparazzis no la cazan, es al revés: ella es una caza paparazzis.

No es ingenua: prueba de ello es que jamás se la ve ebria o en un estado indispuesto. En ese sentido, jamás "da la nota" que los demás buscan sino que ella "da la nota" que quiere dar. Estrategias como, en un principio, aliarse con un bloguero exitoso, Pérez Hilton, o asumir una postura a favor de una minoría (gays), le redituarían en el futuro.

La imagen ante todo. Por eso se entiende que para ella sea preferible, por ejemplo, llegar tarde y exasperar a la prensa mexicana pero llegar finalmente vistiendo un atuendo que dejó a los medios boquiabiertos. Al día siguiente la nota era su atuendo y no que los hizo esperar casi dos horas. Ella dijo: "perdón chilangos pero quería estar presentable para ustedes".

La investigación de Maureen Callahan funciona como un micro relato expandido o como una micro historia de la aceleración. El pasado más lejano que ubicamos en este libro se remonta a 2006. En los ochos meses mencionados, los cuales se registran al principio y al final del libro, hay una suma cuántica a partir del relato terciado. Lady Gaga no es portavoz de su propia historia porque esa historia es ficticia o ha sufrido una hipertrofia. Los portavoces son los otros, y sobre todo, los que en el proceso de formación de ese Monstruo llamado Lady Gaga, han sido borrados o echados a la basura. Se cuenta que, fácilmente en unos meses, Germanotta siguiendo una máxima de perfección ha despedido directamente a más de 150 personas.

Tal vez Lady Gaga es como el personaje Edward Blom, de la entrañable película Big Fish, en la cual un viejo en la antesala de la muerte repasa su vida como un joven pueblerino que fue capaz de vencer todo tipo de adversidades para convertirse en quien quería ser. La historia es bellísima aunque da la impresión que todos los relatos del viejo son hiperbólicos. Y, sin embargo, al exagerar se potencia una de las grandes cualidades humanas: la imaginación. Esa idea se filtra al final de la película de Tim Burton.

Por eso, Callahan no hace ni una apología pero tampoco una denuncia de Lady Gaga. Su reportaje es amplio y se mantiene al nivel de una propuesta abierta (es importante apuntar que la traducción tiene fallas). Pero su libro es una manera de tratar de entender el fenómeno desde su forma más natural: la humana. Como hace muy poco lo hizo la cadena HBO con un especial supremo, justo en los días que Gaga visitó nuestro país: y nos muestra a una chica de 24 años, ¡por Dios! que por supuesto duda y es insegura, y que además ignora aspectos de la cultura, la política y de la sociedad que trascienden por mucho la importancia de una presentación en vivo, pero que, quizá, no trascienden la importancia de la música y del arte, ni de la sensibilidad.

El libro de Callahan es importante para recordar a esa niña gordita de nariz grande y cabello negro que se sentaba a su piano y tocaba sin importarle nada más que su música, y es importante también para recordar que hay "necesidades" (las grandes corporaciones, el trabajo, las utilidades, la cultura) en el mundo que dilapidan los sueños de la gran mayoría, corporaciones que al margen del beneficio económico, no tienen ningún otro interés. Y también es importante para recordar que, sin embargo, pese a estas necesidades, sin duda, es mejor seguir soñando, seguir imaginando. Sí, porque es un sueño: creer que podemos ser quienes queremos ser.

Lamento por Adolfo Sánchez Vázquez

2011-07-10T10:51:00.000-07:00

Bueno, unos apuntes, una lectura de primera intención sobre la importancia que tiene su ausencia. El viernes murió el gran filósofo Adolfo Sánchez Vázquez.

El último gran filósofo radical

Gran parte de su legado descansará en la Facultad de Filosofía y Letras

Todavía hace un año podía vérsele caminar con dificultad, pasito a pasito, por los pasillos de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. A su paso abría una estela de rumores y una brisa de inteligencia, erudición y sensibilidad que algunos ejemplares de las jóvenes generaciones, arropadas como modelitos con sus novísimos diseños de arrogancia y frivolidad, recibían como una cachetada hueca sin sonido o un balde de agua fría que solo les moja los huesos.

Cuando don Adolfo Sánchez Vázquez caminaba cerca, el rumor arrastraba su nombre: "ese es Sánchez Vázquez". Y muchos sentían ese rumor en el aire y solo podían contener el aliento e imaginar que hacían una reverencia porque eso de respetar a los viejos hoy carece de valor. En un país en el que la filosofía es asunto de poca monta y de nulo interés gubernamental para la formación de los individuos, es casi imposible encontrar canales que le tomen la medida a la magnitud del significado que representa la muerte de don Adolfo. En un mundo que ha encumbrado nombres y no obras y en una Academia que ha perdido todo sentido de lealtad y nobleza de espíritu para convertirse en un absurdo ring de egos, la muerte de Sánchez Vázquez cierra un episodio en la historia de las ideas de nuestra nación, si no es que el último.

Muy pocos de quienes hoy caminan en los pasillos de esta facultad tomaron clase con el filósofo mexicano nacido en España. Los jóvenes que hoy acuden a esta casa de saber, tal vez no lo han leído pero el nombre es una eminencia. Su nombre es una reverberación de los grandes anhelos y sueños de las generaciones que nos precedieron, las últimas generaciones románticas que han trascendido como tales, como colectivos. Pero su mayor legado (sus ideas, sus libros) serán donados a la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, una institución que penosamente se está auto borrando del mundo.

Pero el legado trasciende el recinto. Muchos han sido formados por las lecturas de Sánchez Vázquez, bajo su mirada teórica y sus aproximaciones al estudio de las relaciones entre la realidad y los medios de producción de las sociedades capitalistas. Generaciones y generaciones que hoy lamentan su muerte y a quienes nunca nadie (ni siquiera las televisoras) les va a robar esas partículas de pensamiento que el filósofo logró depositar, a partir de sus textos, en su cabeza: en su manera en entender el mundo y de actuar en él. Porque finalmente eso es lo que logra la filosofía: dotar de ideas que configuran una personalidad que actúa en el mundo consciente de su incidencia.

Adolfo Sánchez Vázquez falleció el viernes pasado en la ciudad de México, ciudad que lo adoptó desde hace seis décadas. Se trata sin duda de uno de los más importantes filósofos que ha surgido en nuestro país, uno de los más rigurosos, quizá el más influyente en varias generaciones, y también uno de los más reconocidos a nivel internacional, un filósofo de convicciones pero abierto a la contingencia y multiplicidad inherente a la pulsión filosófica: la dinámica del pensamiento.

Durante su larga vida, Sánchez Vázquez integró una copiosa obra, que en su mayoría gira en torno de reinterpretaciones sobre el tótem Carlos Marx. Ligado a la poesía, y enfocado en el estudio de la realidad, reivindicó el poder imaginativo de la conciencia humana, su necesaria dimensión creadora y la rebeldía inherente a la utopía: la inconformidad perenne que es producto de la única verdad: la realidad es perfectible y nuestro actual estado de existencia y convivencia no es el ideal.

Ilustre pensador que tuvo su mayor arco de influencia durante la guerra fría y la penosa etapa de dictaduras en América Latina, en aquellos años y hasta sus últimos escritos propuso reconducir la mira para platear una alternativa al socialismo, como lo hicieran una década antes, a finales de los 60, otros filósofos marxistas de la talla de Herbert Marcuse o Georgy Lukacs, luego de que el socialismo realmente existente había mostrado sus fisuras.

"Al tratar de realizarse la utopía, se muestra la impotencia o imposibilidad de realizarla. Pero, esta impotencia —absoluta en ciertas utopías—, es relativa y condicionada en otras. El fracaso de hoy, puede ser el éxito de mañana. El sueño y la ilusión presentes, pueden ser una realidad en el futuro. Pero subrayemos: pueden ser..." escribió Sánchez Vázquez en el libro de ensayos Entre la realidad y la utopía.

Muere un filósofo necesario, de esos que no se dejan seducir por la estridencia del fenómeno del momento, sino de aquellos que miran al pasado para entender el presente y proyectar el futuro. No un filósofo de ideas sino de plataformas. Un filósofo de raíces que se expanden hacia el magma de la historia, la cultura y el ser. Descanse en paz, el último de los grandes filósofos radicales.

¿Sabes qué onda con los defensores de Derechos Humanos?: ¡Declárate!

2011-07-06T16:34:00.000-07:00

¡Declárate!

El miércoles pasado acudí al lanzamiento de la campaña "Declárate", que promueve la defensa de los defensores de Derechos Humanos a partir de la difusión de un videito el cual le spego a continuación. Se trata de una iniciativa muy interesante que fue ingeniada por los magos publicitarios de la agencia Vago despierta.

Acá les pongo algunas impresiones de lo que vimos en la ceremonia de lanzamiento de esta campaña que tiene nobles intenciones en un contexto pleno de violencia como es el que vivimos en nuestro país. Si les late la idea: ¡declárense!

Dice Navi Pillay: "Voy a llevar por el mundo su mensaje"

Acude Alta Comisionada de Derechos Humanos a lanzamiento

"Voy a diseminar por todo el mundo lo que ustedes están haciendo con esta campaña", dijo sorprendida la Alta Comisionada de las Naciones Unidas de Derechos Humanos, Navi Pillay, al terminar su participación en el lanzamiento de "Declárate", campaña que busca hacer visible la labor de los defensores de Derechos Humanos, labor que es ignorada por la mayoría de las personas de nuestro país y del mundo entero.

A partir de que en el evento se proyectó el video que encadena esta campaña, la gente puede visitarlo en la página www.yomedeclaro.org en Internet. El objetivo es llegar a un millón de visitas en las próximas semanas y, sobre todo, sumar personas que se declaren defensores "de aquellos que nos defienden" como menciona el rockero Saúl Hernández al final del corto animado.

En el acto, además de Saúl Hernández y Navi Pillay participaron los periodistas Lidya Cacho y Javier Solórzano y la actriz Cecilia Suárez. Cada uno de los voceros de esta campaña emitió dos mensajes: primero uno general y, luego, cada quien con un target en específico: Cecilia Suárez a los famosos (políticos, líderes de opinión, figuras públicas, deportistas, cantantes, actores, aquellos que pueden usar un micrófono); Lidya Cacho a los defensores; Saúl Hernández a la juventud mexicana, "a la raza", y Javier Solórzano a los periodistas.

Los periodistas Solórzano y Cacho optaron por la improvisación y la fuerza de la espontaneidad y, en sus respectivas alocuciones: Lidya mencionó que "lo importante es que cuando nos enfrentamos a la violencia lo hacemos como ciudadanos, policías, estudiantes, amas de casa, activistas, empresarios... es importante que todos en este país nos protejamos mutuamente", y Solórzano acusó: "en los últimos meses ha crecido un ataque sistemático contra aquellos que nos defienden".

Por su parte, Hernández y Suárez prepararon dos profundos, inteligentes y emotivos discursos que, a pesar de su brevedad tuvieron eco en las ovaciones de los asistentes. El líder de Caifanes dijo que esta es una oportunidad para lograr como país "una recuperación de conciencia, que ayude a nuestro crecimiento como sociedad. Entre el Estado y la sociedad hay un abismo. El Estado no sabe quiénes somos. Solo conoce que hay cifras pero no conoce sus rostros".

En su turno, la actriz Cecilia Suárez mencionó. "¡vaya paradoja! (la defensa de los defensores)... pero esta oscura circunstancia (por la que atraviesa el país) es la que nos obliga a a ctuar colectivamente. Se trata de una descomposición emocional indescriptible. Sentimiemtos como la rabia, el dolor, la ansiedad, la impotencia, la inseguridad solo alimentan la locura que reina en el país".

Vago despierta, unos manes con ideas bien frescas

2011-07-03T08:41:00.000-07:00

"La publicidad tradicional está agotada"

Vago despierta diseña campañas de acción social

Hace unos días me di una vuelta por las oficinas de Vago despierta, ni más ni menos que en la amada colonia Condesa. Y platiqué alrededor de una hora, chance y un poquito más, con los meros meros de esta agencia de publicidad, que es una agencia sui generis porque ellos están interesados en que el consumidor crezca junto con la marca, en ese sentido, lo que hacen es promover valores que se constituyan en el individuo a partir de la repetición consciente, de acciones que repercutan en un cambio social a pequeña, mediana o gran escala.

Actualmente son los genios detrás de una campaña de la ONU, sobre la defensa de los defensores de Derechos Humanos. Y también son las cabezas detrás de la reciente campaña de Vicky Form en torno de la siguiente propuesta: que las mujeres voten por los 10 Mandamientos de la mujer. Una campaña en la que no aparece ningún corset ni braga y que es muy potente.

Aquí les presento algunos ejemplos:

Trabajar en una agencia reconocida mundialmente como Ogilvy haciendo publicidad para grandes marcas podría ser el sueño de muchos. Sin embargo, para los jóvenes publicistas Álvaro Manzano y Analá Farías el verdadero sueño se encontraba oculto. Fue en 2008 cuando este joven colombiano y su amiga mexicana decidieron que era tiempo de dar un giro en sus vidas y se lanzaron a la aventura: decidieron despertar al "vago" que ellos llevaban dentro y crearon una agencia de publicidad sui generis, Vago despierta, que ubica en el concepto "vago" a aquellas personas que son capaces de salir de la normalidad para alcanzar sus sueños.

Vago despierta propone campañas de "acción social", con lo que, de acuerdo con la visión de estos dos jóvenes emprendedores, llegan más lejos que las agencias tradicionales.

"Cuando abrimos la empresa el mayor reto que tuvimos fue cómo ir más lejos de aquello que se conoce como responsabilidad social, que en un gran porcentaje cae en un tema de asistencialismo.

La mayoría de las marcas dicen: "ok, si me compras, dono", pero así en realidad es el dinero de la gente el que se dona y la marca no es capaz de sacar de su utilidad. Por otro lado, hay publicidad que trabaja a nivel de conscientización pero que se queda ahí: ok, somos conscientes, sabemos que hay violencia, que hay guerra, que hay falta de educación, sobrepeso. Y en realidad hacemos muy poco", dice Álvaro Manzano.

"No buscamos gente consciente, sino gente que actúe. Cuando tú actúas una o dos veces lo conviertes en un hábito. Nuestra publicidad busca cambios positivos a nivel social", puntualizan los publicistas.

En esta agencia son claros: ellos no trabajan sobre responsabilidad social porque ésta no se tendría que vender como valor agregado, justamente porque es una responsabilidad: "Si yo soy una compañía de refrescos que saco agua de todos los manantiales diariamente en toda Latinoamérica, lo mínimo que tengo que hacer es reforestar los bosques para que siga habiendo agua. No es algo que se tiene que aplaudir", afirma Manzano.

Una campaña que no anuncia prendas sino valores

Cómodamente sentados en una fresca oficina de tonos metálicos que impacta por su atención al detalle, Álvaro opera su ordenador portátil sobre una mesa blanca y negra con forma de una gran media naranja. En la pantalla de su laptop, uno de los carteles relativos a una de las campañas que hicieron para la empresa de lencería femenina Vicky Form. Analá emocionada se asoma. Están contentos: en tan solo unos días la campaña "Los 10 mandamientos de la mujer" ha sumado más de 10,000 votos.

"Cuando nos dimos cuenta de que existen estos dos modelos, asistencialismo y conscientización, decidimos crear otro modelo y así llegamos llegamos a trabajar publicidad de acción social. Nosotros trabajamos con las marcas pero ellas son quienes proponen ciertas plataformas de comunicación. Y, finalmente, quien hace grande la publicidad, quien ejecuta la comunicación, es el consumidor", indica Manzano.

Este modelo se aplica totalmente en la campaña de Vicky Form, porque son las mujeres, con sus votos, quienes hacen trascendente esta campaña. Las mujeres (y también los hombres, aclara Analá) votan para elegir, de una lista de 30 finalistas, los 10 mandamientos que corresponden de manera más general con los intereses de la mujer. Estas 30 propuestas finales se extrajeron de un total de 25,000 alternativas, las cuales fueron recabadas durante un lapso de dos meses mediante encuestas, call centers y redes sociales. Para seleccionar a estas 30 finalistas contaron con la asesoría de una agencia de investigación que les ayudó a leer con agudeza y detalle los datos recopilados.

Todos los mandamientos finalistas fueron redactados como acciones. Algunas de las propuestas son: "Como mamá, no educo machos ni sumisas"; "Nunca arriesgaré mi salud por alcanzar un estereotipo de belleza"; "Las mujeres quedadas no existen, yo decido si casarme o no"; "No me dará ni miedo ni vergüenza si me gustan las mujeres". Los alcances y fortalezas de la campaña están a la vista.

Las marcas carecen de credibilidad

Uno de los aspectos inmediatos que más llama la atención cuando nos acercamos a Vago es el cambio de mirada que proponen al publicista: ¿por qué logramos que las marcas puedan crecer y no hemos logrado que quien las consume crezca junto con ellas? El desajuste repercute en las marcas de una manera directa: la gente no cree en lo que estas les venden, en sus discursos.

"Hoy el día el bonding de las marcas, el amor que se tiene hacia ellas, está sufriendo una gran falta de credibilidad. Yo como consumidor no le creo a los gobiernos, no le creo a las marcas, no le creo a las organizaciones. No tengo ídolos. Hace 50 años había grandes personalidades. Por eso, en la agencia proponemos una comunicación directa y honesta, no tramposa. Y de ahí, todavía damos un segundo paso: el compromiso: ¿Solo hago que te refresques o, además, como marca te aporto un valor agregado al pensar, hablar y enfocarme en intereses comunes de mis consumidores, en sus problemáticas concretas?", formula Manzano, líder de la compañía.

La publicidad tradicional ha caído en un círculo vicioso en el cual por encima de todo priva la mentira, el engaño y la simulación. Por eso mismo, el trabajo de Vago es interesante ya que pone por encima la ética y la honestidad para proponer campañas.

Analá, Álvaro y su equipo de trabajo, el cual suma una flotilla de menos de 10 personas, están seguros de que hoy en día el consumidor es un consumidores inteligente e informado y hay que tratarlo como tal. Tratarlo como tonto sería ponerse la soga al cuello.

Y esta reflexión la han llevado a la Academia, pues han impartido talleres, cursos y conferencias en Universidades, donde han confirmado que la publicidad ya va por otro lado:

"Cuando vamos a las universidades, les decimos a los jóvenes de 18 años: el potencial que tú tienes en la cabeza lo puedes utilizar para vender refrescos o para hacer cosas como las que hacemos nosotros. Ahí nos damos cuenta de que el chavito no quiere vender cocas. Los chavitos tienen una conciencia mucho más clara y cuestionan el mercado", comenta Manzano quien a sus 31 años es el mayor de una flotilla de creativos y diseñadores que hacen publicidad diferente. Según sus líneas conceptuales: vagos despiertos.

¿Por qué Vago despierta?

Hay varias historias alrededor. Vago es una descripción de nosotros mismos. Estuvimos durante años detrás de una computadora, en un escritorio pensando estrategias y creatividad para grandes marcas, y en el fondo había un sueño y cierto grado de inconformidad. Y un vago es esa persona que le pone stop a esa inconformidad, se sale y lleva a cabo su sueño. Eso es vago despierta. En ese sentido, resemantizamos el concepto de vago. También hay otra lectura: los shadús de la India, vagabundos que lograron separarse de las cosas materiales y alimentarse de sabiduría. Los shadús están en la calle hablando con la gente y así reciben dinero o alimentos.

El consumidor inteligente:

"El consumidor hoy en día es inteligente, maneja mucha información. En ese nivel funciona el compromiso social que pueden vincular con las marcas. Tratar como tonto al consumidor es ponerse la soga al cuello": Vago Despierta.

Dos libros para Luis Cernuda

2011-06-29T14:22:00.000-07:00

Luis Cernuda, desde la historia y la emoción

Circulan en México biografía del poeta y una novela en la que es personaje

Desconozco la obra de Cernuda, mea culpa. Pero para quienes no son ignorantes en esta materia, me parece que este par de textos les pueden ser de interés:

El gran poeta sevillano Luis Cernuda, llegó a París en febrero de 1938, dejando atrás un país que se desangraba en una cruenta y despiadada guerra civil, España. Meses después, en mayo del mismo año, es invitado a Inglaterra para impartir una serie de conferencias, coincidiendo con la llegada de 1800 niños españoles hijos de republicanos, la mayoría de ellos huérfanos, que son recibidos como refugiados políticos en aquel país.

¡Quién lo viera! Cernuda en bañador.

Desde un punto de vista histórico, aquel momento marca un antes y un después en la vida del poeta: la vida en el exilio, la vida lejos, fuera y la vida en constante reniego del terruño natal, época de su vida que desembocaría con su muerte en México en el año de 1963.

Pero también, desde un punto de vista emotivo, marca un antes y un después: el momento de la tristeza, de la amargura, de la decepción total, luego de saber que también los niños mueren en su natal España.

Estas dos visiones las retoman de un modo vital y muy distinto dos escritores (uno filólogo, el otro novelista) en dos libros interesantes y fundamentales para aproximarse a la trascendencia de este hombre que fue un poeta hasta la médula.

Antonio Rivero Taravillo con la segunda parte de la biografía de Luis Cernuda. Años de exilio (1938-1963), cuya primera entrega ganará la XX edición del Premio Comillas de ensayo, y Eloy Urroz con la novela La familia interrumpida, una novela muy personal, que ha recabado los elogios de la literatura más oficial: Jorge Volpi y Carlos Fuentes.

"Era un radical rebelde": Rivero Taravillo

El poeta y el mundo son dos ramas que provienen de la misma raíz: el mundo es poiesis, creación constante, y el poeta es creatividad incontinente. Pero en el caso de Luis Cernuda, en esta relación poeta-mundo, según el filólogo y traductor Antonio Rivero Taravillo, "vemos como dos piedras que chocan, aunque de muy diferente tamaño: yo y el mundo o el mundo y yo, de ese choque se producen chispas y de ahí muchos poemas. Cernuda es un caso extremo en este sentido", dice.

Rivero Taravillo comenzó a apasionarse por la obra de Cernuda desde hace ya 25 años, 7 de los cuales los destinó a la redacción de la primera biografía que se ha escrito del vate.

"Cernuda tenía un carácter difícil. En el fondo de él, había una pulsión a romper con todo y con todos. Cernuda fue un radical rebelde, alguien que no tenía encaje en el mundo. Su exilio fue perpetuo", dice el escritor.

Pero en México encontró: "una forma de entender el mundo más sensual, al margen del afán mercantilista de países por los que él pasó como Inglaterra, Escocia y Estados Unidos, donde lo importante es el éxito en lo económico, la producción. Y esto es absolutamente ajeno a quien era Cernuda".

"Era un escritor con formas bien distintas, y lo que se mantiene como constante fue esta rebeldía más un tono moral de meditación como no hubo en España antes de él. Después, sí. Porque entre los poetas españoles su influencia ha sido bastante importante, sobre todo tras la vuelta a la democracia. Y ha inspirado a varios poetas de generaciones sucesivas, lo cual no es frecuente porque una generación de poetas suele repudiar a quien fue maestro de la anterior", comenta Taravillo.

El cambio de tono: la mirada triste

Persona dura, difícil. Poeta radicalmente humano, albergó desde niño la idea de que no era bien acogido en su familia y luego se sintió diferente. Se dice de él que era un hombre huraño. Pero, por más que se diga lo que se quiera, al escritor mexicano avecindado en Estados Unidos, Eloy Urroz, quien toma a Cernuda como uno de sus personajes en la novela La familia interrumpida, le interesa más seguir el registro de los poemas de Luis Cernuda para indagar con más preguntas.

Para Urroz, Cernuda más que enojón era un hombre triste. Ha leído desde hace bastante tiempo al poeta sevillano y entre sus afectos destaca un libro que es su favorito: Las nubes.

"Dentro de este libro hay un poema que me causaba misterio, es un poema sobre la muerte, se llama 'Elegía a un niño vasco muerto en el destierro', y fue a partir de ese título y de esa prosa que yo quise saber qué había detrás. Esto me dio pie para investigar más sobre Cernuda y finalmente llegué a la idea de que quería escribir una novela a partir de esa idea", indica el narrador.

"En el contexto de la Guerra Civil española, 1800 niños vascos que son asilados en Inglaterra, muchos de esos niños son huérfanos. Se da la coincidencia que en febrero de 1938 Cernuda escapa a Inglaterra en 1938, frustrado, decepcionado de España, sin trabajo, y cae de casualidad en un trabajo ayudando a estos niños", afirma.

¿Qué cosa más triste que la muerte de un niño? se pregunta el escritor mexicano. Añade que ésa es la tristeza que se puede encontrar en La familia interrumpida. Aclaró además que esta no es una novela histórica sobre Cernuda, pero asegura que si algún lector no conoce al vate ni todo su legado, leer esta novela es "una forma de llegar a él".

Retomando el tema del carácter fuerte de Cernuda, Urroz añade: "lo que pasa en mayo de 1938 es importante porque es lo que da al traste con su personalidad: si ya estaba amargado se amarga para siempre; si era un escéptico del ser humano y tenía la peor opinión sobre lo que el ser humano es, concluyó en que: somos escoria, el hombre es un hijo de puta. Punto final. Somos una mierda, basura, sin importar nuestra filiación política. Y eso se traduce también en su poesía, porque lo que vino después de Las nubes es amargura, pesimismo en gran escala, antiespañolismo, anticatolicismo, anti-establishment. Por eso Cernuda es el gran poeta no convencional", puntualiza el narrador mexicano.

Interpol, una vez más

2011-06-27T14:00:00.000-07:00

Interpol, solitos y bajo el bronce

Quedé a deber la reseña. Pero bueno, aquí comparto un textito previo. Disculpen. No soy fan de Interpol. Mi nena, Nancy, sí. Puedo decir que ya les agarré el gusto después de verlos por tercera vez en vivo, ahora reconozco que es un rock bien sobrio, denso y lúcido. Me gusta.

Y hablando de revelaciones, esta noche también fue la tercera en la que he visto tocar a Rey Pila... Debo reconocer que también ya lo miro con otros ojos. Rey Pila tiene onda. Si lo traen como calzón sus promotores pero su música también es cuidada y prendida.

Ahora el turno de Paul Banks, que, lo recuerda muy bien Nancy, le dijo a los mexicanos: "ustedes son los mejores ganes (sic) del mundo". Yo estoy de acuerdo.

Han sido las figuras pero no han tenido su espacio. Interpol es una de las bandas consentidas por una buena parte de los jóvenes melómanos mexicanos y, finalmente, luego de sus más recientes presentaciones, las últimas dos como figuras centrales de magnos festivales de rock, se vuelve a presentar en la ciudad de México en el marco de la gira de promoción de su más reciente álbum Interpol (2010), el cuarto en su trayectoria.

Hace tres años en el Manifest y el año pasado en la primera edición del Corona Capital, Interpol dio constancia del por qué se les considera una de las bandas más importantes de su generación, al grado en que ha sido considerada por la crítica como una de las propuestas más sólidas de la primera década del siglo XX. En vivo, en esos grandes festivales, dieron la nota alta. Ahora, sus fans no esperan menos de ellos.

Desde su irrupción en la escena musical con el disco Turn on the Bright Lights (2002) brillaron curiosamente por su sonido: pasmoso y poderoso, y su pulcra ejecución instrumental que contrasta con el sonido estruendoso de las tradicionales bandas de rock. Interpol, desde su nombre, es una propuesta más sobria e inclusive sus letras lo reflejan. Es una banda que camina a pasos agigantados hacia su consolidación, y su más reciente placa se encamina en esa dirección.

Paul Banks (o Julian Plenti, vocalista que tiene a México entre sus estaciones consentidas, pues aquí vivió durante una temporada), Daniel Kessler (guitarrista), Sam Fogarino (batería) y el reciente incorporado bajista Brad Truax, a quien ya se pudo ver en acción en el Festival Coachella 2011, presentarán un concierto más personal, más dirigido y, se espera, más emotivo que sus presentaciones pasadas, en las cuales ya han hecho gritar locamente a sus fans mexicanos, quienes nuevamente podrán corear sus canciones favoritas de los discos Antics (2004), Our Love to Admire (2007) y ahora Interpol (2010), un disco cuyo sonido habla por si solo: "es realmente Interpol", han mencionado repetidamente los miembros de la banda.

Los intérpretes de temas como "Evil", "Obstacle 1" y "Show hands" también se presentarán el viernes primero de julio en el Auditorio Telmex de Guadalajara, y el sábado dos en el Auditorio Banamex de Monterrey.

A la caza de la mujer, de James Ellroy

2011-06-27T12:08:00.000-07:00

Primitivo y cazador

(sin foto)

Hace ya algunos años el afamado, denostado y hasta autor de culto: el escritor estadounidense James Ellroy escribió una especie de autobiografía la cual se publicó con el título Mis rincones oscuros. En aquel momento coqueteó con ese género que solo pueden explorar los autores medianamente trascendentes que envejecen los suficientes años para darse cuenta de ello o aquellos que cuentan con la suficiente egomanía para creer que los relatos de su vida son de un interés mínimo para una cantidad económicamente viable de potenciales lectores.

Mis rincones oscuros, cuyo título además de todo es prodigioso, fue un éxito de ventas, y constató que el ego de Ellroy es lo suficientemente grande y su maniática visión del mundo se traduce en términos literarios de un modo totalmente formidable y novedoso. Aquel primer libro liberó una asignatura que suele quedar atrapada una vez que se aborda el género: explicar, significar y definir la identidad. Y, al contrario, nos dejó una imagen más borrosa, menos nítida, menos asible pero más profunda de El.

En Mis rincones oscuros se inventó, por encargo de su editorial, como un detective o un reportero de nota roja para indagar la muerte de su madre, Jean Hilliker, quien fuera brutalmente violada y asesinada a mediados de los años 50, cuando el pequeño James contaba con 10 años de edad. Hecho trágico que marcaría su vida y que repercutiría en los temas y obsesiones que suele explorar en su literatura, como ejemplo de ello se cuentan las novelas como L.A. Confidential y La Dalia Negra, por mencionar las más conocidas.

Nosotros, lectores comunes, ¿luego de Mis rincones oscuros que más podíamos pedir a ese nivel? La respuesta la ofrece A la caza de la mujer (Mondadori), el más reciente libro del escritor sexagenario. De la lectura de esta obra, surge una primera pregunta: ¿es novela o autobiografía? No es ni una ni la otra, sino más bien un poco de las dos y nos atreveríamos a decir que es sobre todo una novela: un relato ficticio hecho con método, técnica y destreza narrativa pero, sobre todo, con una de las más admirables y arriesgadas excavaciones humanas, en un nivel en que la fenomenología, la caza de los espíritus interiores conjurados del moho que se pega a las entrañas, hace una cala sin cribas y con toda la honestidad, todo el arrojo, todo el sentimiento, toda la habilidad verbal, todo el desparpajo y toda la potencia narrativa que es posible encontrar en un escritor que se precie de serlo: un creador de literatura y no un buen contador de historias.

La historia de Ellroy es la de un hombre viejo, desencantado que siendo joven vivió mal pero de viejo ha vivido tan bien como una celebridad de Hollywood; un hombre que no ha encontrado límites y que no los tiene a la hora de reconstruir la vida a través de la palabra; un hombre con miedos y fallas que no pide disculpas y que parecería no temerle a nada; una especie de espíritu que se encuentra más allá del bien y del mal: un iluminado lleno de mierda y cicatrices, un apóstol de la abyección, un mesías de la tradición blanca, un santo de la perplejidad. Un hombre sin tiempo: un adelantado que transmite desde lo remoto.

A la caza de la mujer es una exploración vitalísima trenzada de acuerdo con las mujeres que lo han acompañado en su vida, con la prístina coincidencia de que todas y cada una de ellas son bellas, de piel blanca y cabello rojizo: todas, parecidas a la primera, la fundamental, pero ninguna ni siquiera la primera (la madre), la única. En un nivel tangible esa no existe, acaso podrá registrarse en un instante imaginativo en la conciencia pueril del pequeño Ellroy: en el pasado existe Ella, pero Ellas (incluida Jane) son el consuelo a la búsqueda inmanente de un hombre hambriento que no esconde ni se apena de su voracidad.

Esas mujeres se borran y reaparecen, se filtran y se deshacen para refuncionalizar a esa mujer que es huella, vestigio y posibilidad: Ella: Todas. No, su Yocasta personal. Sino el ombligo: la cicatriz. La carencia perpetua y la incompletud irremediable. Su ilusión vital. Sin la muerte de su madre quizá para nosotros jamás hubiera existido un Ellroy. Y esa sería una tragedia igual de grande.

Ellroy es un escritor diferente y necesario. Y no porque sea un viejo borracho de 60 años, malencarado y sangrón, que ha hecho fama y que le importan un bledo los cánones cultos, un hombre que no ha tenido hijos y que se ha liado con cuanta mujer ha podido.

Sino porque Ellroy es un santo de la literatura post-apocalíptica: alguien que, con una mueca de hastío, entre el humor y la ironía, rebobina hacia el futuro una cinta velada en búsqueda de su principio. Ellroy es lo que queda, lo último que nos queda, de aquellas categorías que un día significaron todo un mundo conocido como Literatura: honestidad, auto escarnio, incredulidad, perplejidad y valentía. Categorías que funcionaban cuando los relatos tenían peso y en el mundo aún existían resquicios de heroísmo. Cuando había hombres y no fantasmas. Cuando el hombre se lanzaba a la caza de sus ilusiones, a la caza de su mujer.

Casi, un pueblo

2011-06-23T13:53:00.000-07:00

El casi casi del amor

Una obra singular, tierna e interesante

Ya le quedan poquitas funciones, ¡vayan!

Imagen tomada del blog Diario del Planeta

Nueve formas singulares de acercarse al amor. ¡Vas a amar esta obra! Son las frases con las que se promueve Casi, un pueblo, obra de teatro original de John Cariani y que Ocesa Teatro ha montado con un elenco serio, equilibrado y que cumple con muy buenas actuaciones: Gabriela de la Garza, Úrsula Pruneda, Moisés Arizméndi y Bernardo Gamboa, dirigidos por José Manuel López Velarde, creador del musical más exitoso que ha montado en los últimos años esta productora, Mentiras, y de otro sobre el cual se tienen grandes expectativas y que se estrenará próximamente: Si nos dejan.

Si atendemos a las leyendas con las que iniciamos esta nota, lo único que atinamos a pensar es: ¿así o más melcocha? Cursilería y cursilería: gancho emotivo. Pero más allá de eso, y con toda la melcocha que se pueda imaginar, esta obra es una singular, tierna e interesante puesta en escena que, sí, ok: si a usted las historias de amor le parecen cosas lejanas, inverosímiles, superfluas, le aburrirá enormemente. Pero si es usted un ser humano común y corriente que se ha enamorado alguna vez, sin duda encontrará alguna historia que le hable de cerca. O de lejos. Pero sin duda le hablará o al oído o como un susurro a distancia o como una corneta al amanecer.

Porque Cariani ubica con genialidad aquellos momentos en los cuales emerge la posibilidad del reconocimiento. Más sencillo: reconocimiento= acuerdo entre dos personas que se dan cuenta que se gustan. Créalo o no, el amor es una simple suma de casualidades, muy compleja y muy caprichosa pero para clarificar nuestro punto pensemos en esto: en la clásica imagen del elevador:

Dos personas se encuentran solos en un elevador y se atraen mínima o fuertemente, por los motivos que sean, y esos segundos en el que comparten la convergencia de ese espacio vertical que los funde en un tránsito de niveles es una oportunidad única. Basta esa casualidad para que sus vidas cambien o, mínimo, para que fantaseen con lo que pudo haber pasado y reanuden su tránsito horizontal como si ahí adentro se hubiera suspendido el tiempo.

Las posibilidades del amor son infinitas; sin embargo, muy pocas, por más que usted sea un dandy o una femme fatale, lograrán consumarse. Este es el punto de partida de esta obra en la cual se prefiere no contar una historia sino muchas y así ahondar en la complejidad de los encuentros: en cómo la vida puede tomar un rumbo distinto si en el momento preciso nos decidimos o no a seguir a la persona, a decir te amo o callar, a lanzar esa mirada como un arpón o titubear, a acariciar ténuemente o meter las manos en los bolsillos.

Ahí se ubica la materia de esta obra. Por lo mismo es casi imposible que usted no se haya sentido en Casi: un pueblo que se ubica en la inminencia: el casi casi. Un lugar mágico porque, justamente, se nutre de la imaginación y de las fantasías: solo ahí puede existir. Porque ese amor es un instante, y en ese sentido es mágico, porque el instante basta. Después, está la vida real y sus amarguras. Pero ser capaces de habitar ese instante es casi casi como advertir el milagro de una obra de arte: que a pesar de estar a la vista siempre es invisible, hasta ese casi casi en que está a punto de ocurrir: finalmente se revela: y luego desaparece.

La primera historia de estas nueves es la más compleja, la más sencilla y la más redonda: Un par de tímidos enamorados sentados en una banca confiesan su amor. No saben cómo actuar. Quieren estar cerca. El dice algo extraño: "mientras más cerca estamos en realidad más lejos nos encontramos". Para ponerle un ejemplo a Ella, toma un papel, lo hace bolita y le dice: "¡mira! mientras más juntos, en realidad más lejos estamos uno del otro". Coloca dos dedos que los emulan, sobre la bolita de papel, levanta uno de esos dedos y le da la vuelta a la pelota hasta llegar al dedo que dejó inmóvil. Entonces, Ella se aleja, y él dice: "¿ves?, ahora estás más cerca... más cerca... y más cerca". Ella sale por un costado del escenario.

Esta obra es bella en su ausencia de pretensiones y en la contundencia de esa imagen inicial que se completa como un círculo al final de la obra. Un círculo: el símbolo de la unión perfecta.

Casi, un pueblo

Teatro Virginia Fábregas (Velázquez de León 29, San Rafael, Metro San Cosme)

J 20:30 hrs; V 19 y 21:30 hrs; S 18 y 20:30 hrs y D 13:30 y 18 horas.

$350 por el Sistema Ticketmaster

Si nos vamos con el prejuicio probablemente dejemos de atender una obra que se compone de fragmentos, historias que como las buenas historias de amor jamás comienzan así como jamás sabemos cuándo terminan.

Flavio González Mello, sobre Edip, en Colofón

2011-06-23T04:30:00.000-07:00

"Seguimos sin ver y sin saber nada": Flavio González Mello

Edip, en Colofón, una de las obras más interesantes de la CNT

Para Flavio González Mello no hay verdades absolutas. Los grandes universales hay que ponerlos en duda al mismo tiempo que no hay que olvidar las cosas importantes, las más sencillas, las más inmediatas: dónde estoy, qué día es hoy, quién es esa persona, qué dije. Propone jugar con los mitos clásicos, y divertirnos haciéndolo porque, además, nos encanta: "la vuelta de Ulises a Ítaca está en todas las road-movies".

Flavio tomó el mito de Edipo para divertirse. Y reconoce que la actualidad y vigencia de este mito se ubica en que a pesar de tanto conocimiento y sentido de planeación, para el hombre moderno el futuro jamás ha estado en sus manos.

"En realidad somos tan pequeños que no podemos controlar nuestro destino. No es cierto que tú eres arquitecto de tu propio destino. El ser humano cree que sabe muchas cosas pero en realidad siempre acaba equivocándose", dice el destacado dramaturgo mexicano, Flavio González Mello, quien, clavado en los temas de la multiplicidad de la identidad, se hacía preguntas y finalmente halló una respuesta en una de las obras de autor más interesantes y complejas que se han creado en México en los últimos años: Edip en Colofón, que actualmente se presenta en breve temporada en el Teatro Julio Castillo, en Chapultepec.

¿Somos lo que recordamos o bien somos un personaje que hemos construido caprichosa y arbitrariamente por vía de algunos recuerdos?, se preguntaba hace seis años cuando comenzó la redacción de esta obra. Y esa pregunta la llevó González Mello todavía más lejos: ¿si nos quitan eso (esa ficción o criba de la identidad) entonces qué somos?, ¿si te quitan ese pasado y la idea de que ya no vienes de un lugar sino de otro, qué queda de ti? No halló una respuesta sino muchos discursos vertidos en esta obra de teatro.

Edip en Colofón retoma el mito griego de Edipo (su destino es asaltar a sus raíces: mata a su padre y copula con su madre) y lo lleva al extremo (construyendo simultáneamente una crítica a los géneros teatrales) al condenar a Edipo a vivir en un presente continuo, pues no puede recordar el infortunio que ha padecido en el pasado.

La obra no es una continuación del mito sino una actualización de sus metáforas en un nivel simbólico y abstracto. Por eso Flavio González decide que la acción dramática ocurra en un manicomio: un lugar de repetición y sin tiempo. La ambigüedad, la duda y la ironía son las materias primordiales de las cuales se ayuda el dramaturgo para tejer una tragedia cómica que anula el tiempo y provoca el extrañamiento radical del espectador, pues la obra entra en sintonía con los tiempos que corren: se vive sin futuro, en un presente continuo donde todo es nuevo. Lo novedoso: el valor neurálgico y axial para la seducción que tiñe la totalidad de nuestra cultura.

Darle vueltas al presente

González Mello se fijó en los padecimientos mentales del lóbulo frontal y los desarrolló en el personaje Edip: "Edip elimina el tiempo. El está encerrado, porque si avanza lo que sigue es tremendo y si retrocede lo que encontrará es tremendo. Y entonces lo que hace es detenerse y darle vueltas al presente. Y esa es un poco la idea: ¿qué pasa si te evades del tiempo y vives siempre dándole vueltas al presente, si decidieras olvidar? Nunca queda claro si Edip está condenado por un problema de salud mental o si hay una dosis de voluntad en sus acciones", comenta el dramaturgo.

Esa ambigüedad es uno de los juegos más interesantes, juego que retoma de manera formidable el director de la puesta, Mario Espinosa. La ambigüedad es, asimismo, uno de los contenidos más profundos e irónicos de esta propuesta teatral que se encuentra, a su vez, anclada en otro mito: el eterno retorno.

"El mito de Edipo es la paradoja perfecta: es un callejón sin salida, es un absurdo. No se puede resolver pero es un círculo perfecto: a ti te dicen que tienes un destino: si vas hacia adelante lo cumples, si huyes a él llegas al mismo punto. Es casi una figura de geometría narrativa perfecta y muy rara. Y es una historia además que nos sigue tocando", añade Flavio, quien no se mete con academicismos ni propone lecturas cerradas.

El dramaturgo añadió que la obra intenta ofrecer al público una variedad de emociones. Es una tragedia cuyos enredos la llevan hacia la comicidad pero también se vuelve un melodramón como una telenovela que provoca un sentimiento mixto en el espectador: entre el espanto y el absurdo. Un drama fundamental para mirarnos desde la locura y la ceguera.